Bienvenido a Logia Musical, un blog donde pensamos que para cada momento de la vida hay música ofreciendote compañía. Este lugar pretende ser un vínculo entre todos los melómanos que como Nietzsche, piensan que la vida sin música sería una equivocación.

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Voyager - Mike Oldfield


Inevitablemente, cuando escuchamos el nombre de Mike Oldfield, hasta nuestra mente llega el título de sus discos más famosos: los tres volúmenes de Tubular Bells. Sin embargo, este polifacético compositor y músico tiene joyas con tanta calidad como Tubular Bells, que lamentablemente no tienen, o no han tenido, tanta repercusión como otras. Nos referimos con esto a su disco titulado “Voyager”, que, si bien igualmente fue todo un éxito allá por el año 1996, lo cierto es que Oldfield ha cosechado una mayor popularidad con otros trabajos, tanto anteriores como posteriores.
Demasiado corto se nos hace este disco cuando escuchamos cualquiera de sus diez canciones, dejándonos un sabor de boca a la vez dulce y amargo. Cinco de ellas son maravillosas versiones de canciones tradicionales, que ha sabido embellecer, pasándolas por su propio y singular tamiz, en tanto que el resto, menos la primera del álbum, obra original de Bieito Romero, son composiciones exclusivas de Oldfield.
Una de las canciones tradicionales más hermosas de “Voyager” es sin duda “She Moves Through the Fair”, que todo el mundo en algún momento ha escuchado, bien en recopilatorios de música celta, bien en algún álbum de música chill out. La maravillosa versión de Oldfield supera con mucho lo que una se suele encontrar. En ella hay un juego tranquilo de tenues coros, al cargo de “London Voices”, y una bonita alternancia de guitarra, violín, y música electrónica. Con tal amalgama de diferentes sonidos se logra crear una atmósfera especial, como sacada de un antiguo cuento. En este punto recomendamos descolgar el teléfono cuando suene esta canción, porque puede llegar a ser realmente molesto.
Otra de las canciones de origen tradicional que se incluye en este álbum es la titulada “Flowers of the Forest”, todo un desafío a la habilidad y el talento, en la que colaboraron importantes músicos y compositores de música exclusivamente celta como Liam O´Flynn, que será mencionado más de una vez en el futuro, o los Highland Pipers.
Para no ser demasiado exhaustivos, era necesario terminar haciendo especial mención a la última de las canciones de “Voyager”: “Mount St Michel”, que es una de las mejores piezas musicales creadas por Oldfield. En ella tomaron parte músicos de la talla de Matt Molloy, integrante del grupo The Chieftains, pero también la London Symphony Orchestra. Siendo así, no podemos por menos que decir que se trata de una melodía poderosa, llena de pasión y de arrolladora fuerza, transportándonos, tal y como dice su propio título, al impresionante Monte de San Miguel, capaz de hacernos imaginar fantásticas historias.
Se trata, para resumir, de un disco que merece la pena escuchar y admirar. Se gana por goleada el título de “único”. 
Por Irene Sanz Montero
http://musicaparaelbunker.blogspot.com.ar

Tracks List

1. The song of the sun (4:32)
2. Celtic rain (4:40)
3. The hero (5:01)
4. Women of Ireland (6:27)
5. The voyager (4:23)
6. She moves through the fair (4:05)
7. Dark island (5:43)
8. Wild goose flaps its wings (5:03)
9. Flowers of the forest (6:01)
10. Mont St. Michel (12:18)

Total Time: 58:13


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Gru - Cosmogenesis


GRU es el proyecto del multiinstrumentista polaco Piotrek Gruszka que cita a los siguientes artistas y bandas como sus influencias: Guthrie Govan, Fredrik Thordendal, Allan Holdsworth, Tool, Textures, Dream Theater, Pink Floyd, Cynic, Animals As Leaders, and Jerzy Połomski.
En octubre del 2010 GRU lanza su álbum debut llamado " Cosmogénesis " y lo deja disponible para su descarga gratuita desde dropbox. Poco después el enlace es eliminado por saturación de tráfico. Ahora se puede escuchar el disco entero en: http://grumusic.bandcamp.com/album/cosmogenesis

El polaco productor Piotrek Gruszka (quien también se conoce con el apodo de Gru) utiliza el metal progresivo instrumental para invocar imágenes de los cuerpos etéreos que ocupan el espacio exterior. Eso es casi todo lo que hay que decir para convencer a muchos para que le den una escuchada a Cosmogenesis.
Como se mencionó anteriormente, las imágenes que invoca la lista de canciones son decididamente muy elevadas, pero con la música en un enfoque más pesado con influencias de jazz fusión Gru muestra una voz totalmente personal.Cosmogenesis es un título adecuado, ya que el álbum suena como la banda sonora de la creación del universo. Suena como un disco con integridad total, en lugar de ser solo una serie de canciones unidas como una ocurrencia tardía. Las cosas son por lo general suficientemente homogéneas como para mantener arriba un tema y estilo en todo el tiempo de ejecución que es de 33,54 minutos, pero las canciones son lo suficientemente pegadizas como para sostenerse como pistas únicas. Esta no es una tarea fácil, y Gru debe ser elogiado. A diferencia de muchos de los álbumes que se centran en un modelo de virtuosismo técnico pesado, Gru le gusta dar un paso atrás y dejar que evolucionen las canciones con sentimiento y no innecesariamente a masturbarse sobre algunos polirritmia . Lo técnico manda, sin duda, pero las cosas se ponen locas sólo cuando la canción demuestra una entrega intensa. Cada canción es hermosa y pensada. Los riffs proggy e hiper-melódicos solos están moviendo piezas con los niveles perceptibles de emoción que se pusieron en ellas. No sé cómo se las arregla para hacer todo esto , pero él lo logra con experiencia.Gru, al igual que sus contemporáneos en el zeitgeist de bricolaje metal, es algo más que un guitarrista talentoso, la producción en Cosmogenesis es elegante y claro donde otros pueden caer de plano. Si bien no te llevará mucho tiempo darte cuenta que la batería es programada en Cosmogenesis, los sonidos son bastante convincentes y ciertamente no suenan tan obvio. El bajo a menudo descuidado es también muy importante en el sonido del álbum, añadiendo carácter a las partes más pesadas donde el tono se sale y se vuelve tan importante como la guitarra.
E
ste álbum está profundamente enraizado en la fusión de jazz y metal progresivo. La obsesión con la gama baja de ritmo, riffs staccato, y el tono de la guitarra no es uno de los puntos que Gru quiera destacar, sino que trasciende esa escena en el virtuosismo natural que tiene en la guitarra. Cosmogenesis es un álbum increíblemente hermoso con pequeños defectos o inconvenientes y debe ser escuchado por cualquier persona interesada en la música progresiva o centrada en la guitarra. El álbum es totalmente gratuito, así que realmente no hay ninguna excusa como para no darle una oportunidad a este músico polaco.


Tracks List
1. Universe (1:11)
2. Nebula (5:48)
3. Pulsar (5:02)
4. Fermi Paradox (2:25)
5. Stellar (5:19)
6. Aurora (3:30)
7. Andromeda (5:27)
8. Zeta Reticuli (5:12)
Tiempo: 33.54 minutos

El CD completo en video

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Anglagard - Viljans Oga


Änglagård es una banda sueca de rock progresivo sinfónico, que nació en verano de 1991 con la intención de rememorar el sonido del rock progresivo de los setenta, bebiendo de grupos como Génesis, Pink Floyd, King Crimson... El término anglagard, fue creado por Tord Lindman, el guitarrista de la banda, y viene a significar "Casa o granja de Ángeles".

A principios de los noventa, el rock progresivo como tal no ofrecía excesiva cantidad de bandas, por lo que se consideraba que había acabado su edad de "neoprogresivo de los 80". Pero los noventa volverán a suponer el nacimiento de nuevos sonidos. Anglagard crea su primer álbum de estudio, Hybris en 1992, tras la maqueta The Largen Demo, en 1992. Tracklist: 1. Jordrök (11:10) 2. Vandringar i Vilsenhet (11:53) 3. Ifrån Klarhet Till Klarhet (8:04) 4. Kung Bore (12:57) Bonus track on remastered CD: 5. Gånglåt från Knapptibble (7:19)

Supuso un álbum de gran reconocimiento internacional, que no obstante, es más apreciado hoy, gracias a la difusión de Internet. Está considerado como un álbum fundamental en el rock progresivo, y sirvió de inspiración a numerosas bandas del norte de Europa, Suecia, Escandinavia, Finlandia... Destacó por la complejidad de las percusiones, contundencia del bajo, los pasajes que creaban melotrones y órgano Hammond, la aportación de la flauta travesera, el carácter de fusión de estilos musicales, y el sonido tan oscuro del disco.

En 1994 grabarán su segundo y último disco de estudio: Epilog, más cercano al folk escandinavo y a la música contemporánea e igualmente bien acogido. Tracklist: 1. Prolog (2:00) 2. Höstsejd (15:32) 3. Rösten (0:14) 4. Skogsranden (10:48) 5. Sista Somrar (13:10) 6. Saknadens Fullhet (2:00)

La continuidad sonora en este álbum no está tan conseguida, resulta más heterogéneo en general.

Tras esto la banda dejó su actividad compositiva. Y sólo se han reunido en algunas ocasiones, por peticiones, para tocar juntos en directo. De esos pocos directos se grabó en 1994 un doble cd y un video directo: Progfest, que tuvo lugar en dicho festival. En 1996 grabaron otro directo: Buried Alive. En 1995, una doble compilación: After the Storm.

En 2002, la banda ha vuelto a los ensayos, de una manera nostálgica. En junio de 2003 volvió a los escenarios, y tocaron en Estocolmo. Eventualmente han aparecido en festivales en Francia, Bélgica, Alemania, en el Nearfest de Estados Unidos.

En 2012 retomaron el proyecto, 16 años después del último lanzamiento.
Lanzado el pasado 28 de junio 2012 “Viljans Oga” es el tercer álbum de estudio de Anglagard. tras 18 años el grupo se reúne nuevamente en estudio para este tercer trabajo que resulta una verdadera sorpresa, pero muy grata por cierto. Como no, se trata de la banda sueca de rock progresivo de mayor importancia y trascendencia de las últimas décadas.  El disco de hoy es complejo y requiere de múltiples escuchas para ser digerido objetivamente, e iras descubriendo sonidos nuevos con cada una de ellas. Un prog puro hecho actualidad ¡!!. Espero lo disfruten.

Tracklist:

01 Ur Vilande (15:47)
02 Sorgmantel (12:06)
03 Snårdom (16:14)
04 Längtans Klocka (13:22)
Total Time 57:30

Gentileza de  http://orfeoprog.blogspot.com.ar


Fuentes: http://orfeoprog.blogspot.com.ar y Wikipedia.

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Le Orme - Storia O Leggenda


Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia).
Su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box label, en 1968.
Le Orme ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum concepto,Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator.
Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP, Ad gloriam (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70 (Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti).
Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi.
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fue remplazado por Michael Bon.
Los últimos tres trabajos de Le Orme (Il fiume, Elementi y L'infinito) muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
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Durante el año de 1977, Le ORME nos ofrece otra obra, ahora titulada "Storia o Leggenda", manteniendo la alineación pasada y en este orden: Antonio PAGLIUCA (órgano Hammond, polymoog, minimoog, pianoforte, armonium, fisarmonica), Aldo TAGLIAPIETRA (Bajo Fender, voz, arpa indiana), Michi Dei ROSSI (Batería Pearl, marimba, glockenspiel, percusión varia, guitarras acústicas y eléctricas) y Germano SERAFÍN (guitarras acústicas y eléctricas). En este álbum creo que empieza una etapa de Le ORME muy “callada”, en el sentido de que es un álbum con sonido mucho más acústico y que se perfeccionara y culminara en los dos discos subsecuentes ("Florian" y "Picolla"), y es una etapa que probablemente no interesa mucho a los fans del Le ORME clásico y otros que piensen que el sonido Leormeneano va en franca decadencia, sin embargo , creo que a ser justos, este disco es uno de los mejores del Progresivo italiano de finales de los 70’s, aparte de LOCANDA DELLE FATE y algún otro que se me escapa de la memoria, pudiera atreverme a decir que es de los mejores álbumes Progresivos de ese año, sobre todo, si vemos que la tendencia general de esos años para este estilo, iba siendo desplazado por otros tipos de rock, como el Punk o la música disco, Le ORME a pesar de haber modificado su estilo “clásico”, se atreve a “progresar” y nos ofrece un disco, meditativo, otoñal, melancólico, pero también rítmico, y con un sonido que nunca habían tocado en su anteriores obras, más refinado en algunos puntos, en otros mezclando ritmos de otros horizontes musicales como el reggae, pero indudablemente empiezan a explorar esa veta clasicista, un sonido, más apegado a las formas de la música “culta”, y que será una constante a través del álbum, notándose la preeminencia de un sonido mas terrenal, a diferencia de sus obras “clásicas” como "Uomo di Pezza" o "Felona e Sorona"; de hecho ya nos habían dado una probada de lo que venia en el anterior álbum "Verita Nacoste", que ya fue reseñado también, pero aquí quitan los elementos hardrockeros, para dar oportunidad a un sonido más “suave” y la producción del disco mejora bastante, se aprecia mucho mejor los instrumentos y las melodías y como siempre la batería de Michi se escucha como debió haber sido en el disco anterior, la voz de Aldo TAGLIAPIETRA, como siempre mágica y alcanzando notas maravillosas, y también es bienvenido el sonido de los teclados de Tony PAGLIUCA, que aquí se escucha otra vez al frente, ya que en el anterior disco, se escuchaba solo en el fondo, sin mas realce, en este álbum disfrutamos otra vez de su creatividad.

Gran parte de este disco fue grabado en Paris, Francia y se nota un poco la influencia parisina, en algunas canciones que ya se reseñaran se realzara este punto, y también es importante que este álbum fue un paso obligado para Le ORME, con el propósito de explorar ese estudio en los instrumentos acústicos, que darán vida a “Florian”.

En general el álbum es un rock progresivo tranquilo, sin espectacularidades individuales, muy fino, con influencia muy marcada, bien ejecutado, siento que más cuidado que el anterior álbum, muy armónico,, canciones muy hechas (e.g ‘Storia o leggenda’, ‘Il quadro’), algo con un sonido más duro (e.g ‘Al mercato delle pulci’) que resulta ser la pieza más aproximada al anterior Le ORME, pero desde esta nueva óptica, temas más pastorales, un sonido más intimo, pero sin dejar la influencia progresiva y la conjunción de nuevos horizontes musicales, para esta gran banda italiana, también se pudiese resumir como “mágico” o “ensoñado”, con canciones aun más cortas que en “Verita Nacoste”, pero indudablemente más elaboradas que en aquel álbum, la guitarra de SERAFÍN me sorprende por que muestra una calidad que hasta entonces consideraba “normal” dentro de una agrupación progresiva, pasajes deliciosos de guitarra acústica en la mayoría de las canciones (e.g. ‘Il musicista’, ‘Storia o leggenda’), y una mayor integración por parte de él hacia el resto del grupo, cosa que no se apreciaba en “Verita Nacoste”.

Algunas canciones como ‘Se lo Lavoro’ o ‘il Quadro’ sin duda son de lo mejor en esta obra y superior en todo lo hecho en “Verita Nacoste”, sin embargo, yo creo que la causa principal que, en su momento no ha sido considerado un gran disco es por la época en que salió, la mayoría del publico buscaba un sonido más simple y comercial y el ascenso de grupos de rock Punk y rock más pesado, no ayudo a la cabal comprensión, del disco, pero considero que es una gran adquisición para cualquier persona que quiera aventurarse en la historia de este grupo.

Una nota mas antes de entrar en las canciones, la portada es una de las mejores que se hayan publicado en un disco de rock Progresivo, muy parecida a la de “Felona e Sorona”, inspirada en un trabajo de Walter MAC MAZZIERI y pareciera una batalla entre el bien y el mal, al estilo de William BLAKE.

El álbum abre con ‘Tenerci per Mano’, un comienzo con un poco de ritmo reggae, pero contrastando con la voz misteriosa/mágica de TAGLIAPIETRA, el bajo sosteniendo la canción y la guitarra de SERAFÍN matizando la melodía principal con algunos arpegios acústicos realmente agradables y el teclado de PAGLIUCA llevando el peso de las melodía, no es lo más progresivo que han hecho, pero definitivamente no tan “pop”. Como algunos han sostenido. Buena a secas. El álbum prosigue con ‘Storia o Leggenda’, una de las mejores canciones del disco, y ¿por que no? De la discografía de Le ORME, contiene la perfecta fusión del antiguo / nuevo estilo que están proponiendo, una guitarra por parte de SERAFÍN , simplemente exquisita con una atmósfera melancólica y nostálgica , la voz de TAGLIAPIETRA me recuerda tanto lo hecho por John WETTON por la canción ‘Starless’ en KING CRIMSON, un ritmo muy pastoral al principio, evocando parajes de ensueño y el coro de la canción que se me hace de los mas exquisito que se haya escrito, de verdad imprescindible esta joya de la música Progresiva.

Otra de las canciones sobresalientes de este disco, es ‘Il musicista’ un buen ritmo con frescas tonalidades de teclado por parte de Tony PAGLIUCA y la guitarra de SERAFÍN que me recuerda en pases a lo hecho por Jimmy PAGE en LED ZEPPELÍN circa “Presence” y más exactamente en la canción ‘Over the Hills and Far Away’ en el empiezo , sin la distorsión por supuesto, la voz de TAGLIAPIETRA, aquí cumplidora sin nada especial que remarcar, buen ritmo y de las canciones más “movidas” del disco. Buena. El disco continua con ‘Come una Giostra’, la cual es una canción que refleja lo que estaba pasando en el grupo, a un cambio de dirección, me da la impresión de que se encontraban en una encrucijada musical, y las nuevas modas musicales amenazando ya en el horizonte. No es una canción muy notable frente a otras de este mismo álbum, con mucha influencia “popera”, sobre todo en el teclado de PAGLIUCA, además se puede decir que parece un outtake de “Verita Nacoste”, la verdad es bastante mediocre, considero que sería como de “relleno”.

Otra de las canciones bien hechas y “cajonas” del álbum en comento,considero que es ‘Se io Lavoro’ muy buen trabajo de PAGLIUCA en el departamento de los Teclados, con resabios de experimentación de aquel Le ORME furioso y vanguardista al final de la canción, pero adaptado al tiempo , y la brillante voz de TAGLIAPIETRA sonando como lo hace, sin duda un sello en Le ORME, la canción tiene un ritmo muy pegajoso, pero no cae en provocaciones “poperas” , con una línea vocal muy característica y una letra muy buena. Sin duda un buen trabajo por parte de Le ORME y de los mas destacable en esta obra. Muy emocional y evocativa. Seguimos con ‘Un Angelo’, composición que una vez más, refleja la encrucijada musical en la que se encontraba el grupo, muy meditativa y en partes, hasta repetitiva, de lo que venían haciendo a través del disco, partes que han sido mejor realizadas por ejemplo en la canción “Storia o Leggenda”. Esta sin embargo da la impresión de estar en una casa de la cual se esta a punto de abandonar, o de una mudanza, dejando esos tiempos como simples recuerdos, claro que la letra habla de otra cosa, no es muy buena la canción en general y salvo la voz de TAGLIAPIETRA que la salva de un seguro naufragio, nada memorable. Aquí se escucha la influencia parisina de la que hable líneas antes.

Continuamos con ‘Il Quadro’, obra que es para mi una encrucijada , la canción no tiene nada memorable, y para mis gustos, muy plana en general, pero aun así es disfrutable ,muy pastoral, (el disco es en si muy pastoral), y nostálgico, otra canción que recrea el ambiente parisino, no dejo de confesar que la letra es muy buena (acerca de los círculos en la vida altas / bajas), y en la parte que canta el “Bonjour Mounsieur...” se aprecia un buen trabajo de PAGLIUCA en los teclados, buen efecto wah wah de la guitarra de SERAFÍN, sin embargo creo que es de los puntos bajos de todo el disco.

Sin duda la melodía más próxima al Le ORME “clásico”, es ‘Al Mercato delle Pulci’ la aparición de SERAFÍN con una guitarra agresiva en el ritmo, PAGLIUCA demostrando por que es uno de los grandes en el departamento de las teclas , MICHI haciendo gala de por que es uno de los mejores bateristas del rock Progresivo en general, y Aldo ese genial Aldo, con su bajo eléctrico que domina por mucho la mayoría delas canciones y melodías de Le ORME, esta es una pieza musical de altos vuelos (noto algunas influencias de jazz fusión ,pero muy poco evidentes), y demostrando que Le ORME aun puede tocar como en su periodo “clásico” si quisieran, pero en esta ocasión, debido a la ya instalada influencia clasicista , se escucha más refinados, (y no con ello pretendo demeritar al Le ORME “clásico” también son muy finos, aun más creo yo, pero de diferente forma hablo del refinamiento en esta pieza musical) y menos vanguardistas, lo único que no me gustó es que durara tan poco tiempo, esta melodía tenia para mucho más , pero excelente cierre de disco y de las mejores composiciones del grupo en general.

Finalmente otro disco de esta época de Le ORME que muchos consideran muy floja, yo no creo eso, mi opinión es que es un buen disco (mejor que lo que hizo ELP ese año con “Love Beach”!) y que demostró que la adición de Germano SERAFÍN en la guitarra, no fue una mala decisión después de todo. Lo que si lamento de verdad, es que dure tan poco esta obra.

–José Alberto MUñOZ FLORES, para Manticornio.
Tracklist

1. Tenerci per mano (4:40)
2. Storia o leggenda (5:05)
3. Il musicista (4:40)
4. Come una giostra (4:25)
5. Se io lavoro (4:20)
6. Un angelo (4:50)
7. Il quadro (4:10)
8. Al mercato delle pulci (4:05)

Gentileza de  http://acasaderoderick.blogspot.com.ar
Complete el campo numérico de capcha y no necesitará hablar ruso



Fuentes : Manticornio y Wikipedia

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Steven Wilson - Grace For Drowning


Steven John Wilson (nacido el 3 de noviembre de 1967) es un músico Inglés y productor, más conocido como el fundador, guitarrista, cantante y compositor de canciones de la banda de rock progresivo Porcupine Tree. Está involucrado en muchas otras bandas y proyectos musicales tanto como músico y productor (como No-Man y Blackfield) y también mantiene una carrera en solitario. En 2010, Wilson comenzó a escribir música junto a Opeth Mikael Åkerfeldt vocalista para su proyecto, la Storm Corrosion.

Wilson es un productor autodidacta, ingeniero de audio, guitarrista y tecladista, que toca otros instrumentos como y donde sea necesario (incluyendo el bajo, arpa de concierto, dulcimer martillado y flauta).

Divide su tiempo entre Londres y Tel Aviv, Israel,  pero ya no tiene una residencia permanente en la segunda.

Grace For Drowning es su segundo álbum como solista . Para muchos este disco llama muy gratamente la atención después de escucharlo por primera vez. A diferencia de los anteriores trabajos de Wilson, éste “ahonda en un sonido más setentista (prog. setentista) y bordea otros géneros (psico) de los cuales no había participado anteriormente en su carrera”, sin embargo su toque y estilo permanecen presentes a la largo de todo el disco. El sonido es excelente como ya es costumbre …!!!

Tracklist:

CD 1: Deform To Form A Star
01. Grace For Drowning (2.00)
02. Sectarian (8.00)
03. Deform to Form a Star (8.00)
04. No Part of Me (5.45)
05. Postcard (4.30)
06. Raider Prelude (2.30)
07. Remainder the Black Dog (9.15)

CD 2: Like A Dust I Have Cleared From My Eye
01. Belle de Jour (3.00)
02. Index (4.45)
03. Track One (4.15)
04. Raider II (23.15)
05. Like Dust I Have Cleared From My Eye (8.00)

Total Time: 01:23:06

Atención de http://orfeoprog.blogspot.com.ar


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Haken - Visions


Incluyendo antiguos miembros de grupos como To-Mera y Linearsphere, Haken es una banda proveniente de Londres que ha generado muchísimos rumores y excelentes críticas. Son sin duda la banda de sonido más estimulante surgida del movimiento de rock progresivo en los últimos tres años. Formado en 2007 por tres amigos de la escuela Henshall Richard, Ross Jennings y Matthew Marshall (ex-guitarrista), Haken puede catalogarse como un grupo virtuoso y ecléctico que fusiona el rock progresivo y el metal.
 En julio de 2007, Haken debuta con su música por primera vez en un abarrotado bar de Londres con una gran respuesta, presentación seguida de un espectáculo la semana siguiente, que se vendió de manera increíblemente rápida, en la mejor sala de conciertos del sur-oeste de Londres, "The Peel", en la ciudad de Kingston. Después de muchísimas presentaciones locales y de girar extensivamente como banda de apoyo a Riverside, King-X y Bigelf, llega su primer álbum en el 2008. El título de su debut fue "Aquarius" el cual rápidamente obtuvo muy positiva respuesta dentro de los seguidores del género. "Aquarius" fue un álbum muy impresionante, en la cual la banda se las arreglaba para sonar tanto clásica como neo-prog al mismo tiempo, incorporando cambios musicales y de ritmo con teclados en el estilo y el sonido de Jordan Rudess (Dream Theater) o Suspyre. La capacidad técnica de los músicos era palpable y el sonido era muy diverso de manera general, con marcadas influencias del los primeros Kansas (como era lógico esperar si se considera el detalle de que el primer corte del disco llevaba el título de "Point Of No Return"). Finalmente firmaron un acuerdo discográficos con Sensory Records para el lanzamiento de su inicial esfuerzo discográfico en los Estados Unidos. También fueron añadidos a la lista de grupos del prestigioso Festival ProgPower que se celebra anualmente en los Estados Unidos, para su edición del 2011, y su desempeño dejó boquiabiertos a muchos de los presentes.
Cabalgando sobre el éxito de su impresionante primer vinilo del 2010 "Aquarius", vuelve Haken con otra excelente versión de metal progresivo con su nuevo CD "Visions", el cual demuestra claramente que su álbum debut no fue una casualidad y que la banda va en serio. Por más de 71 minutos de música compuesta con brillantez, la banda deja en claro que están dispuestos a asumir un papel protagonista en la escena del metal progresivo, un género bien populoso en estos tiempos, en el cual es muy difícil sobresalir y ser original.
 Haken abre esta nueva entrega con el instrumental "Premonition" con un enfoque similar en algunos momentos a los dioses del género (Dream Theater). Sin embargo, no malinterpreten mis palabras, Haken no es simplemente una banda clon de Dream Theater como muchas otras que pululan en estos tiempos. En esta pista inicial se puede oír los teclados brillantes y el filo futurista que hizo de su anterior disco "Aquarius", una muy atractiva y más que interesante propuesta. Después del efecto calmante de la canción de apertura, llega "Nocturnal Conspiracy" un corte de 13 minutos ofreciendo la primera aparición de Ross Jennings, el carismático cantante de la banda. Su manera de cantar es muy emocional y no como suena en ocasiones quejoso como otros cantantes del género. "Nocturnal Conspiracy" es un ejemplo de la yuxtaposición de pesadez y ligereza de la banda, con movimientos que van de ligeros toques de rock melódico a profundos y reflexivos riffs. El tema está salpicado por varios solos de guitarra, pero también expone en abundancia partes de teclados que adornan con toda una gama de melodías. Dinámico y caprichoso, entre los interludios de piano y las guitarras, el corte es como un ensueño de metal, acolchado por los coros. Y por sobre todas las cosas es una canción lógica y fluida, que para nada parece reconstruido o forzada.
 La muy melódica "Insomnia" marca su camino con los teclados y las guitarras intrincadas combinadas con excelentes melodías vocales. Es la canción más corta del CD. Aquí también, el comienzo es grandilocuente, pero luego caen en una melodía más suave, con voces llenas de sentimiento. El acompañamiento es tranquilo, casi flotando. Después de una sección que emula el sonido de un "video juego" el tema se despliega con una larga sección instrumental conducida por barridos de teclado y solos de guitarra. Es un tema muy divertido y entretenido, algo que muchas bandas de metal progresivo han perdido en los últimos años con sus esfuerzos de ser sólo muy técnicamente competentes.
A continuación llega "The Mind's Eye", la cual junto a "Portals" y "Shapeshifter" ofrecen un interesante trío de canciones, que aparecen como temas separados, pero se funden en otro arreglo progresivo de largo y coherente metraje. "The Mind's Eye" es un tema que tiene un tono más emocional y donde Jennings canta en un tono más alto, ofreciendo cambios de ritmo bien calculados y marcando puntos con el contraste entre el tono soñador y ligero con la potencia de las líneas de bajo, que me recuerdan ciertas reminiscencias de "Porcupine Tree". Sin pausa alguna aparece "Portals", una pista instrumental plagada de excelentes solos que se mezclan con riffs de guitarras y súbitos contratiempos, una fiesta de sonidos que a veces hace pensar que estás escuchando Liquid Tension Experiment. Y para rematar la suite llega "Shapeshifter" que comienza con unas guitarras poderosas y un motivo de órgano lento y restringido, sobre el cual la voz entra lentamente, disolviendo la agresión. Pero es sólo un breve respiro, para dar paso a un coro grandilocuente, seguido de un riff de guitarra de metal feroz. Un interludio con hisopos de teclado espacioso y un solo de guitarra atmosférico le da a la canción un nuevo rumbo para entrar de nuevo en el coro, y en otro riff de guitarra bombástico que va ascendiendo de manera limpia para concluir en el estribillo melódico del inicio acompañado de unos teclados repetitivos que se van disolviendo lentamente.
 "Deathless" es en última instancia, una balada de gran atmósfera que me recuerda una vez más a Steven Wilson y sus proyectos. Melodías de ensueño melancólico están presentes de manera expresiva, y es un corte muy relajante, con teclados descubiertos y comedidos solos de guitarra. A medida que la pista avanza la tensión sigue en aumento, sólo para llegar al clímax grandilocuente que se disuelve con suavidad, terminando con una voz tranquila y los sonidos del teclado.
El cierre del disco viene de la mano de la pista título del mismo "Visions", la cual solo puedo describir como un tema imprescindible del metal progresivo, que debe de hacer palidecer a John Petrucci y compañía si alguna vez la escuchan. Es una pieza gigantesca, una epopeya monstruosa de 23 minutos de duración donde se mezclan partes sinfónicas, poderosos riffs neo-progresivos con sonido grandilocuente, gentiles y relajadas voces, un corto solo de guitarras en cuerda jazzística, un interludio con sabor oriental y flamenco, sonidos floydianos en las guitarras eléctricas y hasta un cuarteto de cuerdas. El tema se extiende con una amplia profundidad creativa y muestra diversos estados comparables a estados de ánimo en las melodías, con momentos sencillamente fantásticos.
 Por mucho "Visions" es uno de los mejores lanzamientos de metal progresivo del 2011. El álbum muestra un gran nivel de madurez y musicalidad, algo que es bastante impresionante para una banda en su segundo CD. Es una excelente propuesta progresiva en un momento en que el género se ha convertido ciertamente en una burla de sí mismo dentro de ciertos círculos. Los elementos más populares de metal no se sacrifican por el bien de estilo o la sustancia, en lugar de eso permanecen como el punto focal del sonido de Haken. Los elementos progresivos sirven como elementos de sorpresa, mostrando su capacidad de destacar de la multitud no por el hecho de ser diferentes, sino simplemente por la adhesión a la creatividad colectiva de la banda y la capacidad para expresarlo. Este es un disco que puede y debe llamar la atención, profesionalmente escrito y ejecutado. Si te gusta la música progresiva con buenas guitarras, excelentes voces y teclados de alza increíble, no te sentirás decepcionado por "Visions".

 Escrito por Joel Barrios Mendez 
 http://www.rockencuba.com/criticas/cds-internacionales/1354-haken-visions-2011

 Tracklist:  
1. Premonition (4:10)
2. Nocturnal Conspiracy (13:08)
3. Insomnia (6:06)
4. The Mind's Eye (4:05)
5. Portals (5:27)
6. Shapeshifter (8:08)
7. Deathless (8:04)
8. Visions (22:)

Gentileza de http://getmetal.org

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