Queen Forever es un álbum recopilatorio de Queen editado el 11 de noviembre de 2014. El contenido del álbum consta de canciones con la voz de Freddie Mercury y con colaboraciones de Michael Jackson, David Bowie y Rod Stewart, pero que no fueron terminadas en su momento. También tiene pistas de voz inéditas de Mercury, con agregados de bajo y guitarra de Brian May, John Deacon, y Roger Taylor, con armonías vocales hechas recientemente.

 Las canciones "There Must Be More to Life Than This", "State of Shock" y "Victory" fueron grabadas por Freddie Mercury y Michael Jackson en la casa de este último, pero no fueron completadas por diversos compromisos que ambos tenían. Con el tiempo se editaron dos de ellas: State Of Shock, ocupando el lugar de Freddie Mercury, Mick Jagger, y "There Must Be More to Life Than This", sin Michael Jackson. En 2011, Brian May obtuvo el permiso por parte de los administradores de los bienes de Jackson para acceder a las cintas. Junto al productor William Orbit, May completó las pistas con solos de guitarra y armonías vocales.
El baterista Roger Taylor habló sobre Queen Forever en diciembre de 2013, indicando que él y el guitarrista Brian May: "nos juntamos para terminar lo que teníamos allí y ahora vamos dar forma al álbum".  En una entrevista a la BBC Brian May dijo: "Despierta muchas emociones. Están las grandes, grandes baladas y el gran, gran sonido épico. No habría sido así si no hubiéramos hecho el trabajo de restauración. Tuvimos que empezar de cero porque solamente teníamos pedazos. Pero, sabiendo lo que habría pasado si los hubiéramos terminado, puedo sentarme y hacerlo realidad con la tecnología moderna".
El álbum cuenta con 36 canciones, y sólo tres son versiones completamente inéditas. En "There must be more to life than this" Freddie Mercury canta con Michael Jackson. Otros inéditos son "Let me in your heart again", de las sesiones de grabación de The Works, y "Love Kills", el primer éxito de Mercury como solista, en versión balada.

The Endless River es el decimoquinto álbum de estudio del grupo británico Pink Floyd. Producido por David Gilmour, Youth, Andy Jackson y Phil Manzanera, el álbum está publicado por Parlophone y Columbia Records. Supone el primer trabajo del grupo desde la muerte del tecladista Richard Wright, y el tercero tras la marcha de Roger Waters en 1985. 

Descrito como un «canto de cisne» para Richard Wright, The Endless River comprende en su mayoría música ambiental e instrumental, basada en veinte horas de material inédito de la banda. Fue escrito, grabado y producido con Wright durante las sesiones del anterior trabajo del grupo, The Division Bell, en 1994. El trabajo fue terminado a bordo del Astoria, una casa flotante y estudio de grabación propiedad de Gilmour, entre 2013 y 2014.

 El concepto de la portada es de Ahmed Emad Eldin, con el diseño realizado por Stylorouge.

The Endless River ha sido descrito por el grupo como un álbum de música ambiental e instrumental,con una única canción cantada, «Louder Than Words», y escrita por la esposa de Gilmour, Polly Samson, quien también comparte créditos en la composición de canciones de The Division Bell y de On an Island. Es también el primer álbum de estudio en otorgar créditos de composición a Nick Mason desde The Dark Side of the Moon, cuarenta años después.

El guitarrista David Gilmour y el batería Nick Mason dicen que han hecho 'The endless river' como un homenaje a Rick Wright, teclista del grupo, fallecido en 2008. La desaparición, dos años antes, de Syd Barrett (perdido para el mundo de los cuerdos desde décadas atrás) y el ostracismo de Roger Waters (expulsado de Pink Floyd por la vía legal, aunque él siga haciendo la guerra por su cuenta y resucitando los espectáculos de 'The Wall' y 'Animals) dejan bastante claro que éste es el final de Pink Floyd. 

Un triste final de viejos cortes 'new age' que ya sonaban viejos en 1994 y que hoy no hay droga que los haga levantar el vuelo. Más aún desde que el disco se concibe como cuatro 'suites' instrumentales en las que sólo al final aparece Gilmour como cantante en 'Louder than words', único momento en que se escucha una voz humana, si no contamos el procesador de Stephen Hawking en 'Talkin' Hawkin''.

Ojalá este no sea el fin.

Yes es una banda de rock progresivo británica, formada en 1968 en Londres, que adquirió fama internacional en los años 70, erigiéndose en uno de los pilares del género, junto a grupos como Pink Floyd, Camel., Genesis, King Crimson o Emerson, Lake & Palmer.

Influidos en sus inicios por grupos como The Beatles, The Moody Blues o los multifacéticos Crosby, Stills, Nash and Young, rápidamente evolucionarían hacia un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz y de la música clásica, aunados con sus melódicas canciones y un enigmático contenido esotérico, onírico y poético, presente en sus letras, mayormente hijas de la pluma de Jon Anderson.

Más duros y menos teatrales que Genesis, aunque más progresivos que Rush o Jethro Tull, el rock de Yes marcaría la historia del rock sinfónico inglés con clásicos como The Yes Album, Fragile, Close to the Edge o Tales from Topographic Oceans.
Hoy traemos Heaven & Earth, el vigésimo primer álbum de estudio de la banda lanzado en julio de 2014.

Heaven & Earth es el primer álbum de estudio de Yes con el cantante estadounidense Jon Davison en la voz principal. Fue producido por Roy Thomas Baker, y mezclado por el ex miembro de Billy Sherwood. 

Sobre el nombre del álbum, Steve Howe declaró: "En cierto modo, el paralelo de decir 'Heaven And Earth" es lo mismo que decir el bien y el mal, el yin y el yang, arriba y abajo, izquierda y derecha. Son dos extremos, pero creo que la forma en que a Roger y a mí nos gustó fue que, de hecho, la Tierra es un lugar físico donde se puede medir cosas y que puede existir la física cuántica. [...] pero el Cielo es un lugar desconocido sin un destino particular sin medida y desconocido Sin embargo, no importa si usted está totalmente atado a una creencia religiosa o si es espiritual de una manera que no requiere compromiso religioso -.. sólo requiere la conciencia sobre el hecho de que ay obviamente algo por ahí que desconocemos. [...] que resume la calidad dual de lo conocido y lo desconocido y cuanto más nos fijamos en lo conocido más notamos lo mucho que nos falta conocer».

King Crimson es una banda de rock fundada en Londres en 1969. Es considerado uno de los grupos pioneros del rock progresivo de los años 70, y uno de los pilares del género, más allá de su diversificación sonora y mutaciones estilísticas.

La banda ha adoptado diversos sonidos durante su historia, producto de la diversa instrumentación utilizada y ha tenido una gran influencia en muchos artistas de la música contemporánea. Además, ha ganado un gran número de seguidores a pesar de tener poca presencia en la radio, televisión u otros medios de comunicación.

Aunque originaria de Inglaterra, la banda ha tenido una mezcla de personal de Inglaterra y de Estados Unidos desde su reencarnación de 1981. El grupo se caracteriza también por su constante cambio de miembros, con diecinueve miembros pasando por sus filas. Robert Fripp, el guitarrista y líder, fue el único miembro que estuvo entre las filas del King Crimson (Rey Carmesí) durante toda su larga historia. Desde 1981, la banda ha obtenido mayor estabilidad, siendo Adrian Belew miembro de la misma desde ese año.

La alineación debut del grupo fue muy influyente, pero de corta duración (duró poco más de un año). En 1970 o 1971, King Crimson ya era una banda inestable, con muchos cambios de miembros. En 1972 se alcanzó una mayor estabilidad (con el bajista y vocalista John Wetton) y se desarrolló un sonido que mezclaba hard rock, música clásica y jazz, separándose por primera vez en 1974. La banda volvió a formarse en 1981 durante tres años más (esta vez influido por el new wave y con un estilo completamente diferente), pero volvió a separarse en 1984. Retornó nuevamente después de más de diez años, en 1994, lanzando el álbum THRAK. En el 2000 y en el 2003, se lanzarían los álbumes The ConstruKction of Light y The Power to Believe, respectivamente.

King Crimson se ha caracterizado por largos períodos de inactividad, decisión emanada de Robert Fripp. Tras diez años sin actividad, solo rotos por una mini-gira en 2008, Fripp ha anunciado una nueva formación del grupo que empezará a funcionar en 2014. El nombre King Crimson (Rey Carmesí) fue idea del letrista Peter Sinfield como un sinónimo de Belcebú, príncipe de los demonios. Según Fripp, Belcebú es un anglicismo de la frase árabe B'il Sabab, la cual significa “hombre que ambiciona”.

Robert Fripp ha sido el único factor común de todos los discos y todas las alineaciones de King Crimson, aunque él no se considera a sí mismo como líder. Para él, King Crimson es “una manera de hacer cosas” y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.

El título de su último álbum de estudio que hoy traemos es, “The power to believe” y esta sacado de un poema del propio Adrian Belew, e intenta reflejar “un mensaje de esperanza en el futuro”, en palabras del propio cantante. En este sentido es destacable el contraste entre la dramática escena de portada y el título, siendo, por otra parte un contraste muy crimsoniano, el fuego y el infierno (“heaven & earth”) con que despedían “The construkction of light”. Pero también encontramos contraste musical, al ser este trabajo menos depresivo y denso que el anterior, realmente un canto a la esperanza.
La inquietante portada es obra de la artista P.J. Crook, llamado “Fin de siecle”, lo cual nos sigue dando idea de la coherencia en el mensaje de este trabajo. Respecto a P.J. Crook, es obligado decir que sus cuadros ya habían formado parte de otros trabajos del grupo, si bien esta es la primera vez que forma parte de un álbum de estudio.

Tracklist
1. «The Power to Believe I: A Cappella» 0:44
2. «Level Five» 7:17
3. «Eyes Wide Open» 4:08
4. «Elektrik» 7:59
5. «Facts of Life: Intro» 1:38
6. «Facts of Life» 5:05
7. «The Power to Believe II» 7:43
8. «Dangerous Curves» 6:42
9. «Happy With What You Have to Be Happy With» 3:17
10. «The Power to Believe III» 4:09
11. «The Power to Believe IV: Coda»

Torrent

The Alan Parsons Project es una banda británica de rock progresivo que ha estado vigente por más de 40 años y disfrutó de un éxito moderado durante mediados y finales de los 70 . En 1979 , la banda estaba agotada por las constantes giras y el trabajo de estudio y quería un descanso. Su sello , Arista Records , sin embargo , no estuvo de acuerdo y decidió establecer fechas de vencimiento para el tercer y cuarto discos de la banda . Por ello la banda decidió grabar dos discos a la vez.

El primero de los dos álbumes, Eva, fue lanzado como estaba previsto. El segundo , titulado La defensa siciliana (el nombre de un movimiento en el ajedrez ) que hoy les traemos, fue una historia completamente diferente . Se dio una jugada en conjunto de los integrantes del grupo haciéndolo su trabajo con pereza y escribiendo a propósito de mala manera con la idea de mostrarle el dedo medio a Arista . Los temas era supuestamente atonales , inaccesibles, y prácticamente inaudibles . Los de Arista Records estaban tan horrorizados por los resultados que escondieron todo en sus bóvedas

La mayoría de las pistas no han salido a la luz hasta ahora. Los aficionados clamaron durante décadas para el lanzamiento del álbum , pero Parsons, como una broma , incluyó una sola pista en el disco reedición de Eva en la década del 2000 . Después de que los aficionados descubrieron cuán mala era la música , el clamor se detuvo. Sin embargo, Parsons ha dicho en varias ocasiones que espera que el álbum nunca se vea mientras por otro lado se anunció un box set de Alan Parsons Project con el álbum en su forma completa que aquí tenemos para juzgar .

Será interesante ver si el álbum es realmente tan malo como pensaba Parsons.

Pasen y escuchen.

Tracklist:

Asia es un grupo de rock progresivo y AOR. Fue creado en 1981 como un supergrupo, ya que sus miembros formaban parte de Yes; King Crimson; Emerson, Lake and Palmer y The Buggles.

 El grupo surge en una época en la que varias de las principales bandas de rock progresivo británico, como Yes o Emerson, Lake and Palmer, se encuentran estancadas o envueltas en rumores de separación. Tras la ruptura de King Crimson en 1974 comienzan a surgir planes de crear una superbanda, lo cual intenta en un primer momento el bajista John Wetton junto a Bill Bruford y Rick Wakeman en 1976, sin grandes resultados. En 1977 Bruford y Wetton se reunieron con el guitarrista Allan Holdsworth y el teclista/violinista Eddie Jobson. Este proyecto funcionó un poco más, aunque en 1980 fracasaba nuevamente. Al tercer intento de John Wetton surge un combo junto a Wakeman, el baterista Carl Palmer y el guitarrista Trevor Rabin.
Sin embargo, rápidamente Wakeman decidió centrarse en sus proyectos como solista y nunca llegaron a tocar juntos. En 1981 Wetton y el guitarrista Steve Howe (Yes) se conocen y empiezan a pensar en un nuevo proyecto. Así es como surge definitivamente Asia, ya que rápidamente se enrolaron en el proyecto Geoff Downes y Carl Palmer. El ya citado Trevor Rabin fue considerado para grabar algunas demos, pero finalmente no se quedó en el grupo. Surgió la posibilidad de que se incorporaran Chris Squire y Alan White, pero definitivamente Wetton y compañía decidieron permanecer como un cuarteto. En los primeros años la crítica se ensañó con ellos y no tuvieron el reconocimiento que hoy en día tienen. Los fans tradicionales del rock progresivo encontraron su música cercana a la que suena en las radio fórmulas, por lo que se les tachó de comerciales.

Gravitas (Frontiers Records) es el primer disco de Asia sin el guitarrista y miembro fundador Steve Howe, reemplazado por Sam Coulson.

"La inclusión de Sam nos ha permitido llevar a la banda en una dirección ligeramente diferente, y tal vez más difícil. Como banda hemos sido capaces de crecer, al tiempo que seguir siendo fieles al sonido clásico de Asia que nuestros fans conocen y aman", comenta el batería Carl Palmer.

En Julio del 2011, Poseidótica edita su tercer álbum de estudio, “Crónicas del Futuro”, a través del sello Aquatalan Records. Esta obra incluye 9 temas instrumentales que sintetizan la madurez de la banda y el desarrollo sónico construido durante la década 2000-2010, logrando un sonido expansivo y directo, y cuyo entramado conceptual está ligado al futuro y a la ciencia ficción, tomando como eje y guía diferentes aspectos del retrofuturismo. Rock explosivo y pasajes cósmicos ambientales se combinan generando una dosis perfecta de música para teletransportarse. Grabado y mezclado entre los meses de Mayo y Septiembre del 2010 en Estudio El Attic por Patricio Claypole, y masterizado en Trakworx Studio (San Francisco, USA) por Justin Weis, “Crónicas del Futuro” cuenta con la participación de Ernesto Romeo (Klauss, ex Pez) aportando diferentes capaz de sintetizadores, pianos, teclados y efectos en varias canciones. El CD viene acompañado de una cuidada edición en formato digipack, que incluye un diseño único con 10 tapas intercambiables y un relato épico espacial para acompañar el desarrollo de la música.

Si puedes comprarlo puedes hacerlo a través de su página oficial a un módico precio.

 http://www.poseidotica.com.ar/

Recientemente me llamó mucho la atención el comentario de un cronista de Clarín que le otorgaba la invención del género Ópera Rock a The Who indicando en el título de la nota que habían iniciado el camino que llevaría a The Wall.
Se referían al álbum Tommy que viera la luz en 1969 y que en 1975 terminara en una famosa película que siempre me resultó pesada de ver.
Aún cuando me esforcé en ver y escuchar Tommy en la época en que fue lanzada, la misma me sigue pareciendo hasta el día de hoy una obra mediocre y aburrida. El solo atrevimiento de relacionarla con The Wall ya constituye para mi una herejía imperdonable que descalifica de manera inmediata a quien las ponga en la misma categoría.




Pero más allá de ésto, tal vez la indignación me ha llevado a investigar un poquito hasta descubrir que The Who no inventó el género y Tommy no es el primer producto creado bajo ese mismo esquema.
El grupo británico The Pretty Things mencionado correctamente en la nota, ya había creado su cuarto álbum titulado S.F. Sorrow mucho antes que Tommý siquiera fuera pensado , incluso lo lanzaron un año antes, en 1968 . Se trata de uno de los primeros álbumes conceptuales de rock y tal vez eso hace que algún purista intente dejarlo fuera del género operístico.
S. F. Sorrow se basó en una historia corta redactada por el cantante y guitarrista Phil May . El álbum está estructurado como un ciclo de canciones , contando la historia del personaje principal , Sebastian F. Sorrow , desde el nacimiento a través del amor , la guerra , la tragedia , la locura y la desilusión de la vejez.


Aunque el disco es sin duda una ópera rock previa a la creación de Tommy en la misma Inglaterra,  los miembros de The Who dicen que no tuvo gran influencia en Pete Townshend y la escritura de Tommy un año más tarde (1969).

The Pretty Things , sin embargo, sugieren lo contrario, junto con algunos críticos lo largo de los años . La grabación comenzó en Abbey Road Studios en noviembre de 1967 con un trabajo sobre " Bracelets of Fingers" . Dos pistas que habían sido destinados para el álbum, " Talking About the Good Times" y "Walking Through My Dreams" , fueron liberadas como una sola en febrero de 1968 . En marzo de 1968 , el baterista Alan Saltar renunció repentinamente a la banda gracias a un intenso romance que lo absorbió, y Twink (nacido John Charles Alder) cuya banda Tomorrow se había separado recientemente , ocupó su lugar. Trabajando con el notable productor personal EMI Norman "Hurricane" Smith (quien había dirigido las grabaciones de los Beatles anteriores y producido de Pink Floyd's The Piper at the Gates of Dawn) y hubicados en la casa del ingeniero Peter Mew , el grupo experimentó con la última tecnología de sonido, incluyendo el Mellotron y tempranos generadores de tonos electrónicos , a menudo empleando aparatos y técnicas ideadas sobre la marcha por los técnicos de Abbey Road .

Phil May ha declarado enfáticamente que Smith era la única persona en EMI que apoyaba plenamente el proyecto, y que su experiencia técnica fue muy valiosa para el sonido ambicioso y experimental del álbum ; incluso se refirió a Smith como un " sexto miembro " de la banda.
El trabajo en el álbum llegó a su fín en septiembre de 1968 con la grabación de lo que sería su tema de cierre , " Loneliest Person" .
El álbum fue lanzado en la misma semana que The Beatles sacaba su ' White Album y The Kinks publicaban su  The Kinks Are the Village Green Preservation Society..
EMI hizo poco para promover el álbum , que no fue lanzado en los EE.UU. ni por cualquier otra filial de EMI . Más de seis meses después, Motown, de entre todas las discográficas , seleccionó el álbum para los EE.UU. y lo publicó como parte de la primera serie de discos en su sello de nueva creación llamado "Tierra Rara", una etiqueta destinada a la música rock.
El álbum fue mal masterizado ( con la caída de un canal de volumen en " Baron Saturday " por más de 30 segundos ) , unido a casi ninguna promoción , y el rediseño completo de la portada del álbum por parte de  Motown garantizando sin querer que el se vendiera muy mal .
S.F. Sorrow fue lanzado en mono y estéreo , ambos se han vuelto a publicar en CD bajo el sello Snapper Records. Los miembros de la banda han expresado una fuerte preferencia por la mezcla mono.
El relato de S.F. Sorrow se diferencia de los demás óperas rock / álbum conceptual dentro del género, en que : mientras que Tommy y Pink Floyd The Wall retransmiten su concepto a través de las letras de sus canciones, The Pretty Things cuentan la mayor parte de la historia a través de pequeños párrafos narrados como los que se imprimieron entre las letras de cada canción en las notas del LP y el CD .
Las notas interpretativas se leyeron en voz alta entre ejecuciones de las canciones de Arthur Brown, durante la primera de dos presentaciones en vivo conocidas de la ópera The Pretty Things ' . La segunda tuvo lugar el 10 de abril de 2009 en la quinta Le anual Batir Bespoke Weekender patrocinado por la revista Mojo.

Tracklist:

01. S.F. Sorrow Is Born
02. Bracelets of Fingers
03. She Says Good Morning
04. Private Sorrow
05. Balloon Burning
06. Death
07. Baron Saturday
08. The Journey
09. I See You
10. Well of Destiny
11. Trust
12. Old Man Going
13. Loneliest Person

Lo puedes descargar aquí http://ratonesciegos.blogspot.com.ar



o escuchar completo en Youtube aquí.

Soundgarden es una banda estadounidense de grunge formada en Seattle, Washington en 1984 por Chris Cornell, al que posteriormente se le unirían Kim Thayil y Matt Cameron. Soundgarden es una de las bandas pioneras del grunge, género musical derivado del rock que también englobaba a bandas importantes, como Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains. El disco Superunknown fue su mayor éxito y el que les dio fama mundial en el año 1994 al contener los sencillos "Black Hole Sun" y "Spoonman", ambos ganadores de un premio Grammy. El grupo se separó en 1997 debido a diferencias internas acerca del sentido que debía tomar la música de la banda. En el año 2010 se anunció su reagrupación y ahora se encuentran de gira tocando en Buenos Aires.

La banda utiliza a menudo acordes extraños y tempos poco comunes en sus composiciones. La sexta cuerda de la guitarra de Thayil solía estar afinada de manera más grave, permaneciendo como ejemplo más claro de esto la canción "Outshined". Otras canciones están basadas en acordes poco comunes, como "My Wave" o "The Day I Tried to Live". En lo que respecta a los tempos de sus canciones, Soundgarden usó varias veces compases extraños de 7/4 ("Outshined"), 5/4 ("My Wave"), 6/4 ("Fell on Black Days") o 9/8 ("Never the Machine Forever"). Kim Thayil declaró que la banda no se fija en los compases de las canciones hasta que éstas ya están escritas, y admitió que el uso de los compases es un "total accidente".

Recientemente se anunció la salida de un disco recopilatorio que llevará por nombre Telephantasm, y contará con la particularidad de que se agregará una canción nueva, "Black Rain", la cual fue extraída de las sesiones de grabación de Badmotorfinger. También, la edición tendrá otra particularidad: cada persona que adquiera el nuevo Guitar Hero: Warriors of Rock, se llevará una copia del álbum. Su canción Live to rise fue la canción principal del soundtrack de The Avengers de Marvel, y sonó en los créditos finales de esta película.

Pink Floyd fue una banda de rock británica que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la historia de la música rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 74.5 de ellos solamente en los Estados Unidos.

Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, el extraño comportamiento de éste último, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en enero de 1968 por el que ya fuera su amigo de antemano David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo tras la anterior marcha de Klose.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero los demás miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que habían continuado grabando y actuando bajo el nombre de Pink Floyd, mientras que Waters pensaba que dicho nombre no debía seguir siendo utilizado. Tras el juicio, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: «Young Lust», «Run Like Hell» y «Comfortably Numb») y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el mismo nombre.

Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.

Days Between Stations, es un grupo norteamericano de gran calidad, aunque de espaciada publicación de  álbumes. Su segundo y último trabajo se denomina "In Extremis" y cuenta con la colaboración de varias luminarias del rock progresivo de todos las épocas, puesto que, además de la participación del tristemente desaparecido Peter Banks, cuenta con la colaboración de Wakeman, Sherwood, Tony Levin y Moulding, para respaldar este proyecto instrumental del tecladista Óscar Fuentes y el guitarrista Sepand Samzadeh, quienes fundaron el grupo en 2003.

El punto álgido del disco lo marca la extensa suite que da título al disco con 21 minutos de música con un resultado notable que hace referencia a la vieja escuela progresiva, que incluso cuenta con Paul Whitehead para la portada del nuevo trabajo.

El grupo muestra una energía progresiva fuera de lo común.

Como decía, de entre los invitados sobresale el triste y recientemente desaparecido fundador de Yes, Peter Banks, en una de sus ultimas intervenciones en estudio, que nos da una lección de versatilidad técnica y emotiva, y al que el grupo, aún sin haber terminado su producción, dedicó el emotivo vals de corte clasicista centroeuropea. Colin Moulding canta con gran sentimiento, como no podía ser de otra manera, y también el últimamente imprescindible Sherwood, al que, sin embargo, se acusa de haber tocado, y producido en estudio, una batería demasiado hueca y poco resolutiva. 

Tony Levin es un efectivo y efectista músico de bajo, en cualquiera de sus formatos, y sabe crear como nadie unas texturas tímbricas excepcionales. La sorpresa, agradable, ha sido la colaboración de Rick Wakeman, que ha sabido crear en la suite “Eggshell man” ese sabor bucólico, casi pastoral y folclórico, para desmelenarse con el uso de un mini Moog in crescendo, que ha trasmutado la música de Days Between Stations del XXI a la década gloriosa de los setenta del pasado siglo.

 

Fuente:  http://www.portalesquizofrenia.com

Höstsonaten (Sonata de Otoño) es uno de tantos proyectos del italiano Fabio Zuffantini. En la estricta diferenciación que Zuffantini hace con cada nuevo proyecto, Höstsonaten está dedicado a un estilo musical completamente enmarcado en el progresivo sinfónico, más melódico y menos experimental que Finisterre y definitivamente más gentil que La Maschera Di Cera. Para este proyecto, Zuffantini se hace acompañar de todo un séquito de músicos de primera línea, destacando sus compañeros Stefano Marelli (guitarras), Boris Valle (piano), Francesca Biagini (flauta) y Marco Cavani (batería), haciendo de los discos de Höstsonaten verdaderos proyectos laterales de Finisterre.

The Rime Of The Ancient Mariner (Chapter One) es el último trabajo del grupo italiano liderado por el músico italiano que nos sorprende muy gratamente de nuevo. Apenas un año después del majestuoso "Summereve" del 2011, podemos afirmar sin duda que este grupo es "una máquina de hacer rock retro-progresivo sinfónico, y no solo una máquina de hacer este tipo de música, sino de hacer obras maestras en esta vertiente.” 

Se trata de la primera parte de un trabajo conceptual basado en el grandioso poema de Samuel Taylor Coleridge “Balada del Viejo Marinero ". 

 El trabajo trae vocalistas diferentes en cada pista.

Parte I: Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera), con la participación de Carlos Carnevali Cralo (Rughe)
Parte II: Davide Merletto (Dédalo)
Parte III: Marco Dogliotti
Parte IV: Simona Angioloni (Aries), con Alessandro Corvaglia
El segundo disco del proyecto se pondrá en marcha en 2013 y traerá las tres últimas partes del poema y el epílogo.

“The Rime Of The Ancient Mariner - Chapter One” es un verdadero sueño hecho realidad para cualquier aficionado al prog sinfónico y al prog en general, y supone una nueva obra maestra del retro-prog del nuevo milenio, un triunfo progresivo sin atenuantes. 

http://orfeoprog.blogspot.com.ar y http://www.manticornio.com

Activos desde hace tan sólo 4 años, Rival Sons es una banda cuyas composiciones y buen hacer ya les han abierto un hueco en el panorama musical. Caracterizados por un sonido que no parece del siglo XXI, sino de los mismísimos Led Zeppelin o The Jimi Hendrix Experience y de los años 60 y 70, la banda estrena en 2012 su álbum Head Down.

En contra de lo que mucha gente pueda creer, Head Down es en realidad el tercer trabajo de estudio de la banda y no la prueba de madurez de la misma -eso lo hicieron con Pressure & Time-, sino una demostración de que son una de las bandas más interesantes del momento. Aunque lo del momento es relativo teniendo en cuenta que su música nos transporta décadas atrás.

Y en este trabajo nos encontramos con temas que presentan una variedad suficiente como para no descartar ninguno, y ojo, estamos hablando de 13 temas en los que hay momentos para la melancolía, para el lucimiento y apreciación de los músicos que los interpretan, y sobre todo para moverse a ritmo de blues rock, la especialidad de los californianos.

De nuevo tenemos un álbum muy potente en el que esta vez parece que sus músicos se han atrevido a aportar algunos temas que, aun siendo bluseros, de no haber sido trabajados podrían no haber encajado completamente con el resto. No incluirlos habría provocado una repetición de Pressure & Time, algo que por supuesto habría estado bien pero habría dejado a los californianos en el mismo punto que estaban en su lanzamiento el año pasado.

Depeche Mode es una banda británica de música electrónica formada en Basildon, Essex, Reino Unido en 1980 por Vince Clarke y Andrew Fletcher, a los que se unieron Martin Gore y poco después David Gahan. Tras su álbum debut Speak & Spell en 1981, Clarke dejó el grupo y fue sustituido por Alan Wilder, quien permaneció hasta 1995. Desde entonces Gahan, Gore y Fletcher han continuado como trío.

Según el documental de Historia del Rock de la BBC "son los padres del rock electrónico"; está considerado uno de los mejores exponentes del género, siendo importantes precursores del uso del sintetizador como instrumento y del sampler como recurso musical, así como de la realización de videos musicales. Depeche Mode ha vendido más de 115 millones de álbumes, sumando el total de ventas de sus discos en todo el mundo, incluyendo sencillos, convirtiéndose en el más exitoso grupo de música electrónica en la historia. También fue elegido entre los 50 mejores grupos de música de todos los tiempos y uno de los 10 más influyentes. Depeche Mode se convirtió en "la banda de rock electrónico más popular que el mundo ha conocido", según la revista Q, y "uno de los más grandes grupos de pop británico de todos los tiempos", de acuerdo al Sunday Telegraph.

Delta Machine es el tredécimo (13) álbum del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode  (Dave Gahan, Martin Gore, Andrew Fletcher) producido durante 2012 y publicado en marzo de 2013.

Fue producido por Ben Hillier. La mayoría de los temas fueron escritos por Martin Gore, excepto Secret to the End, Broken y Should be Higher, que fueron escritos por David Gahan y Kurt Uenala.

Con motivo del disco, Depeche Mode realiza actualmente la gira The Delta Machine Tour, acompañados de Christian Eigner en la batería y el tecladista Peter Gordeno como músicos de apoyo.

El álbum apareció en cuatro ediciones, la estándar sólo en disco compacto, como edición de lujo en dos discos, como álbum digital descargable de la red y en doble disco de vinilo.

Black Sabbath es una banda británica de heavy metal formada en 1968 en Birmingham por Tony Iommi (guitarra), Ozzy Osbourne (voz), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería). Desde entonces, la banda ha sufrido multitud de cambios de formación, con más de veinticinco antiguos miembros. Formados originalmente como una banda de blues rock llamada en un principio Polka Tulk y posteriormente, Earth, la agrupación incorporó letras sobre ocultismo y terror con guitarras afinadas de modo más grave, cambiando su nombre por Black Sabbath y consiguiendo varios discos de oro y platino en la década de 1970. Al ser una de las primeras y más influyentes bandas de heavy metal de todos los tiempos, Black Sabbath ayudó a desarrollar el género con publicaciones tales como Paranoid, álbum que fue cuatro veces disco de platino. Han vendido más de quince millones de copias sólo en los Estados Unidos.

Ozzy Osbourne fue despedido de la banda en 1979 para ser reemplazado por Ronnie James Dio, antiguo vocalista de Rainbow. Sin embargo, Black Sabbath vio cómo, a lo largo de las décadas de 1980 y 1990, pasaron cuatro vocalistas más: Ian Gillan, Glenn Hughes, Ray Gillen y Tony Martin. La alineación original se reunió en 1997 y publicó un álbum en directo, Reunion, cuya canción «Iron Man» ganó el premio Grammy en 2000, treinta años después de su publicación original en Paranoid. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock en el año 2005. La alineación de comienzos de los años 1980 formada por Iommi, Butler, Dio y Vinny Appice se reunió en 2006 bajo el nombre de Heaven and Hell, título sacado del álbum de Black Sabbath del mismo nombre. El 11 de noviembre de 2011, los miembros fundadores de la banda anunciaron que se reunían de nuevo y que iban a grabar un nuevo álbum. Tocaron como cabezas de cartel en el Download Festival el 10 de junio de 2012, con planes de una gira mundial posterior. Sin embargo, poco después Ward anunció que no iba a participar de la reunión de Black Sabbath a menos que aclarasen temas de contrato. Al día siguiente, el resto de la banda anunció que no tenían más opción que seguir sin él, pero que le dejan las puertas abiertas para un posible regreso.

13 es el primer álbum de Black Sabbath desde 1978 (Never Say Die!), que graban los miembros originales Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra) y Geezer Butler (bajo).

Grabado en su mayor parte en Los Angeles con producción de Rick Rubin (Johnny Cash, Metallica, System Of A Down). En las sesiones trabaja Brad Wilk (Rage Against The Machine, Audioslave), que reemplaza al batería original, Bill Ward.


Tracklist:

“Yes fue influenciado en sus inicios (1968) por bandas precursoras del rock como The Who, Everly Brothers y los multifacéticos Crosby Stills Nash & Young. Rápidamente evolucionan a un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un enigmático contenido onírico y poético. Más duros y menos dramáticos que Genesis y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes marcaría la historia con clásicos como, Fragile, Close To The Edge y Tales From Tophographic Oceans”.

“Close to the Edge” es una composición soberbia y sumamente ordenada, en la que cada sonido instrumental ha recibido gran cuidado en su factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema "Close to the Edge" se observa también superposición de acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de disco; el contraste entre el mundo espiritual y el material y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el nº4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el nº3 en Estados Unidos”.  En el año 2003 se editó una remasterización que incluye 4 temas bonus con un total de 27 minutos.

Y en http://orfeoprog.blogspot.com.ar/2013/04/yes-close-to-edge-1972.html puedes encontrar la versión original de 1972.

Agradecemos el texto superior a Orfeoprog.

Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia).
Su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box label, en 1968.
Le Orme ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum concepto,Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator.
Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP, Ad gloriam (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70 (Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti).
Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi.
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fue remplazado por Michael Bon.
Los últimos tres trabajos de Le Orme (Il fiume, Elementi y L'infinito) muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Durante el año de 1977, Le ORME nos ofrece otra obra, ahora titulada "Storia o Leggenda", manteniendo la alineación pasada y en este orden: Antonio PAGLIUCA (órgano Hammond, polymoog, minimoog, pianoforte, armonium, fisarmonica), Aldo TAGLIAPIETRA (Bajo Fender, voz, arpa indiana), Michi Dei ROSSI (Batería Pearl, marimba, glockenspiel, percusión varia, guitarras acústicas y eléctricas) y Germano SERAFÍN (guitarras acústicas y eléctricas). En este álbum creo que empieza una etapa de Le ORME muy “callada”, en el sentido de que es un álbum con sonido mucho más acústico y que se perfeccionara y culminara en los dos discos subsecuentes ("Florian" y "Picolla"), y es una etapa que probablemente no interesa mucho a los fans del Le ORME clásico y otros que piensen que el sonido Leormeneano va en franca decadencia, sin embargo , creo que a ser justos, este disco es uno de los mejores del Progresivo italiano de finales de los 70’s, aparte de LOCANDA DELLE FATE y algún otro que se me escapa de la memoria, pudiera atreverme a decir que es de los mejores álbumes Progresivos de ese año, sobre todo, si vemos que la tendencia general de esos años para este estilo, iba siendo desplazado por otros tipos de rock, como el Punk o la música disco, Le ORME a pesar de haber modificado su estilo “clásico”, se atreve a “progresar” y nos ofrece un disco, meditativo, otoñal, melancólico, pero también rítmico, y con un sonido que nunca habían tocado en su anteriores obras, más refinado en algunos puntos, en otros mezclando ritmos de otros horizontes musicales como el reggae, pero indudablemente empiezan a explorar esa veta clasicista, un sonido, más apegado a las formas de la música “culta”, y que será una constante a través del álbum, notándose la preeminencia de un sonido mas terrenal, a diferencia de sus obras “clásicas” como "Uomo di Pezza" o "Felona e Sorona"; de hecho ya nos habían dado una probada de lo que venia en el anterior álbum "Verita Nacoste", que ya fue reseñado también, pero aquí quitan los elementos hardrockeros, para dar oportunidad a un sonido más “suave” y la producción del disco mejora bastante, se aprecia mucho mejor los instrumentos y las melodías y como siempre la batería de Michi se escucha como debió haber sido en el disco anterior, la voz de Aldo TAGLIAPIETRA, como siempre mágica y alcanzando notas maravillosas, y también es bienvenido el sonido de los teclados de Tony PAGLIUCA, que aquí se escucha otra vez al frente, ya que en el anterior disco, se escuchaba solo en el fondo, sin mas realce, en este álbum disfrutamos otra vez de su creatividad.

Gran parte de este disco fue grabado en Paris, Francia y se nota un poco la influencia parisina, en algunas canciones que ya se reseñaran se realzara este punto, y también es importante que este álbum fue un paso obligado para Le ORME, con el propósito de explorar ese estudio en los instrumentos acústicos, que darán vida a “Florian”.

En general el álbum es un rock progresivo tranquilo, sin espectacularidades individuales, muy fino, con influencia muy marcada, bien ejecutado, siento que más cuidado que el anterior álbum, muy armónico,, canciones muy hechas (e.g ‘Storia o leggenda’, ‘Il quadro’), algo con un sonido más duro (e.g ‘Al mercato delle pulci’) que resulta ser la pieza más aproximada al anterior Le ORME, pero desde esta nueva óptica, temas más pastorales, un sonido más intimo, pero sin dejar la influencia progresiva y la conjunción de nuevos horizontes musicales, para esta gran banda italiana, también se pudiese resumir como “mágico” o “ensoñado”, con canciones aun más cortas que en “Verita Nacoste”, pero indudablemente más elaboradas que en aquel álbum, la guitarra de SERAFÍN me sorprende por que muestra una calidad que hasta entonces consideraba “normal” dentro de una agrupación progresiva, pasajes deliciosos de guitarra acústica en la mayoría de las canciones (e.g. ‘Il musicista’, ‘Storia o leggenda’), y una mayor integración por parte de él hacia el resto del grupo, cosa que no se apreciaba en “Verita Nacoste”.

Algunas canciones como ‘Se lo Lavoro’ o ‘il Quadro’ sin duda son de lo mejor en esta obra y superior en todo lo hecho en “Verita Nacoste”, sin embargo, yo creo que la causa principal que, en su momento no ha sido considerado un gran disco es por la época en que salió, la mayoría del publico buscaba un sonido más simple y comercial y el ascenso de grupos de rock Punk y rock más pesado, no ayudo a la cabal comprensión, del disco, pero considero que es una gran adquisición para cualquier persona que quiera aventurarse en la historia de este grupo.

Una nota mas antes de entrar en las canciones, la portada es una de las mejores que se hayan publicado en un disco de rock Progresivo, muy parecida a la de “Felona e Sorona”, inspirada en un trabajo de Walter MAC MAZZIERI y pareciera una batalla entre el bien y el mal, al estilo de William BLAKE.

El álbum abre con ‘Tenerci per Mano’, un comienzo con un poco de ritmo reggae, pero contrastando con la voz misteriosa/mágica de TAGLIAPIETRA, el bajo sosteniendo la canción y la guitarra de SERAFÍN matizando la melodía principal con algunos arpegios acústicos realmente agradables y el teclado de PAGLIUCA llevando el peso de las melodía, no es lo más progresivo que han hecho, pero definitivamente no tan “pop”. Como algunos han sostenido. Buena a secas. El álbum prosigue con ‘Storia o Leggenda’, una de las mejores canciones del disco, y ¿por que no? De la discografía de Le ORME, contiene la perfecta fusión del antiguo / nuevo estilo que están proponiendo, una guitarra por parte de SERAFÍN , simplemente exquisita con una atmósfera melancólica y nostálgica , la voz de TAGLIAPIETRA me recuerda tanto lo hecho por John WETTON por la canción ‘Starless’ en KING CRIMSON, un ritmo muy pastoral al principio, evocando parajes de ensueño y el coro de la canción que se me hace de los mas exquisito que se haya escrito, de verdad imprescindible esta joya de la música Progresiva.

Otra de las canciones sobresalientes de este disco, es ‘Il musicista’ un buen ritmo con frescas tonalidades de teclado por parte de Tony PAGLIUCA y la guitarra de SERAFÍN que me recuerda en pases a lo hecho por Jimmy PAGE en LED ZEPPELÍN circa “Presence” y más exactamente en la canción ‘Over the Hills and Far Away’ en el empiezo , sin la distorsión por supuesto, la voz de TAGLIAPIETRA, aquí cumplidora sin nada especial que remarcar, buen ritmo y de las canciones más “movidas” del disco. Buena. El disco continua con ‘Come una Giostra’, la cual es una canción que refleja lo que estaba pasando en el grupo, a un cambio de dirección, me da la impresión de que se encontraban en una encrucijada musical, y las nuevas modas musicales amenazando ya en el horizonte. No es una canción muy notable frente a otras de este mismo álbum, con mucha influencia “popera”, sobre todo en el teclado de PAGLIUCA, además se puede decir que parece un outtake de “Verita Nacoste”, la verdad es bastante mediocre, considero que sería como de “relleno”.

Otra de las canciones bien hechas y “cajonas” del álbum en comento,considero que es ‘Se io Lavoro’ muy buen trabajo de PAGLIUCA en el departamento de los Teclados, con resabios de experimentación de aquel Le ORME furioso y vanguardista al final de la canción, pero adaptado al tiempo , y la brillante voz de TAGLIAPIETRA sonando como lo hace, sin duda un sello en Le ORME, la canción tiene un ritmo muy pegajoso, pero no cae en provocaciones “poperas” , con una línea vocal muy característica y una letra muy buena. Sin duda un buen trabajo por parte de Le ORME y de los mas destacable en esta obra. Muy emocional y evocativa. Seguimos con ‘Un Angelo’, composición que una vez más, refleja la encrucijada musical en la que se encontraba el grupo, muy meditativa y en partes, hasta repetitiva, de lo que venían haciendo a través del disco, partes que han sido mejor realizadas por ejemplo en la canción “Storia o Leggenda”. Esta sin embargo da la impresión de estar en una casa de la cual se esta a punto de abandonar, o de una mudanza, dejando esos tiempos como simples recuerdos, claro que la letra habla de otra cosa, no es muy buena la canción en general y salvo la voz de TAGLIAPIETRA que la salva de un seguro naufragio, nada memorable. Aquí se escucha la influencia parisina de la que hable líneas antes.

Continuamos con ‘Il Quadro’, obra que es para mi una encrucijada , la canción no tiene nada memorable, y para mis gustos, muy plana en general, pero aun así es disfrutable ,muy pastoral, (el disco es en si muy pastoral), y nostálgico, otra canción que recrea el ambiente parisino, no dejo de confesar que la letra es muy buena (acerca de los círculos en la vida altas / bajas), y en la parte que canta el “Bonjour Mounsieur...” se aprecia un buen trabajo de PAGLIUCA en los teclados, buen efecto wah wah de la guitarra de SERAFÍN, sin embargo creo que es de los puntos bajos de todo el disco.

Sin duda la melodía más próxima al Le ORME “clásico”, es ‘Al Mercato delle Pulci’ la aparición de SERAFÍN con una guitarra agresiva en el ritmo, PAGLIUCA demostrando por que es uno de los grandes en el departamento de las teclas , MICHI haciendo gala de por que es uno de los mejores bateristas del rock Progresivo en general, y Aldo ese genial Aldo, con su bajo eléctrico que domina por mucho la mayoría delas canciones y melodías de Le ORME, esta es una pieza musical de altos vuelos (noto algunas influencias de jazz fusión ,pero muy poco evidentes), y demostrando que Le ORME aun puede tocar como en su periodo “clásico” si quisieran, pero en esta ocasión, debido a la ya instalada influencia clasicista , se escucha más refinados, (y no con ello pretendo demeritar al Le ORME “clásico” también son muy finos, aun más creo yo, pero de diferente forma hablo del refinamiento en esta pieza musical) y menos vanguardistas, lo único que no me gustó es que durara tan poco tiempo, esta melodía tenia para mucho más , pero excelente cierre de disco y de las mejores composiciones del grupo en general.

Finalmente otro disco de esta época de Le ORME que muchos consideran muy floja, yo no creo eso, mi opinión es que es un buen disco (mejor que lo que hizo ELP ese año con “Love Beach”!) y que demostró que la adición de Germano SERAFÍN en la guitarra, no fue una mala decisión después de todo. Lo que si lamento de verdad, es que dure tan poco esta obra.

–José Alberto MUñOZ FLORES, para Manticornio.