Yes es una banda de rock progresivo británica, formada en 1968 en Londres, que adquirió fama internacional en los años 70, erigiéndose en uno de los pilares del género, junto a grupos como Pink Floyd, Camel., Genesis, King Crimson o Emerson, Lake & Palmer.

Influidos en sus inicios por grupos como The Beatles, The Moody Blues o los multifacéticos Crosby, Stills, Nash and Young, rápidamente evolucionarían hacia un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz y de la música clásica, aunados con sus melódicas canciones y un enigmático contenido esotérico, onírico y poético, presente en sus letras, mayormente hijas de la pluma de Jon Anderson.

Más duros y menos teatrales que Genesis, aunque más progresivos que Rush o Jethro Tull, el rock de Yes marcaría la historia del rock sinfónico inglés con clásicos como The Yes Album, Fragile, Close to the Edge o Tales from Topographic Oceans.
Hoy traemos Heaven & Earth, el vigésimo primer álbum de estudio de la banda lanzado en julio de 2014.

Heaven & Earth es el primer álbum de estudio de Yes con el cantante estadounidense Jon Davison en la voz principal. Fue producido por Roy Thomas Baker, y mezclado por el ex miembro de Billy Sherwood. 

Sobre el nombre del álbum, Steve Howe declaró: "En cierto modo, el paralelo de decir 'Heaven And Earth" es lo mismo que decir el bien y el mal, el yin y el yang, arriba y abajo, izquierda y derecha. Son dos extremos, pero creo que la forma en que a Roger y a mí nos gustó fue que, de hecho, la Tierra es un lugar físico donde se puede medir cosas y que puede existir la física cuántica. [...] pero el Cielo es un lugar desconocido sin un destino particular sin medida y desconocido Sin embargo, no importa si usted está totalmente atado a una creencia religiosa o si es espiritual de una manera que no requiere compromiso religioso -.. sólo requiere la conciencia sobre el hecho de que ay obviamente algo por ahí que desconocemos. [...] que resume la calidad dual de lo conocido y lo desconocido y cuanto más nos fijamos en lo conocido más notamos lo mucho que nos falta conocer».

Joe "Satch" Satriani (Westbury, Nueva York, 15 de julio de 1956) es un guitarrista de rock instrumental estadounidense. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.

Según otros guitarristas ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen: Steve Vai, Marty Friedman (Ex-Megadeth), Alex Skolnick (Testament), Andy Timmons, Larry LaLonde (Primus), Reb Beach, Rick Hunolt (Ex-Exodus) y Kirk Hammett (Metallica).

Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental, desde su consolidación con el célebre disco Surfing with the alien, lanzado a finales de los años '80. Su versatilidad, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho merecedor de elogios de parte de un sin número de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Por ejemplo, Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, se refirió a él como "El mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez", refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza. Sin embargo, Joe Satriani ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de multiinstrumentista, plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e incluso un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.

Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y al día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todo nivel su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred, e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Además, a diferencia de muchos guitarristas virtuosos, Joe Satriani no ejecuta sus pasajes veloces con alternate picking, sino con legato, siendo el máximo exponente de esta técnica en el panorama de la guitarra moderna.

Unstoppable Momentum es el decimocuarto álbum del guitarrista, lanzado el 6 de mayo 2013 por Epic Records. Fue anunciado por primera vez el 20 de febrero de 2013 en el sitio web oficial de Satriani. La lista de canciones y la portada se dieron a conocer el 19 de marzo.

Hijo de un director de hotel, pasó la mayor parte de su infancia en Edimburgo, cuya influencia ha dominado su carrera musical desde entonces.

Su familia se mudó a Blackpool en el Noroeste de Inglaterra en 1959, donde cursó estudios secundarios antes de estudiar Bellas Artes.

Siendo un adolescente, trabajó como dependiente en unos almacenes de la cadena Lewis en Blackpool, siendo más tarde vendedor de una nueva sección. Más tarde diría que el leer ejemplares de las publicaciones musicales Melody Maker y News Musical Express le dio la inspiración para tocar en un grupo.

En 1963, formó The Blades con sus compañeros de estudios Barriemore Barlow (batería), John Evan (teclados), Jeffrey Hammond (bajo) y Michael Stephens a la guitarra. Fue una banda de soul y blues con Anderson a las voces y la armónica.

En 1965, el grupo se había convertido en The John Evan Band con una formación mayor. Se disolvió en dos años cuando Anderson tuvo que moverse a Luton. Allí conoció al batería Clive Bunker y el guitarrista Mick Abrahams procedentes de McGregor's Engine. Junto con Glenn Cornick, un bajista que había conocido a través de John Evan, creó el primer germen del que sería su grupo para los siguientes 40 años: Jethro Tull.

Para entonces, ya había abandonado su idea de tocar la guitarra eléctrica. Se decantó por la flauta tras varias semanas de pruebas; pensó que podía tocarla bien dentro de un estilo blues y rock. Con esa incipiente afición grabaría su primer disco con Jethro Tull, el álbum This Was. No por ello abandonó la guitarra clásica siendo uno de los pocos rockeros en darle vida propia al instrumento de cuerdas de nylon. En su dilatada carrera musical iría añadiendo nuevos instrumentos tales como la mandolina, el saxofón, los teclados y otros más.

Su famosa pose de tocar sobre una pierna vino por accidente: había estado tocando sobre una pierna la armónica para poder sujetar con la otra el pie del micrófono y un periodista le describió por error como el flautista que tocaba sobre una pierna en el Marquee londinense. Decidió aprovechar esa fama aunque con cierta dificultad al principio. Más tarde se sorprendería al ver imágenes de varios iconos divinos tocando la flauta sobre una pierna como Krishna y Kokopelli.

Hoy traemos su más reciente trabajo : Homo Erraticus.

Pink Floyd fue una banda de rock británica que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la historia de la música rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 74.5 de ellos solamente en los Estados Unidos.

Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, el extraño comportamiento de éste último, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en enero de 1968 por el que ya fuera su amigo de antemano David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo tras la anterior marcha de Klose.

Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero los demás miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que habían continuado grabando y actuando bajo el nombre de Pink Floyd, mientras que Waters pensaba que dicho nombre no debía seguir siendo utilizado. Tras el juicio, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: «Young Lust», «Run Like Hell» y «Comfortably Numb») y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el mismo nombre.

Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de metal progresivo instrumental de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (ex-baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:
Tony Levin: experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
John Petrucci: reconocido guitarrista ex-compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
Jordan Rudess: actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
Mike Portnoy: baterista, ex-componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) que aquí les acercamos y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en Nueva York, Filadelfia y Los Ángeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues la mitad de la banda ahora está en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Durante 2008 se edita un disco en vivo de Liquid Trio Experiment llamado When the Keyboard Breaks, grabado durante un show en Chicago, EEUU, en el cual, el teclado de Jordan Rudess sufre una grave avería. Los músicos restantes se prestan a iniciar una larga sesión de Jams de aproximadamente una hora mientras Rudess junto a sus técnicos tratan de reparar su instrumento. Ese disco es la grabación de dicho Jam, con algunos cortes.

The Six Wives of Henry VIII (Las seis esposas de Enrique VIII) es el título de un álbum de música de 1973 del teclista de rock progresivo Rick Wakeman que hoy difundimos en su versión en vivo del año 2009.
Para Wakeman fue su primer álbum solista lanzado en los Estados Unidos. Otros componentes del grupo Yes, al que pertenecía Wakeman por entonces, aparecían colaborando en varias piezas.
Aunque la música no tiene mucha relación con las seis esposas de Enrique VIII, el álbum original tuvo bastante éxito, y es visto como uno de los trabajos solistas más sólidos de Wakeman.
Él explica el título y el tema visual con las siguientes palabras:

« Este álbum está basado en mi interpretación de las características musicales de las esposas de Enrique VIII. Aunque el sonido puede que no coincida con sus historias individuales, es mi concepción personal de los personajes a través de los instrumentos de teclado ».

Durante las actuaciones en vivo de Yes, cada miembro interpretaba un solo, y Wakeman, para el suyo, solía elegir piezas de este álbum.
Partes de esta obra (principalmente Catherine of Aragon) aparecen en una pista del álbum triple registrado en directo Yessongs, complementadas con piezas de otros trabajos, como el número coral Aleluya del Mesías de Händel.
En la primavera del 2009, en conmemoración del Quinto Centenario de la Asención al Trono de Enrique VIII, Rick Wakeman cumplió finalmente su sueño de realizar su famoso álbum "Las seis esposas de Enrique VIII" en el historico Castillo de Hampton Court Palace, tal como lo concibiera por primera vez hace 37 años. Además de ser la primera vez en que éste álbum fue interpretado en su totalidad, junto a Rick estuvieron la English Rock Ensemble, el prestigioso coro de The English Chamber Choir, y la celebre Europe Orchestra dirigida por el reconocido Guy Protheroe. Además como anfitrión estuvo el conocido actor británico Brian Blessed. El espectáculo en este maravilloso entorno, contó con una soberbia iluminación y una notable puesta en escena. Con el plus de contar con dos temas que por razones de espacio nunca fueron incluidos en el álbum.

Track list 

1. Intro to Henry's Fanfare (2:00)
2. Henry's Fanfare (6:33)
3. Intro to Kathryn Howard (2:50)
4. Kathryn Howard (12:15)
5. Intro to Jane Seymour (2:48)
6. Jane Seymour (7:48)
7. Into to Defender Of The Faith (1:47)
8. Defender Of The Faith (10:22)
9. Intro to Katherine Parr (2:39)
10. Katherine Parr (12:01)
11. Intro to Anne Of Cleves (2:23)
12. Anne Of Cleves (8:35)
13. Intro to Anne Boleyn (3:11)
14. Anne Boleyn (11:25)
15. Intro to Tudorock (3:08)
16. Tudorock (7:21)

Esta es una colaboración de leonardinsky.blogspot.com.ar

27 años después de su último concierto demostraron que su talento continuaba intacto y la llama de la química entre ellos viva como el día de su primer ensayo en 1968. Con una soberbia actuación única de reunión con motivo del homenaje a su querido Ahmet Ertegun, en aquella noche del 10 de diciembre de 2007 Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra) y John Paul Jones (bajo y teclados), arropados a la batería por Jason Bonham (hijo del lloradísimo John "Bonzo", batería original de LED ZEPPELIN), dejaron claro sobre el escenario del O2 de Londres que se pasaban por el forro la medianía de tantos miles de bandas de entre 18 y 35 años surgidas en el nuevo milenio, y que pululan por el planeta diciendo que hacen Rock duro. Y este documento, que no podría ser más impecable, es el mejor testamento que la veteranísima banda podía dejar de la que tal vez haya sido la más brillante y digna reunión jamás vista en la historia el Rock.

Y es que, incluso simplemente a través del mismo DVD incluido en este pack (no digamos ya en el mismo O2 ARENA en diciembre de 2007), escuchar el sonido de la intro mezclado con el del público con la expectación y la emoción apenas contenida, mientras el grupo se hace una última fotografía antes de tomar posiciones, y finalmente ver a Merrrs. Plant, Page, Jones y Bonham Jr. irrumpir en escena al contagioso ritmo de "Good Times Bad Times" es una de las experiencias más impactantes y especiales para un amante/connoisseur del género. Por lo trascendental del acontecimiento, por la llegada de algo tan esperado durante más de un cuarto de siglo, y sobre todo por la felicidad que produce comprobar el magnífico estado de forma artística en el que se siguen encontrando estos legendarios rockeros que, además, conservan plenamente la complicidad y el entendimiento musical (y seguramente personal) entre ellos.

Versiones tan impecables de clásicos tan definitivos como "Black Dog", "Ramble On", "Nobody`s Fault But Mine" o "In My Time Of Dying", entre muchas otras, no dejan lugar a la menor duda: LED ZEPPELIN están de vuelta, aunque sea por una sola noche. Podrían estarlo para mucho más, si quisieran. Pero no quieren (al menos no todos ellos). Prefieren dejarlo ahí, de nuevo en lo más alto más de cuarto de siglo después. No está nada mal semejante lección de dignidad...

Volviendo a lo puramente musical, aunque realmente el nivel es encomiablemente uniforme a lo largo y ancho de las dos generosas horas de concierto, resultan particularmente emocionantes algunos pasajes. Por ejemplo la estupenda "Fool In The Rain", una pieza del álbum Presence (1976) que el grupo nunca había interpretado en directo, naturalmente las inevitables "Kashmir" y "Stairway To Heaven", y por descontado las obligatorias "Whole Lotta Love" y "Rock & Roll", ya en los bises.

Es un decir. Realmente todas y cada una de las versiones aquí contenidas brillan con luz propia. Suenan rutilantes, potentes, maduras, extremadamente sólidas... ahí están también las magistrales "Misty Mountain Hop" y "The Song Remains The Same", el inolvidable blues de "Since I`ve Been Loving You", o la impoluta "No Quarter", o la tremenda energía que destila "Trampled Underfoot"... Todo, absolutamente todo sonó y quedó de matrícula de honor en la noche londinense tan felizmente inmortalizada en este documento bautizado como Celebration Day, en una referencia del grupo a un corte de su tercer álbum que, en cambio, no sonó esa noche.

Este doble CD y doble DVD (cuenta con un disco extra con imágenes de algunos de los ensayos de días previos al concierto) es ya un documento absolutamente imprescindible para cualquier amante del Hard Rock de la más fina factura, y de una de las bandas no solo más espectaculares y memorables en escena, sino (y este documento así lo demuestra) más atemporales.

Desde hace ya tiempo parece casi totalmente seguro que el grupo no se reunirá ya jamás para una gira completa. Los constantes rumores a ese respecto se desvanecen, pues. No obstante, ya siempre nos quedará de que, efectivamente, la magia existe. La mejor prueba de ello estuvo en aquella noche del 10 de diciembre de 2007, cuando tres de los cuatro caballeros originales de LED ZEPPELIN, con el hijo del siempre recordadísimo y forzosamente ausente batería original se subieron juntos veintisiete años después a un escenario, a la sazón el del O2 ARENA de Londres, para ofrecer un único concierto. Esa prueba fue felizmente grabada y filmada con milimétrica precisión, y hoy está aquí, y se llama Celebration Day. Así pues, con más fuerza que nunca, viva LED ZEPPELIN, viva el directo, viva la música y, para ser más exactos, ¡viva el puto Rock & Roll!

En la primavera de 1970, Howe, luego de audicionar para The Nice y Jethro Tull, decide unirse a Yes haciendo su primer show con el grupo en el Queen Elizabeth Hall el 21 de marzo de 1970. Como una curiosidad Howe fue fotografiado con el grupo para la carátula de la edición no-Europea del segundo álbum de Yes, Time And Word que se lanzó en agosto aunque era en realidad Banks quien había tocado en la grabación.

Su debut en el estudio no seria sino hasta el año siguiente en 1971 con The Yes Album, en donde al sonido ya característico de Yes de los primeros dos álbumes, se le agregaba una sólida y a la vez dinámica caracterización melódica, entregada mayormente por el amplio set de guitarras fenders, gibsons, mandolinas, guitarras acústicas, paseando fluídamente entre la psicodelia, el blues, el country, y hasta el barroco europeo, llegando hasta donde ninguna banda de rock había llegado hasta ese momento. Llegando a constituir de este modo el sonido progresivo característico de Yes. Célebre fue su solo para el tema Starship Trooper calificado por la revista Bilboard como uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia. La introducción de una dinámica y humoresca pieza de guitarra acústica llamada simplemente The Clap, para celebrar el acontecimiento del nacimiento de su primer hijo: Dylan, nos hace retroceder a los comienzos de la música popular a la era dorada del Rag Time.

La suma de Rick Wakeman después de la salida de Tony Kaye para el álbum siguiente, Fragile, creó el clásico sonido de Yes con Anderson-Howe-Squire-Wakeman asociado con el apogeo de los logros tempranos de la banda. A su surtido ya-formidable de guitarra eléctrica y acústica, Howe agregó un único acercamiento del rock progresivo para pedal steel en el próximo álbum, Close To The Edge, en donde la complejidad instrumental se fusionó con temas de contenido onirico y místico que continuará en los siguientes dos álbumes como Tales from Thopographic Oceans y Relayer los cuales tienen también el sello característico de Howe. Sus influencias clásicas y del jazz, junto con su tendencia a la experimentación continua, ayudó producir un estilo único entre músicos de rock, mientras que grupo tomó una posición en conjunto como una de la bandas más importantes del rock progresivo. Aunque la banda sufrió algunos cambios en los años setenta, Howe, Anderson, y Squire fueron los elementos constantes durante toda la década.

En octubre de 1975, luego luego de la gira de Relayer, la banda toma un receso, lo que Howe aprovecha lanzando Beginnings, su primer álbum solista. En él participan miembros de Yes como Alan White, Bill Bruford y Patrick Moraz y fue el número 63 en ventas en el EE.UU. y número 22 en los charts del REINO UNIDO.

Luego de dos álbumes más junto Yes, incluyendo a Rick Wakeman: Going for the One (1977) y Tormato (1978), Howe alcanzaría el mayor apogeo de su carrera.

Luego de terminada la gira por Europa, Howe se concetra en la producción de su segundo trabajo, The Steve Howe Album, que se lanzó en noviembre de 1979. Esta vez Howe incluyó además de sus característicos temas instrumentales, y la participación de sus compañeros en Yes, a la hermosa voz de la cantante Claire Hamill.

A principios de 1980, sin embargo, Anderson y Wakeman son marginados del grupo debido a su creciente interés por el sonido de la New Age y fueron reemplazados unas semanas después por los Buggles Trevor Horn y Geoff Downes, desencadenando el rechazo de los fans y la disolución de Yes el 18 de abril de 1981, a dos meses de finalizada la gira de promoción del álbum Drama.

Durante los próximos años, Howe contribuyó en varios álbumes producidos por Horn para otros artistas (incluso Frankie Goes a Hollywood y Propaganda). Además de una destacada participación en Asia entre 1982 y 1983 y en GTR junto al guitarrista Steve Hackett entre 1985 y 1987.

Luego de la disolución de Yes y Emerson Lake and Palmer y UK en 1982, Howe, se une a Geoff Downes, Carl Palmer y a John Wetton, en una nueva banda llamada Asia pero después de dos álbumes de éxito masivos y algunos hits como Heat of the Moment, Only Time Tell, o Don't Cry, Howe deja la banda a causa de las diferencias con Wetton en 1983.

Luego de Asia, Steve Howe junto con el ex-Génesis, el guitarrista Steve Hackett en 1986 forma GTR. Su único álbum, GTR, fue disco de oro, con el single When the Heart Rules the Mind, pero el interés de Hackett por seguir con su carrera solista llevo y la salida del vocalista Max Beacon, Howe descubre en los ensayos a un nuevo vocalista y guitarrista llamado Robert Berry con quien intentará producir un nuevo álbum, sin embargo, Howe finalmente decide disolver la banda, y recomienda a Robert Berry unirse a Keith Emerson y Carl Palmer en Three con quienes llega a tener cierto éxito con el single "Talking about you" en cual ya había sido producido anteriormente con Howe.
 

En 1989, Jon Anderson, desilusionado con el nuevo Yes, se reúne con sus viejos compañeros Howe, Rick Wakeman, y Bill Bruford (ABWH) para ofrecerles grabar algunas canciones juntos. Es así como lanzaron un álbum y completaron una gira bajo el nombre Anderson Bruford Wakeman Howe, llevando a conflictos legales sobre de la propiedad del nombre de Yes. Al año siguiente se reunieron para la grabación de un segundo álbum en Francia, el cual nunca llegó a terminarse, conocido como Dialogue o, simplemente, ABWH-2. Algunas demos realizadas por Howe para este álbum aparecerían más adelante en Homebrew y Homebrew 2.

En 1991, a petición de Jon Anderson, acepta incluir los temas a medio desarrollar en un estudio de grabación de New York con ABWH y participar en una gira de promoción para un álbum de Yes llamado Unión, compartiendo escenario con Trevor Rabin, Tony Kaye, Chris Squire y Alan White. Cual sería su sorpresa al oír la edición final del álbum y encontrar sobre sus huellas la intrusión de post-producción de otros guitarristas a pedido del productor Jonathan Elias, con quien Jon Anderson había trabajado un par de años atrás.

En respuesta a su desencanto con Union, Howe decide tomar su trabajo para este álbum y, con la colaboración del baterista Bill Bruford, decide volverlos a producir en su estudio en Devon (Inglaterra), esta vez como un set de temas acústicos junto a otros temas ya ensayados con GTR en un álbum llamado Turbulence, el cual es lanzado a finales de 1991. Este álbum seria el primero después de 12 años del lanzamiento de su último álbum como solista, retomando de esta manera su carrera en solitario.

Además, mismo año, él contribuyó con un el solo de flamenco en el tema Innuendo del álbum del mismo nombre de Queen, el último antes de la muerte de Freddie Mercury.

Al año siguiente colaboraría en cuatro temas con su ex-compañero y buen amigo Geoffrey Downes, en su nueva reencarnación de Asia, esta vez junto al joven vocalista John Payne, en un álbum titulado Aqua, en donde también colaboraría Carl Palmer. Participó también en la gira de promoción de dicho álbum.

A partir de Turbulencce en 1991, Howe ha publicado una grabación casi cada año, yendo de lo acústico a lo progresivo, y a un particular tributo a Bob Dylan. Su hijo Dylan, ahora un respetado músico del jazz, tocó la batería en su descargo instrumental solista de 1998, Quantum Guitar. Elements, realizado en el 2003, incluye también a su hijo menor Virgil (en los teclados y coros), como parte de un proyecto llamado Remedy.

Brevemente en 1993, Howe trabajó en las partes de la guitarra para un Symphonic Yes un álbum de versiones de clásicos, y entonces dejó la banda después de que el sello Victory lo omitió de una invitación para participar en las sesiones del estudio que llevarían a su próximo álbum Talk con Trevor Rabin.

Luego del fracaso de Talk, Howe finalmente se reunió con Yes en 1996, para resucitar la alineación más clásica de esta banda junto a Anderson, Squire, Wakeman y White, realizando una serie de conciertos en San Luis Obispo que fueron editados en Keys to Ascension. Desde entonces, Howe ha aparecido de nuevo en todos los álbumes grabados por Yes.

El sitio web personal de Howe, Guitar Rondo, se lanzó en mayo de 1996. El guitarrista toma un papel activo en el sitio dirigiendo las subastas para los álbumes de oros y las guitarras de colección, y contestando las preguntas de los fans.

El 24 de mayo de 1996, Howe recibió un Honoris Causa en música en la Five Towns College en Dix Hills, Nueva York.
Los 2000

En cuanto a Asia, después de 25 años, algunas de las discordancias que llevaron a Howe a una ruptura con John Wetton se han disipado y Howe se ha reunido con los otros tres miembros fundadores en una gira mundial para conmemorar los 25 años de su primer éxito a finales del 2006, reinterpretando los éxitos de sus primeros dos discos y preparando el lanzamiento de otro nuevo, para abril del 2008, llamado "Phoenix".
El reconocimiento artístico

A pesar de los problemas que Yes estaba experimentando en ese momento, Howe fue elegido como "El Mejor Guitarrista de todos los tiempos" por Global la revista para guitarristas por cinco años (1977 - 1981) y se instaló en la "Galería de los más grandes guitarristas de todos los tiempos" en 1981.
La Gibson Guitar Corporation, la Segunda fabricante de guitarras eléctrica para Howe (qué él todavía está tocando después cuarenta años), declaró que Howe "elevó la guitarra del rock a un "nivel de arte" y ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "art rock". En un tributo a Howe y su guitarra Gibson ES-175, Gibson produjo una edición limitada en 2002.

Steve Howe se ha llegado a convertir en el sello progresivo en todas las bandas donde ha participado, y su inclusión siempre marcó un antes y un después. Su estilo clásico, versátil y matemáticamente estructurado, le da una cierta aura barroca fácil de reconocer frente a otros guitarristas de la escena del rock. Probablemente hay que ser músico o tener cierta sensibilidad musical para apreciar la contribución de Howe en la música, y pese a que algunos suelen deslumbrarse con la pirotecnia facilista de un Van Halen, o un Santana, o un Satriani, el maestro Steve Howe, con un estilo sobrio y depurado supo ganarse desde muy joven la admiración y el reconocimiento de sus pares, llegando a ser calificado por todos ellos dentro de los 10 mejores guitarristas de la historia del Rock.

 

De la mano de Leonardinsky hoy traemos a Logia Musical este concierto donde se presentó junto a dos de sus hijos.

 

El concepto de What Lies Beneath es descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que yace detrás de las personas, esas cosas que no podemos ver a simple vista, regalandonos un álbum mas metalero, directo y obscuro que su antecesor

Tarja utilizará como referencia en la canción que da lugar al titulo del álbum, a Náyade, una ninfa de la mitología Griega que vive en las aguas de los ríos, los océanos, fuentes y lagos.

Tarja confirmó que la grabación se realizaró en dos estudios diferentes: “Petrax” (ubicado en Finlandia) para las canciones de rock y “El Pie” (ubicado en Buenos Aires, Argentina) para las que cuentan con sonido de Soundtrack.

El líder de la banda U2 (Bonito) no es afecto a que algo se comparta en Internet. Se ha declarado en contra de cualquier sistema de intercambio de archivos y es tal vez por eso que su trabajo ahora es uno de los más copiados en la red.
U2 es una banda de rock, originaria de Dublín (Irlanda), formada en 1976 por Bono (voz y guitarra), The Edge (guitarra, teclado y voz), Adam Clayton (bajo), y Larry Mullen, Jr. (batería y percusión). El sonido inicial de U2 tenía sus raíces en el post-punk, pero eventualmente empezaron a incorporar a su música géneros más populares. A lo largo de la búsqueda musical de la banda, han mantenido un sonido construido a base de instrumentales melódicos, destacados por la textura musical de The Edge y la voz expresiva de Bono. Sus letras, a menudo ordenadas con imágenes espirituales, se centran en temas personales y de preocupaciones sociopolíticas.

U2 se formó en la Mount Temple Comprehensive School, cuando sus miembros iniciales eran adolescentes y tenían un limitado conocimiento musical. En cuatro años, firmaron su primer contrato discográfico con Island Records y lanzaron su álbum debut, Boy. A mediado de los años 80, se convirtieron en una banda conocida mundialmente. Tuvieron más éxito como artistas en vivo que como artistas comerciales a lo que a venta de álbumes se refiere, hasta su álbum de 1987 que los catapulto a la fama, The Joshua Tree, el cual según la revista Rolling Stone, elevó a la banda «de héroes a superestrellas». La reacción a su "estancamiento" musical a finales de los años 80, hizo que el grupo decidiera reinventarse con su álbum de 1991, Achtung Baby en compañía del Zoo TV Tour, durante esta década U2 se influenciaría en el pop, la electrónica, el dance y el rock alternativo y los integraría a su sonido. Su salto más alejado a sus raíces sería en 1997 con el álbum Pop, un álbum que llevaba desde canciones de pop puro, hasta canciones más pop rock, hasta algunas sumamente alternativas como «Please». El álbum tuvo un nivel de éxito medio, pero su sencillo de presentación «Discothèque», le dio a la banda su primer sencillo top 10 en Estados Unidos desde 1992. U2 volvió a ganar un gran éxito comercial en el año 2000 con el álbum All That You Can't Leave Behind. Luego de este álbum U2 dejó de lado los sonidos experimentales que llevaron a cabo en la década de los 90, volviéndose más convencionales mientras mantenían sus influencias musicales iniciales. U2 ha lanzado doce álbumes de estudio y son uno de los artistas musicales con mayores ventas, vendiendo aproximadamente 150 millones de copias mundialmente. Han ganado 22 Premios Grammy, más que cualquier otra banda, y en 2005, fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame. Rolling Stone los posicionó en el puesto número 22 en su lista de los "100 Mayores Artistas de todos los tiempos".

Hoy traemos el registro de su reciente gira mundial editado como U22 - 2012.

Fuente: Wiki y Bajatodo.net

Mike Oldfield, que a fecha de 2007 aún seguía con Universal Music, manifestó, en numerosas entrevistas promocionales , que estaba trabajando para que su próxima obra fuera instrumental "a la antigua usanza", dividida en secciones, con instrumentos reales, más que los múltiples "samplers" de sus últimas obras. El proyecto se llama Music of the Spheres. Obra de corte clásico, con la colaboración de Karl Jenkins (Soft Machine, Adiemus) y en el que Oldfield toca guitarra española y acústica, y piano. El disco fue grabado en Abbey Road Studios en Londres, por Oldfield y Jenkins en junio de 2007.

En un principio el disco iba a ser publicado en noviembre de 2007, sin embargo asuntos personales (su esposa estaba embarazada) retrasaron la fecha hasta enero de 2008, y luego a marzo de 2008. La razón del nuevo retraso era poder promocionar debidamente el álbum, cosa que Oldfield no quiso hacer hasta que hubiera pasado algún tiempo desde el nacimiento de su nuevo hijo. Aún con la fecha de lanzamiento algo lejana, en septiembre de 2007 el disco ya estaba disponible en diversas redes de intercambio.

Finalmente, Mike Oldfield estrenaría su nuevo álbum Music of the Spheres el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao . Este concierto, en el que tocó junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sociedad Coral de Bilbao, sirvió como estreno mundial de su último disco, Music of the Spheres. El concierto, cerrado al público, se grabó y estuvo disponible en internet, a partir de la siguiente semana a su presentación, a través del iTunes de Apple. Junto a la guitarra de Oldfield, tocaron en el atrio 112 músicos y un coro formado sólo por mujeres.

El álbum, al igual que otros trabajos puramente instrumentales como Tubular Bells, Hergest Ridge u Ommadawn, está formado por dos partes de más de 20 minutos de duración cada una. Está compuesto para orquesta sinfónica, y cuenta con secciones interpretadas por coro, soprano y guitarra clásica que interpreta el propio Mike Oldfield. En general podría decirse que la obra pertenece al romanticismo musical, muy en la línea de trabajos anteriores como Hergest Ridge o Incantations. En la obra abundan los clásicos sonidos oldfianos: melodías minimalistas, cambios de texturas armónicas y tono melódico. Es una obra armoniosa y muy agradable al oído, con un tono ancestral muy apreciable. Pese a todo, no logra incorporar grandes dosis de originalidad.

Aunque hay rumores de su retirada, ha dejado una esperanza de un futuro álbum, quizá inspirado en el mar. De momento, en abril de 2008 se retira temporalmente, su dedicación a partir de ahí será disfrutar de su familia. Actualmente reside en Bahamas, aunque vivió en Ibiza y Mallorca y es un visitante habitual de estas islas. Recientemente ha comenzado a reeditar y remezclar sus grandes discos de la década de los setenta, incorporando en las reediciones material inédito de indudable interés para los aficionados a su música. Se comenta que Mike Oldfield estaría trabajando en un próximo disco, centrado en el sonido de la guitarra Telecaster. Por el momento, no hay información disponible al respecto.

La banda de Rock progresivo Impulso conformada por Rodrigo Ammannato en guitarra y voz, Federico Razzeti en batería, Hernán Casella en bajo y Emanuel Pin en teclados , flauta traversa y voz, se encuentra pronto al lanzamiento de su nuevo disco en estudio titulado "Mente y gravedad"

El mismo fue grabado casi en su totalidad en los estudios "La Pucha" entre los meses de noviembre de 2010 y febrero de 2011. La mezcla final y edición fue realizada hasta mediados de año aunque la banda no brinda mayores informaciones de los implicados hasta tanto no haya salido el CD.

Junto con el lanzamiento se espera el estreno del video promocional que se encontrará disponible en YouTube.

Este trabajo representa un salto cualitativo para la banda donde las orquestaciones y los planos instrumentales logran una mayor profundidad y coheción a temas que llegan a retrotraernos a los grandes momentos el rock sinfónico progresivo.

Su complejidad y delicadeza de sonido hacen de "Mente y gravedad" una pieza de gran valor en el rock nacional emergente.

Para promocionar este trabajo se han planificado una serie de recitales que se inician el 5 de noviembre próximo.

El disco podrá ser descargado en forma gratuita desde la web de la banda.

Dos pájaros de un tiro fue un proyecto artístico conjunto de los cantautores Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, ambos autores unieron sus voces en una gira conjunta durante el año 2007 que los llevó por escenarios de España y América: México, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Uruguay y Argentina.
La gira se inició el 29 de junio en Zaragoza y finalizó en Buenos Aires el 18 de diciembre de 2007, en total realizaron  72 conciertos.
El repertorio de los conciertos fue una alternancia de las grandes canciones de los dos artistas. En algunas, Serrat canta a Sabina y viceversa y en otras cantan a dúo las canciones de ambos. En todas, uno se funde en el otro para ofrecer versiones nuevas.
Los músicos que les acompañaron en la gira fueron: Pancho Varona (guitarras acústicas), Antonio García de Diego (guitarras, teclados y armónica), Pedro Barceló (batería) y José Antonio Romero (guitarras), compañeros asiduos de Sabina, Ricard Miralles (piano), Víctor Merlo (bajo y contrabajo), Patxi Urchegui (trompeta), José Miguel Pérez (saxofón) y Roberto Bazán (trombón); así como Paqui Sánchez y Marcela Ferrari (coros).
De los conciertos celebrados en Madrid se grabó un disco en directo y un DVD con más material que se editó en diciembre de 2007.

Este registro discográfico corresponde al concierto de Pink Floyd que se llevara adelante en el Estadio Delle Alpi en la ciudad italiana de Torino allá por el 13 de Septiembre de 1994 durante la gira de promoción del disco "The Division Bell".

Un registro no tan difundido de la banda que hoy traemos para que nuestros seguidores lo puedan disfrutar.

La banda, además de David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright , tenía el apoyo de otros 5 músicos y 3 vocalistas en el escenario. La calidad del audio es excelente, ya que fue tomado directamente desde la consola de sonido.