Änglagård es una banda sueca de rock progresivo sinfónico, que nació en verano de 1991 con la intención de rememorar el sonido del rock progresivo de los setenta, bebiendo de grupos como Génesis, Pink Floyd, King Crimson... El término anglagard, fue creado por Tord Lindman, el guitarrista de la banda, y viene a significar "Casa o granja de Ángeles".

A principios de los noventa, el rock progresivo como tal no ofrecía excesiva cantidad de bandas, por lo que se consideraba que había acabado su edad de "neoprogresivo de los 80". Pero los noventa volverán a suponer el nacimiento de nuevos sonidos. Anglagard crea su primer álbum de estudio, Hybris en 1992, tras la maqueta The Largen Demo, en 1992. Tracklist: 1. Jordrök (11:10) 2. Vandringar i Vilsenhet (11:53) 3. Ifrån Klarhet Till Klarhet (8:04) 4. Kung Bore (12:57) Bonus track on remastered CD: 5. Gånglåt från Knapptibble (7:19)

Supuso un álbum de gran reconocimiento internacional, que no obstante, es más apreciado hoy, gracias a la difusión de Internet. Está considerado como un álbum fundamental en el rock progresivo, y sirvió de inspiración a numerosas bandas del norte de Europa, Suecia, Escandinavia, Finlandia... Destacó por la complejidad de las percusiones, contundencia del bajo, los pasajes que creaban melotrones y órgano Hammond, la aportación de la flauta travesera, el carácter de fusión de estilos musicales, y el sonido tan oscuro del disco.

En 1994 grabarán su segundo y último disco de estudio: Epilog, más cercano al folk escandinavo y a la música contemporánea e igualmente bien acogido. Tracklist: 1. Prolog (2:00) 2. Höstsejd (15:32) 3. Rösten (0:14) 4. Skogsranden (10:48) 5. Sista Somrar (13:10) 6. Saknadens Fullhet (2:00)

La continuidad sonora en este álbum no está tan conseguida, resulta más heterogéneo en general.

Tras esto la banda dejó su actividad compositiva. Y sólo se han reunido en algunas ocasiones, por peticiones, para tocar juntos en directo. De esos pocos directos se grabó en 1994 un doble cd y un video directo: Progfest, que tuvo lugar en dicho festival. En 1996 grabaron otro directo: Buried Alive. En 1995, una doble compilación: After the Storm.

En 2002, la banda ha vuelto a los ensayos, de una manera nostálgica. En junio de 2003 volvió a los escenarios, y tocaron en Estocolmo. Eventualmente han aparecido en festivales en Francia, Bélgica, Alemania, en el Nearfest de Estados Unidos.

En 2012 retomaron el proyecto, 16 años después del último lanzamiento.

Lanzado el pasado 28 de junio 2012 “Viljans Oga” es el tercer álbum de estudio de Anglagard. tras 18 años el grupo se reúne nuevamente en estudio para este tercer trabajo que resulta una verdadera sorpresa, pero muy grata por cierto. Como no, se trata de la banda sueca de rock progresivo de mayor importancia y trascendencia de las últimas décadas.  El disco de hoy es complejo y requiere de múltiples escuchas para ser digerido objetivamente, e iras descubriendo sonidos nuevos con cada una de ellas. Un prog puro hecho actualidad ¡!!. Espero lo disfruten.

Tracklist:

Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia).
Su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box label, en 1968.
Le Orme ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum concepto,Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator.
Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP, Ad gloriam (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70 (Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti).
Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi.
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fue remplazado por Michael Bon.
Los últimos tres trabajos de Le Orme (Il fiume, Elementi y L'infinito) muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Durante el año de 1977, Le ORME nos ofrece otra obra, ahora titulada "Storia o Leggenda", manteniendo la alineación pasada y en este orden: Antonio PAGLIUCA (órgano Hammond, polymoog, minimoog, pianoforte, armonium, fisarmonica), Aldo TAGLIAPIETRA (Bajo Fender, voz, arpa indiana), Michi Dei ROSSI (Batería Pearl, marimba, glockenspiel, percusión varia, guitarras acústicas y eléctricas) y Germano SERAFÍN (guitarras acústicas y eléctricas). En este álbum creo que empieza una etapa de Le ORME muy “callada”, en el sentido de que es un álbum con sonido mucho más acústico y que se perfeccionara y culminara en los dos discos subsecuentes ("Florian" y "Picolla"), y es una etapa que probablemente no interesa mucho a los fans del Le ORME clásico y otros que piensen que el sonido Leormeneano va en franca decadencia, sin embargo , creo que a ser justos, este disco es uno de los mejores del Progresivo italiano de finales de los 70’s, aparte de LOCANDA DELLE FATE y algún otro que se me escapa de la memoria, pudiera atreverme a decir que es de los mejores álbumes Progresivos de ese año, sobre todo, si vemos que la tendencia general de esos años para este estilo, iba siendo desplazado por otros tipos de rock, como el Punk o la música disco, Le ORME a pesar de haber modificado su estilo “clásico”, se atreve a “progresar” y nos ofrece un disco, meditativo, otoñal, melancólico, pero también rítmico, y con un sonido que nunca habían tocado en su anteriores obras, más refinado en algunos puntos, en otros mezclando ritmos de otros horizontes musicales como el reggae, pero indudablemente empiezan a explorar esa veta clasicista, un sonido, más apegado a las formas de la música “culta”, y que será una constante a través del álbum, notándose la preeminencia de un sonido mas terrenal, a diferencia de sus obras “clásicas” como "Uomo di Pezza" o "Felona e Sorona"; de hecho ya nos habían dado una probada de lo que venia en el anterior álbum "Verita Nacoste", que ya fue reseñado también, pero aquí quitan los elementos hardrockeros, para dar oportunidad a un sonido más “suave” y la producción del disco mejora bastante, se aprecia mucho mejor los instrumentos y las melodías y como siempre la batería de Michi se escucha como debió haber sido en el disco anterior, la voz de Aldo TAGLIAPIETRA, como siempre mágica y alcanzando notas maravillosas, y también es bienvenido el sonido de los teclados de Tony PAGLIUCA, que aquí se escucha otra vez al frente, ya que en el anterior disco, se escuchaba solo en el fondo, sin mas realce, en este álbum disfrutamos otra vez de su creatividad.

Gran parte de este disco fue grabado en Paris, Francia y se nota un poco la influencia parisina, en algunas canciones que ya se reseñaran se realzara este punto, y también es importante que este álbum fue un paso obligado para Le ORME, con el propósito de explorar ese estudio en los instrumentos acústicos, que darán vida a “Florian”.

En general el álbum es un rock progresivo tranquilo, sin espectacularidades individuales, muy fino, con influencia muy marcada, bien ejecutado, siento que más cuidado que el anterior álbum, muy armónico,, canciones muy hechas (e.g ‘Storia o leggenda’, ‘Il quadro’), algo con un sonido más duro (e.g ‘Al mercato delle pulci’) que resulta ser la pieza más aproximada al anterior Le ORME, pero desde esta nueva óptica, temas más pastorales, un sonido más intimo, pero sin dejar la influencia progresiva y la conjunción de nuevos horizontes musicales, para esta gran banda italiana, también se pudiese resumir como “mágico” o “ensoñado”, con canciones aun más cortas que en “Verita Nacoste”, pero indudablemente más elaboradas que en aquel álbum, la guitarra de SERAFÍN me sorprende por que muestra una calidad que hasta entonces consideraba “normal” dentro de una agrupación progresiva, pasajes deliciosos de guitarra acústica en la mayoría de las canciones (e.g. ‘Il musicista’, ‘Storia o leggenda’), y una mayor integración por parte de él hacia el resto del grupo, cosa que no se apreciaba en “Verita Nacoste”.

Algunas canciones como ‘Se lo Lavoro’ o ‘il Quadro’ sin duda son de lo mejor en esta obra y superior en todo lo hecho en “Verita Nacoste”, sin embargo, yo creo que la causa principal que, en su momento no ha sido considerado un gran disco es por la época en que salió, la mayoría del publico buscaba un sonido más simple y comercial y el ascenso de grupos de rock Punk y rock más pesado, no ayudo a la cabal comprensión, del disco, pero considero que es una gran adquisición para cualquier persona que quiera aventurarse en la historia de este grupo.

Una nota mas antes de entrar en las canciones, la portada es una de las mejores que se hayan publicado en un disco de rock Progresivo, muy parecida a la de “Felona e Sorona”, inspirada en un trabajo de Walter MAC MAZZIERI y pareciera una batalla entre el bien y el mal, al estilo de William BLAKE.

El álbum abre con ‘Tenerci per Mano’, un comienzo con un poco de ritmo reggae, pero contrastando con la voz misteriosa/mágica de TAGLIAPIETRA, el bajo sosteniendo la canción y la guitarra de SERAFÍN matizando la melodía principal con algunos arpegios acústicos realmente agradables y el teclado de PAGLIUCA llevando el peso de las melodía, no es lo más progresivo que han hecho, pero definitivamente no tan “pop”. Como algunos han sostenido. Buena a secas. El álbum prosigue con ‘Storia o Leggenda’, una de las mejores canciones del disco, y ¿por que no? De la discografía de Le ORME, contiene la perfecta fusión del antiguo / nuevo estilo que están proponiendo, una guitarra por parte de SERAFÍN , simplemente exquisita con una atmósfera melancólica y nostálgica , la voz de TAGLIAPIETRA me recuerda tanto lo hecho por John WETTON por la canción ‘Starless’ en KING CRIMSON, un ritmo muy pastoral al principio, evocando parajes de ensueño y el coro de la canción que se me hace de los mas exquisito que se haya escrito, de verdad imprescindible esta joya de la música Progresiva.

Otra de las canciones sobresalientes de este disco, es ‘Il musicista’ un buen ritmo con frescas tonalidades de teclado por parte de Tony PAGLIUCA y la guitarra de SERAFÍN que me recuerda en pases a lo hecho por Jimmy PAGE en LED ZEPPELÍN circa “Presence” y más exactamente en la canción ‘Over the Hills and Far Away’ en el empiezo , sin la distorsión por supuesto, la voz de TAGLIAPIETRA, aquí cumplidora sin nada especial que remarcar, buen ritmo y de las canciones más “movidas” del disco. Buena. El disco continua con ‘Come una Giostra’, la cual es una canción que refleja lo que estaba pasando en el grupo, a un cambio de dirección, me da la impresión de que se encontraban en una encrucijada musical, y las nuevas modas musicales amenazando ya en el horizonte. No es una canción muy notable frente a otras de este mismo álbum, con mucha influencia “popera”, sobre todo en el teclado de PAGLIUCA, además se puede decir que parece un outtake de “Verita Nacoste”, la verdad es bastante mediocre, considero que sería como de “relleno”.

Otra de las canciones bien hechas y “cajonas” del álbum en comento,considero que es ‘Se io Lavoro’ muy buen trabajo de PAGLIUCA en el departamento de los Teclados, con resabios de experimentación de aquel Le ORME furioso y vanguardista al final de la canción, pero adaptado al tiempo , y la brillante voz de TAGLIAPIETRA sonando como lo hace, sin duda un sello en Le ORME, la canción tiene un ritmo muy pegajoso, pero no cae en provocaciones “poperas” , con una línea vocal muy característica y una letra muy buena. Sin duda un buen trabajo por parte de Le ORME y de los mas destacable en esta obra. Muy emocional y evocativa. Seguimos con ‘Un Angelo’, composición que una vez más, refleja la encrucijada musical en la que se encontraba el grupo, muy meditativa y en partes, hasta repetitiva, de lo que venían haciendo a través del disco, partes que han sido mejor realizadas por ejemplo en la canción “Storia o Leggenda”. Esta sin embargo da la impresión de estar en una casa de la cual se esta a punto de abandonar, o de una mudanza, dejando esos tiempos como simples recuerdos, claro que la letra habla de otra cosa, no es muy buena la canción en general y salvo la voz de TAGLIAPIETRA que la salva de un seguro naufragio, nada memorable. Aquí se escucha la influencia parisina de la que hable líneas antes.

Continuamos con ‘Il Quadro’, obra que es para mi una encrucijada , la canción no tiene nada memorable, y para mis gustos, muy plana en general, pero aun así es disfrutable ,muy pastoral, (el disco es en si muy pastoral), y nostálgico, otra canción que recrea el ambiente parisino, no dejo de confesar que la letra es muy buena (acerca de los círculos en la vida altas / bajas), y en la parte que canta el “Bonjour Mounsieur...” se aprecia un buen trabajo de PAGLIUCA en los teclados, buen efecto wah wah de la guitarra de SERAFÍN, sin embargo creo que es de los puntos bajos de todo el disco.

Sin duda la melodía más próxima al Le ORME “clásico”, es ‘Al Mercato delle Pulci’ la aparición de SERAFÍN con una guitarra agresiva en el ritmo, PAGLIUCA demostrando por que es uno de los grandes en el departamento de las teclas , MICHI haciendo gala de por que es uno de los mejores bateristas del rock Progresivo en general, y Aldo ese genial Aldo, con su bajo eléctrico que domina por mucho la mayoría delas canciones y melodías de Le ORME, esta es una pieza musical de altos vuelos (noto algunas influencias de jazz fusión ,pero muy poco evidentes), y demostrando que Le ORME aun puede tocar como en su periodo “clásico” si quisieran, pero en esta ocasión, debido a la ya instalada influencia clasicista , se escucha más refinados, (y no con ello pretendo demeritar al Le ORME “clásico” también son muy finos, aun más creo yo, pero de diferente forma hablo del refinamiento en esta pieza musical) y menos vanguardistas, lo único que no me gustó es que durara tan poco tiempo, esta melodía tenia para mucho más , pero excelente cierre de disco y de las mejores composiciones del grupo en general.

Finalmente otro disco de esta época de Le ORME que muchos consideran muy floja, yo no creo eso, mi opinión es que es un buen disco (mejor que lo que hizo ELP ese año con “Love Beach”!) y que demostró que la adición de Germano SERAFÍN en la guitarra, no fue una mala decisión después de todo. Lo que si lamento de verdad, es que dure tan poco esta obra.

–José Alberto MUñOZ FLORES, para Manticornio.

El legendario guitarrista Carlos Santana lanzó un álbum dedicado a los indios nativos americanos, titulado "Shape shifter.

El trigésimo sexto material del músico es ofrecido a los indios nativos americanos, a favor de la disculpa de Australia hacia los aborígenes realizada en 2008 y la realizada por el presidente Barack Obama en 2009.

"Exhorto a todos y cada uno de los países que no lo han realizado aún, a reconocer a las primeras personas de sus tierras, y a hacer de esto un esfuerzo global", comentó el guitarrista mediante un comunicado.

Acompañado por su grupo Santana Band, el artista reúne 13 temas, algunos de ellos producto de su creatividad en los últimos 20 años, pero que fueron guardados por el autor por alguna razón y ahora salen a la luz "Dom", "Nomad", "Shape shifter" y "Metatron", entre otros.

"Shape Shifter" contiene música que rompe todas las barreras culturales y de lenguaje. El primer tema, que da nombre al disco, empieza como una melodía acústica con ritmo, con Carlos canalizando los espíritus de los nativos americanos a través de cantos.

El material termina con dos canciones que son colaboraciones entre Carlos y su hijo, el músico Salvador Santana, quien toca el piano en ambos; sus nombres son "Canula" y "Ah, sweet dancer", ésta última es una canción que Carlos escuchó por primera vez en un taxi en Alemania, más tarde la localizó en una tienda de discos y empezó a interpretarla en sus giras.

Carlos Santana ha vendido más de 100 millones de álbumes y es miembro de El Salón de la Fama del Rock and Roll. Ha sido acreedor a 10 premios Grammy.

Tracklist 

01. Shape Shifter 0615 

02. Dom 0351 

03. Nomad 0448 

04. Metatron 0238 

05. Angelica Faith 0502 

06. Never The Same Again 0501 

07. In The Light Of A New Day 0506 

08. Spark Of The Divine 0102 

09. Macumba In Budapest 0401 

10. Mr. Szabo 0620 

11. Eres La Luz 0450 

12. Canela 0522 

13. Ah Sweet Dancer 0308

Louis Armstrong, también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico. Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.

La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta, Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al realizar esas ideas con perfeccionismo.

A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto, acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan creativa como lo hacía con su trompeta.

Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes. En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.

Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'», «Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc.

En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello, Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito. La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de 1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.

Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues» del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.

Fuente Wiki

Como decíamos en nuestro anterior post del 21 de agosto el NEW BLOOD álbum es el nuevo trabajo de estudio publicado por el músico de rock británico Peter Gabriel .

Llegó finalmente el día y New Blood demuestra ser la continuación del proyecto que Gabriel empezó con su anterior disco Scratch My Back, que se basa en tocar covers orquestales de grandes artistas como Paul Simon, Radiohead, Neil Young, entre otros.

Luego de la publicación el pasado año del álbum “Scratch My Back”, Peter vuelve presentando nuevos arreglos en algunas de sus canciones evitando la formación clásica de banda de rock (sin guitarras, ni bajo, ni batería). Para ello ha trabajado con el reconocido compositor y arreglador John Metcalfe.

"La orquesta proporciona diferentes dimensiones a la música que no estaban inicialmente”, dice Peter Gabriel olvidando tal vez que casi todas las bandas progresivas han pasado en algún momento de sus vidas por una intervención orquestal.

Para quién no lo sepa y el hombre le resulte un desconocido Peter Brian Gabriel, nació el 13 de febrero de 1950, fue co-fundador de la mítica banda de rock progresivo “Genesis” (con quienes vendió más de 150 millones de álbumes), también fue compositor de varias bandas sonoras como “La Última Tentación de Cristo” y pionero en la fusión de distintos tipos de música étnica (tal vez lo que más resultado le dio).
  

Las canciones han sido grabadas con una orquesta de 46 músicos bajo la dirección de Ben Foster. Por supuesto incluye canciones como ‘Digging In The Dirt’, ‘Don’t Give Up’, ‘Downside Up’, ‘Intruder’, ‘Mercy Street, ‘The Rhythm of the Heat’ y ‘San Jacinto’..
Aquí traemos la Edición Especial en 2CD que incluye el álbum estándar y un CD extra con las versiones instrumentales. También salió a la venta un LP de vinilo, que incluye ‘A Quiet Moment’ y ‘Solsbury Hill’ disponible desde el 7 de noviembre.

El concierto ‘New Blood Live in London’, celebrado el pasado 23 de marzo en el Hammersmith Apollo se publicó el 24 de octubre en 3D, Blu-Ray y DVD y con una edición en formato múltiple Deluxe.

Mike Oldfield, que a fecha de 2007 aún seguía con Universal Music, manifestó, en numerosas entrevistas promocionales , que estaba trabajando para que su próxima obra fuera instrumental "a la antigua usanza", dividida en secciones, con instrumentos reales, más que los múltiples "samplers" de sus últimas obras. El proyecto se llama Music of the Spheres. Obra de corte clásico, con la colaboración de Karl Jenkins (Soft Machine, Adiemus) y en el que Oldfield toca guitarra española y acústica, y piano. El disco fue grabado en Abbey Road Studios en Londres, por Oldfield y Jenkins en junio de 2007.

En un principio el disco iba a ser publicado en noviembre de 2007, sin embargo asuntos personales (su esposa estaba embarazada) retrasaron la fecha hasta enero de 2008, y luego a marzo de 2008. La razón del nuevo retraso era poder promocionar debidamente el álbum, cosa que Oldfield no quiso hacer hasta que hubiera pasado algún tiempo desde el nacimiento de su nuevo hijo. Aún con la fecha de lanzamiento algo lejana, en septiembre de 2007 el disco ya estaba disponible en diversas redes de intercambio.

Finalmente, Mike Oldfield estrenaría su nuevo álbum Music of the Spheres el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao . Este concierto, en el que tocó junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sociedad Coral de Bilbao, sirvió como estreno mundial de su último disco, Music of the Spheres. El concierto, cerrado al público, se grabó y estuvo disponible en internet, a partir de la siguiente semana a su presentación, a través del iTunes de Apple. Junto a la guitarra de Oldfield, tocaron en el atrio 112 músicos y un coro formado sólo por mujeres.

El álbum, al igual que otros trabajos puramente instrumentales como Tubular Bells, Hergest Ridge u Ommadawn, está formado por dos partes de más de 20 minutos de duración cada una. Está compuesto para orquesta sinfónica, y cuenta con secciones interpretadas por coro, soprano y guitarra clásica que interpreta el propio Mike Oldfield. En general podría decirse que la obra pertenece al romanticismo musical, muy en la línea de trabajos anteriores como Hergest Ridge o Incantations. En la obra abundan los clásicos sonidos oldfianos: melodías minimalistas, cambios de texturas armónicas y tono melódico. Es una obra armoniosa y muy agradable al oído, con un tono ancestral muy apreciable. Pese a todo, no logra incorporar grandes dosis de originalidad.

Aunque hay rumores de su retirada, ha dejado una esperanza de un futuro álbum, quizá inspirado en el mar. De momento, en abril de 2008 se retira temporalmente, su dedicación a partir de ahí será disfrutar de su familia. Actualmente reside en Bahamas, aunque vivió en Ibiza y Mallorca y es un visitante habitual de estas islas. Recientemente ha comenzado a reeditar y remezclar sus grandes discos de la década de los setenta, incorporando en las reediciones material inédito de indudable interés para los aficionados a su música. Se comenta que Mike Oldfield estaría trabajando en un próximo disco, centrado en el sonido de la guitarra Telecaster. Por el momento, no hay información disponible al respecto.

Rick Wakeman, quien había sido pieza clave en el sonido de Fragile, Close To The Edge y Tales From Topographic Oceans, abandonó el grupo para seguir su carrera como solista y realizar su segundo álbum de estudio titulado Journey To The Centre Of The Earth, debido principalmente a que tenía un contrato de exclusividad con otro sello discográfico y en Yes sólo aparecía como cortesía de él.

La partida de Rick no fue un impedimento para que Yes siga brillando y publique una obra de arte de tal majestuosidad como lo es su séptimo álbum de estudio: Relayer. El viaje que entrega este disco es simplemente cautivante, logrando un sonido arrollador y perfecto. Patrick Moraz, la nueva adquisición de la banda en teclados, imprimó su particular estilo libre y dinámico propio del jazz y la fusión (este fue el único disco en el que participó). Se rumoreaba que el encargado de los teclados iba a ser el griego Vangelis, cosa que no se concretó por oposición de los sellos.

El álbum está compuesto únicamente por tres canciones. La primera, llamada The Gates Of Delirium, es una compleja y dramática pieza de casi 22 minutos de duración basada en una obra literaria de Leon Tolstói. Sound Chaser, el segundo tema, presenta un alucinante intercambio de retos instrumentales entre todos sus ejecuntantes. To Be Over, que cierra el disco, es menos pretenciosa y contiene momentos más agradables.

La Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

Dracula (Ópera Rock) es el decimotercer disco de estudio de la banda italiana editado en 2005. En este disco la banda vuelve a retomar un sonido más progresivo y compone una ópera rock que fue llevada al teatro de la mano del director argentino Alfredo Rodriguez Arias y con libreto de Vincenzo Incenzo, siendo esta obra uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.
La obra revitaliza tanto al género como a la banda que la creó, pues desde 1975 (con "Chocolate Kings" PFM no había logrado un álbum tan decididamente sinfónico, pues "Jet Lag" (1977) es más orientado al jazz-fusión, "Passpartù" (1978) es mas bien folklórico, y desde "Sounare Suonare" (1980) hasta "Serendipity" (2000) «sin olvidar, por ejemplo, la musicalización que hicieran para Fabrizio DE ANDRÉ en su álbum "In Concerto"» el grupo compuso álbumes que tienen que ver más con el rock pop que con el progresivo. "Dracula" es el re-encuentro de una de las mejores bandas italianas con el estilo que los hizo mundialmente famosos, y su regreso es una de las sorpresas más agradables que hubo a finales del 2005.

A principios de este año, cuando Luka Sulic y Stjepan Hauser publicaron su cover épico de batalla entre cellos denominado "Smooth Criminal", todos quedamos atónitos. No había mayor poder que el entregado por los dos músicos que llegaron a hacer parecer como si el clásico de Michael Jackson hubiera sido compuesto exclusivamente por sus arcos y cuerdas maníacos y furiosos. Elevaron el  pop-hit-on-cuerdas de una novedad pasajera con clase a una necesidad cultural.

Los dos ya son prodigios de la música clásica contemporánea, y sin embargo continúan perfeccionando su arte . La prueba de ello es su hermosa interpretación de  "Welcome to the Jungle"de Guns N 'Roses . El dúo de alguna manera ha logrado superarse a sí mismo.

Su "Welcome to the Jungle" hace justamente que se le dé la bienvenida a una selva. Es refinado por la elegancia de los instrumentos y su virtuosismo, y sin embargo, al mismo tiempo, el rendimiento es brutal y salvaje, un lío de cuerdas, de arcos rotos y de espectadores incrédulos. Uno puede decir con seguridad que cualquiera estaría encantado de pasear por esa calle para encontrarse con ese increíble espectáculo que se encuentra en YouTube y aquí le traemos para su regocijo. Disfrútelo

Gabriela Montero es una pianista venezolana  conocida por sus improvisaciones sobre temas clásicos.
Ella se considera una artista completa desde que logra compaginar la interpretación con la improvisación, un don que regala a su público en cada concierto y que es "su energía" particular.

Dueña de una técnica depurada y envidiable, embelesa a su audiencia mediante variaciones o improvisaciones de melodías populares traídas espontáneamente a cuento y por la solicitud de su audiencia sin pautas ni trucos que le faciliten la tarea.
Montero ejecutó su primera interpretación en público a los cinco años de edad. A los ocho años, realizó su primer concierto debut con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, dirigida por José Antonio Abreu. Además de su extensa reputación como una de las pocas improvisadoras clásicas del mundo, es considerada una gran pianista dentro del repertorio clásico. También colabora frecuentemente con la gran pianista argentina, Martha Argerich y el cellista francés, Gautier Capucon. Su agenda de conciertos la lleva a las mejores salas y se presenta como solista con las grandes orquestas del mundo. Sus discos con el sello EMI han ganado galardones como el Echo Preis en Alemania y fue nominada a un Grammy por su disco Baroque.