Este es un jazz contemporáneo pero no es eléctrico, básicamente las instrumentaciones corresponden a la clásicas del jazz, pero desde ahí los músicos contruyen puentes permanentes hacia diversos estilos, principalmente el rock, pero también hay lugar para otros estilos, con la tendencia de fusionar el lenguaje del jazz, donde prima la improvisación, con estructuras ajenas pero cercanas a todos. El repertorio musical del trio es original, escrito por los tres integrantes, composiciones siempre eclécticas pero en base al sonido jazzero, combinando en él diversos estilos del jazz contemporáneo, el rock y la musica clásica. Música esencialmente rítmica, muchas métricas irregulares, mucha base de rock pero siempre con instrumentos de jazz, temas de carácter lírico pero sin voz. Casualmente, en el siguiente video suenan los músicos acompañados por la voz del señor Nicolás Sorín (lo recordarán en su gran trabajo "Cosmopolitan" que presentamos en este blog, justamente acompañado por estos músicos, entre otros) tocan el primer tema de este álbum pero con vocales.
Triathlon es una clara y sintética expresión de la propuesta estética del trío: un ir y venir fluido y natural entre la música escrita y la improvisación. A partir de uno de los formatos más tradicionales del jazz, el piano trío, el grupo trabaja exclusivamente sobre composiciones originales que, basadas en el formato canción, están impregnadas de espíritus diversos donde confluyen el rock , el pop, la música de tradición clásica contemporánea, el jazz, la música electrónica y el grunge de los '90.
Potentes grooves, estructuras sobre métricas irregulares y un llamativo lirismo melódico se entrelazan con total simpleza para generar una energía fresca y descontracturada, donde las influencias de artistas como Robert Glasper, Avishai Cohen y The Bad Plus Trío alimentan la música sin que el discurso pierda personalidad. 

(Extracto de http://cabezademoog.blogspot.com.ar)

Brad Mehldau (n. 23 de agosto de 1970) es un pianista de jazz estadounidense que nació en Florida, se crio en West Hartford, Connecticut y se graduó del instituto público Hall en 1988. Empezó a tocar el piano a la temprana edad de seis años y descubrió el jazz a los doce años, cuando un amigo le puso una grabación en directo de John Coltrane. El álbum en solitario de Keith Jarrett Solo Concerts (Bremen/Lausanne) fue otra de sus primeras influencias, así como Bud Powell, Thelonious Monk y Charlie Parker. Comenzó luego a tocar en la banda de jazz de su instituto. El primer disco de jazz que se compró fue el Blue Train de Coltrane.

Mehldau se mudó a Nueva York en 1988 para estudiar jazz en la Universidad The New School, bajo la supervisión de Fred Hersch, Junior Mance y Kenny Werner, tocando además con Jackie McLean y Jimmy Cobb.

Más tarde tocó como acompañante con una gran variedad de músicos, como el conocido cuarteto de Joshua Redman, antes de formar su propio trío en 1994.

Mehldau interpreta tanto composiciones originales como clásicos de jazz y música popular. También tiene un gusto particular por la música de Radiohead y Los Beatles. Se le conoce principalmente por ser el líder del Brad Mehldau Trio, junto al bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy y Jeff Ballard (que sucedió a Rossy en el 2005). Sus primeros discos fueron editados por el sello discográfico español Fresh Sound Records.

Ha tocado y grabado también discos como solista y compartiendo el liderato junto a Peter Bernstein, Mark Turner, Charlie Haden y algunos más. En 2004, Mehldau estuvo de gira con Kurt Rosenwinkel y Joshua Redman.

Mehldau es comparado en ocasiones con Bill Evans, aunque a él no le agrada dicha comparación y explica por qué en el apartado de notas de su álbum The Art of the Trio IV. También es comparado con Keith Jarrett, aunque él describe el trabajo en solitario de Jarrett como una inspiración más que como influencia. Otras influencias citadas por él mismo son Miles Davis, Larry Goldings, Kurt Rosenwinkel, Jesse Davis, David Sánchez y otros miembros de su propio trío . Con formación clásica a sus espaldas, Mehldau es capaz de sorprendernos a menudo tocando melodías separadas, una con cada mano, con compases tan poco usuales como 5/4 y 7/4.

Les traemos su más reciente trabajo aunque puede que los anteriores también sean de tu agrado.

 

Esperanza Spalding (Portland, 18 de octubre de 1984) es una cantante y bajista estadounidense de jazz ganadora del Premio Grammy a la Artista Revelación del Año 2011, siendo la primera artista de jazz que logra el premio

Spalding creció en el vecindario de King en Portland, que ella misma ha descrito como "ghetto" y "bastante peligroso" Su madre, que la crió a ella y a su hermano en solitario, era una mujer trabajadora e independiente.

Como decíamos Esperanza Spalding ha sido la primera artista de jazz en ganar un Grammy a mejor artista novel. No es difícil entender por qué, si tenemos en cuenta lo complicado de acercar este estilo al público mayoritario, fuera de grandes como Diana Krall y compañía. Pero esta chica ha apostado por la fusión para insuflar nueva vida a su trabajo, y es que hay pocos géneros tan agradecidos a los nuevos ingredientes como el smooth jazz.

Spalding firma con Radio Music Society su cuarto disco de estudio, después de atreverse al poliglotismo en su segundo trabajo, Esperanza, y de haber sido la autora del álbum de jazz contemporáneo más vendido en 2011 con Chamber Music Society, que además la hizo valedora del premio Grammy. Así que las esperanzas, valga la redundancia, que en general se han depositado en este nuevo trabajo están respaldadas por una labor interesante, llena de alma y femineidad.
Esperanza Spalding logra con éxito la ardua tarea de producir un disco de jazz contemporáneo asequible, y en gran parte lo logra gracias a su fusión de otros géneros, a la belleza innegable de su voz y a su patente personalidad. Todos estos ingredientes dan como resultado un trabajo profundo pero entretenido, comprometido pero casual y, sobre todo, al alcance de todos los que quieran acercarse a él.

Tracklist: 

01. Radio Song 

02. Cinnamon Tree

03. Crowned & Kissed 

04. Land Of The Free 

05. Black Gold 

06. I Can't Help It 

07. Hold On Me 

08. Vague Suspicions 

09. Endangered Species 

10. Let Her 

11. City Of Roses 

12. Smile Like That

Bobby McFerrin (nacido como Robert McFerrin en Manhattan, Nueva York, el 11 de marzo de 1950), es un intérprete a capella largamente influenciado por el jazz y director de orquesta estadounidense. Es el hijo del renombrado barítono solista Robert McFerrin. Su canción «Don't Worry, Be Happy», aparecida en la banda sonora de la película de 1988 Cocktail protagonizada por Tom Cruise, fue el éxito número 1 en las listas de Estados Unidos. También ha colaborado con solistas como los pianistas de jazz Chick Corea y Herbie Hancock y el violonchelista Yo-Yo Ma y con la Saint Paul Chamber Orchestra. Es conocido por tener un gran rango vocal de cuatro octavas y por su habilidad para usar su voz para crear efectos de sonido, como su recreación de un bajo sobresaturado (con overdrive), que logra cantando y golpeando suavemente su pecho.

En 1987, cantó el tema principal de la serie de televisión The Cosby Show y de algunos comerciales de la televisión estadounidense. En 1993, cantó el tema de la Pantera Rosa en El hijo de la Pantera Rosa, original de Henry Mancini.

Hoy te traemos gracias a Baja Todo su nuevo trabajo Spirityouall de 2013.

 Tracklist:

01- Everytime
02- Swing Low
03- Joshua
04- Fix Me Jesus
05- Woe
06- I Shall Be Released
07- Whole World
08- Gracious
09- 2515
10- Wade
11- Glory
12- Jesus Makes It Good
13- Rest Yes Indeed 

En la primavera de 1970, Howe, luego de audicionar para The Nice y Jethro Tull, decide unirse a Yes haciendo su primer show con el grupo en el Queen Elizabeth Hall el 21 de marzo de 1970. Como una curiosidad Howe fue fotografiado con el grupo para la carátula de la edición no-Europea del segundo álbum de Yes, Time And Word que se lanzó en agosto aunque era en realidad Banks quien había tocado en la grabación.

Su debut en el estudio no seria sino hasta el año siguiente en 1971 con The Yes Album, en donde al sonido ya característico de Yes de los primeros dos álbumes, se le agregaba una sólida y a la vez dinámica caracterización melódica, entregada mayormente por el amplio set de guitarras fenders, gibsons, mandolinas, guitarras acústicas, paseando fluídamente entre la psicodelia, el blues, el country, y hasta el barroco europeo, llegando hasta donde ninguna banda de rock había llegado hasta ese momento. Llegando a constituir de este modo el sonido progresivo característico de Yes. Célebre fue su solo para el tema Starship Trooper calificado por la revista Bilboard como uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia. La introducción de una dinámica y humoresca pieza de guitarra acústica llamada simplemente The Clap, para celebrar el acontecimiento del nacimiento de su primer hijo: Dylan, nos hace retroceder a los comienzos de la música popular a la era dorada del Rag Time.

La suma de Rick Wakeman después de la salida de Tony Kaye para el álbum siguiente, Fragile, creó el clásico sonido de Yes con Anderson-Howe-Squire-Wakeman asociado con el apogeo de los logros tempranos de la banda. A su surtido ya-formidable de guitarra eléctrica y acústica, Howe agregó un único acercamiento del rock progresivo para pedal steel en el próximo álbum, Close To The Edge, en donde la complejidad instrumental se fusionó con temas de contenido onirico y místico que continuará en los siguientes dos álbumes como Tales from Thopographic Oceans y Relayer los cuales tienen también el sello característico de Howe. Sus influencias clásicas y del jazz, junto con su tendencia a la experimentación continua, ayudó producir un estilo único entre músicos de rock, mientras que grupo tomó una posición en conjunto como una de la bandas más importantes del rock progresivo. Aunque la banda sufrió algunos cambios en los años setenta, Howe, Anderson, y Squire fueron los elementos constantes durante toda la década.

En octubre de 1975, luego luego de la gira de Relayer, la banda toma un receso, lo que Howe aprovecha lanzando Beginnings, su primer álbum solista. En él participan miembros de Yes como Alan White, Bill Bruford y Patrick Moraz y fue el número 63 en ventas en el EE.UU. y número 22 en los charts del REINO UNIDO.

Luego de dos álbumes más junto Yes, incluyendo a Rick Wakeman: Going for the One (1977) y Tormato (1978), Howe alcanzaría el mayor apogeo de su carrera.

Luego de terminada la gira por Europa, Howe se concetra en la producción de su segundo trabajo, The Steve Howe Album, que se lanzó en noviembre de 1979. Esta vez Howe incluyó además de sus característicos temas instrumentales, y la participación de sus compañeros en Yes, a la hermosa voz de la cantante Claire Hamill.

A principios de 1980, sin embargo, Anderson y Wakeman son marginados del grupo debido a su creciente interés por el sonido de la New Age y fueron reemplazados unas semanas después por los Buggles Trevor Horn y Geoff Downes, desencadenando el rechazo de los fans y la disolución de Yes el 18 de abril de 1981, a dos meses de finalizada la gira de promoción del álbum Drama.

Durante los próximos años, Howe contribuyó en varios álbumes producidos por Horn para otros artistas (incluso Frankie Goes a Hollywood y Propaganda). Además de una destacada participación en Asia entre 1982 y 1983 y en GTR junto al guitarrista Steve Hackett entre 1985 y 1987.

Luego de la disolución de Yes y Emerson Lake and Palmer y UK en 1982, Howe, se une a Geoff Downes, Carl Palmer y a John Wetton, en una nueva banda llamada Asia pero después de dos álbumes de éxito masivos y algunos hits como Heat of the Moment, Only Time Tell, o Don't Cry, Howe deja la banda a causa de las diferencias con Wetton en 1983.

Luego de Asia, Steve Howe junto con el ex-Génesis, el guitarrista Steve Hackett en 1986 forma GTR. Su único álbum, GTR, fue disco de oro, con el single When the Heart Rules the Mind, pero el interés de Hackett por seguir con su carrera solista llevo y la salida del vocalista Max Beacon, Howe descubre en los ensayos a un nuevo vocalista y guitarrista llamado Robert Berry con quien intentará producir un nuevo álbum, sin embargo, Howe finalmente decide disolver la banda, y recomienda a Robert Berry unirse a Keith Emerson y Carl Palmer en Three con quienes llega a tener cierto éxito con el single "Talking about you" en cual ya había sido producido anteriormente con Howe.
 

En 1989, Jon Anderson, desilusionado con el nuevo Yes, se reúne con sus viejos compañeros Howe, Rick Wakeman, y Bill Bruford (ABWH) para ofrecerles grabar algunas canciones juntos. Es así como lanzaron un álbum y completaron una gira bajo el nombre Anderson Bruford Wakeman Howe, llevando a conflictos legales sobre de la propiedad del nombre de Yes. Al año siguiente se reunieron para la grabación de un segundo álbum en Francia, el cual nunca llegó a terminarse, conocido como Dialogue o, simplemente, ABWH-2. Algunas demos realizadas por Howe para este álbum aparecerían más adelante en Homebrew y Homebrew 2.

En 1991, a petición de Jon Anderson, acepta incluir los temas a medio desarrollar en un estudio de grabación de New York con ABWH y participar en una gira de promoción para un álbum de Yes llamado Unión, compartiendo escenario con Trevor Rabin, Tony Kaye, Chris Squire y Alan White. Cual sería su sorpresa al oír la edición final del álbum y encontrar sobre sus huellas la intrusión de post-producción de otros guitarristas a pedido del productor Jonathan Elias, con quien Jon Anderson había trabajado un par de años atrás.

En respuesta a su desencanto con Union, Howe decide tomar su trabajo para este álbum y, con la colaboración del baterista Bill Bruford, decide volverlos a producir en su estudio en Devon (Inglaterra), esta vez como un set de temas acústicos junto a otros temas ya ensayados con GTR en un álbum llamado Turbulence, el cual es lanzado a finales de 1991. Este álbum seria el primero después de 12 años del lanzamiento de su último álbum como solista, retomando de esta manera su carrera en solitario.

Además, mismo año, él contribuyó con un el solo de flamenco en el tema Innuendo del álbum del mismo nombre de Queen, el último antes de la muerte de Freddie Mercury.

Al año siguiente colaboraría en cuatro temas con su ex-compañero y buen amigo Geoffrey Downes, en su nueva reencarnación de Asia, esta vez junto al joven vocalista John Payne, en un álbum titulado Aqua, en donde también colaboraría Carl Palmer. Participó también en la gira de promoción de dicho álbum.

A partir de Turbulencce en 1991, Howe ha publicado una grabación casi cada año, yendo de lo acústico a lo progresivo, y a un particular tributo a Bob Dylan. Su hijo Dylan, ahora un respetado músico del jazz, tocó la batería en su descargo instrumental solista de 1998, Quantum Guitar. Elements, realizado en el 2003, incluye también a su hijo menor Virgil (en los teclados y coros), como parte de un proyecto llamado Remedy.

Brevemente en 1993, Howe trabajó en las partes de la guitarra para un Symphonic Yes un álbum de versiones de clásicos, y entonces dejó la banda después de que el sello Victory lo omitió de una invitación para participar en las sesiones del estudio que llevarían a su próximo álbum Talk con Trevor Rabin.

Luego del fracaso de Talk, Howe finalmente se reunió con Yes en 1996, para resucitar la alineación más clásica de esta banda junto a Anderson, Squire, Wakeman y White, realizando una serie de conciertos en San Luis Obispo que fueron editados en Keys to Ascension. Desde entonces, Howe ha aparecido de nuevo en todos los álbumes grabados por Yes.

El sitio web personal de Howe, Guitar Rondo, se lanzó en mayo de 1996. El guitarrista toma un papel activo en el sitio dirigiendo las subastas para los álbumes de oros y las guitarras de colección, y contestando las preguntas de los fans.

El 24 de mayo de 1996, Howe recibió un Honoris Causa en música en la Five Towns College en Dix Hills, Nueva York.
Los 2000

En cuanto a Asia, después de 25 años, algunas de las discordancias que llevaron a Howe a una ruptura con John Wetton se han disipado y Howe se ha reunido con los otros tres miembros fundadores en una gira mundial para conmemorar los 25 años de su primer éxito a finales del 2006, reinterpretando los éxitos de sus primeros dos discos y preparando el lanzamiento de otro nuevo, para abril del 2008, llamado "Phoenix".
El reconocimiento artístico

A pesar de los problemas que Yes estaba experimentando en ese momento, Howe fue elegido como "El Mejor Guitarrista de todos los tiempos" por Global la revista para guitarristas por cinco años (1977 - 1981) y se instaló en la "Galería de los más grandes guitarristas de todos los tiempos" en 1981.
La Gibson Guitar Corporation, la Segunda fabricante de guitarras eléctrica para Howe (qué él todavía está tocando después cuarenta años), declaró que Howe "elevó la guitarra del rock a un "nivel de arte" y ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "art rock". En un tributo a Howe y su guitarra Gibson ES-175, Gibson produjo una edición limitada en 2002.

Steve Howe se ha llegado a convertir en el sello progresivo en todas las bandas donde ha participado, y su inclusión siempre marcó un antes y un después. Su estilo clásico, versátil y matemáticamente estructurado, le da una cierta aura barroca fácil de reconocer frente a otros guitarristas de la escena del rock. Probablemente hay que ser músico o tener cierta sensibilidad musical para apreciar la contribución de Howe en la música, y pese a que algunos suelen deslumbrarse con la pirotecnia facilista de un Van Halen, o un Santana, o un Satriani, el maestro Steve Howe, con un estilo sobrio y depurado supo ganarse desde muy joven la admiración y el reconocimiento de sus pares, llegando a ser calificado por todos ellos dentro de los 10 mejores guitarristas de la historia del Rock.

 

De la mano de Leonardinsky hoy traemos a Logia Musical este concierto donde se presentó junto a dos de sus hijos.

 

Geethali Norah Jones Shankar (30 de marzo de 1979), conocida como Norah Jones, es una cantante, compositora y pianista estadounidense cuya música combina elementos de jazz, soul, pop, y country. También ha protagonizado una película: My Blueberry Nights.
Con su primer disco “Come Away With me” vendió más de 20 millones de copias y consiguió 8 premios Grammy.
En 2007 hizo su primera aparación en el cine en "My Blueberry Nights", película de Wong Kar-Wai.

Su historia de éxitos se inició cuando en uno de sus conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas.
La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese casete y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían a Eminem.

Dos años después de la publicación de su álbum de debut, "Come Away with Me", Norah Jones regresa con "Feels Like Home". La cantante-pianista-compositora vuelve a hacer equipo con el productor Arif Mardin, el ingeniero de sonido Jay Newland y su grupo habitual en directo. Nos ofrece un conjunto de canciones compuestas por ella, los miembros de su grupo y por el cantante y compositor Richard Julian. Jones también hace versiones de varias canciones incluyendo "Be Here To Love Me" de Townes Van Zandt y "Melancholia" de Duke Ellington, canción para la que ella escribió las letras y la re-tituló con el nombre de "Don’t Miss You At All".

En 2007, saca su tercer álbum de estudio, Not Too Late, lanza 5 sencillos, el álbum vende alrededor de 7 millones de copias.

El 17 de noviembre de 2009 salió a la venta la cuarta producción titulada The Fall, el cual contiene trece temas, además de seis temas en la versión de lujo. El disco incluye las colaboraciones de Marc Ribot, James Gadson, Joey Waronker o James Poyser, entre otros.

En el 2010, salió a la venta su quinta producción titulada "Featuring", en el cual Norah Jones canta con 18 artistas, entre los que están Foo Fighters, Belle and Sebastian, Dolly Parton, y muchos más.

Hoy en LM traemos de la mano de BajaTodo, su último trabajo titulado Little broken hearts.

En términos generales, la música y el estilo luminoso de este álbum no tienen mucho que ver con la de los anteriores, aunque lo que queda de aquellos sigue siendo sobre todo la calidez de la voz de Norah Jones, que tras diez años desde que nos fuera presentada, sigue tan personal, sugerente e inconfundible como siempre, aunque con esta apertura hacia nuevos estilos es más que posible que consiga ganarse un hueco en los reproductores de aficionados a solistas femeninas más minoritarias y de los consumidores compulsivos de mainstream más radiable que aún no se habían atrevido con su musica.

 Tracklist:

01. Good Morning (03:17)
02. Say Goodbye (03:27)
03. Little Broken Hearts (03:12)
04. Shes 22 (03:10)
05. Take It Back (04:06)
06. After The Fall (03:42)
07. 4 Broken Hearts (02:59)
08. Travelin On (03:06)
09. Out On The Road (03:28)
10. Happy Pills (03:34)
11. Miriam (04:25)
12. All A Dream (06:29) 

Snarky Puppy es una banda de fusión instrumental de Denton, Texas,  dirigida por el bajista, compositor y productor  Michael League. Formada en Denton, Texas, en 2004, la banda cuenta con un colectivo de cerca de 30 músicos, conocidos en sus grabaciones y giras como "La Fam" . Los músicos tocan una variedad de instrumentos incluyendo guitarras, teclados, saxofones, metales, percusión y cuerdas. Muchos de los miembros de la banda  fueron estudiantes de la University of North Texas.

La banda lanzó su álbum debut "Live at Uncommon Ground" en 2005 y comenzó a viajar extensamente después de su segundo álbum "The Only Constant" en 2006. Los primeros cuatro álbumes de Snarky Puppys fueron lanzados bajo el sello Sitmom. Su quinto álbum, "Tell Your Friends" que hoy les traemos fue lanzado en 2010 bajo el sello Ropeadope.

El líder de Snarky Puppy, Michael League, fue entrevistado y descrito por Cicily Janus en la presentación del libro 2010 como "La nueva cara del jazz: Una mirada íntima a leyendas vivientes de hoy en día y los artistas del mañana"  El autor cita la autodenominación musical que le atribuye League como "jafunkadansion" por sus cualidades de flexión de géneros de la música instrumental y danza. Cicily Jano también comenta que el "grupo de Snarky Puppy es uno de los más inventivos en el sonido y el funk desde la época de la fusión creada de Maynard Ferguson."

Visita  http://www.snarkypuppy.com/

Stephen James "Steve" Howe (nacido el 8 de abril de 1947 en Holloway, al norte de Londres, Inglaterra) es un guitarrista Inglés, conocido por su trabajo con el grupo de rock progresivo Yes. También ha sido miembro de The Syndicats, Bodast, Tomorrow, Asia y GTR, así como de haber lanzado 19 álbumes en solitario hasta septiembre de 2009.
Howe fue elegido como "Mejor Guitarrista general" por la revista Guitar Player durante cinco años seguidos (1977-1981) y fue incluido en la "Galería de los Grandes" de Guitar Player en 1981. Sólo otros dos guitarristas han sido elegidos como "Mejor Guitarrista general" en la categoría de la "Galería de los grandes" , esos son: Steve Morse y Eric Johnson.
La Gibson Guitar Corporation, fabricante de la segunda guitarra eléctrica de Howe (que todavía está usando cuarenta años más tarde), dijo que Howe "elevó la guitarra de rock a una forma de arte" y "ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "arte rupestre." En un tributo a Howe y su guitarra favorita (la ES-175) , Gibson produjo una serie firmada por él en el año 2002: la "Steve Howe ES-175"
Rolling Stone lo ubicó en el número sesenta y nueve en la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en 2003. y aquí traemos el álbum 2011 de éste reconocido guitarrista británico, un disco instrumental fresco que une lo clásico, el jazz y el country. Time es una colaboración entre Steve Howe,  y el productor Paul K. Joyce, quien ha trabajado para el cine y la televisión. El primer contacto de Steve Howe con Paul fue en el año 2007 después de leer una entrevista sobre él y éste le sugirió la posibilidad de trabajar juntos en un proyecto orquestal, a partir de canciones que Steve había acumulado durante los últimos años, incluyendo parte del material con que había trabajado con su amigo Paul Sutin, con quien había lanzado dos álbumes el 1995. Time incluye varias obras originales de Howe, así como canciones de Paul y el hijo de Steve, Virgil Howe y otras piezas más convencionales del repertorio clásico de Bach, Villa-Lobos y Vivaldi.

Tracklist:

1. Bachianas Brasileiras No. 5 (Heitor Villa-Lobos) (3:58)
2. King’s Ransom (4:31)
3. Cantata No. 140 (Wachet Auf) (Johann Sebastian Bach) (3:57)
4. Orange (2:43)
5. Purification (3:52)
6. Rose (3:40)
7. The Explorer (5:09)
8. Kindred Spirits (5:10)
9. Concerto Grosso in D Minor Op. 3, No. 11 (Vivaldi) (5:24)
10. The 3rd Of March (5:51)
11. Steam Age (3:12)
12. Apollo (4:41)

Louis Armstrong, también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico. Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.

La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta, Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al realizar esas ideas con perfeccionismo.

A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto, acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan creativa como lo hacía con su trompeta.

Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes. En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.

Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'», «Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc.

En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello, Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito. La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de 1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.

Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues» del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.

Fuente Wiki

Bajofondo Tango Club es una banda de música sudamericana integrada por ocho músicos de Argentina y Uruguay. Decidieron acabar con "Tango Club" para abreviar su nombre simplemente a Bajofondo. El cambio en el nombre, más inclusivo y con un impacto inmediato, refleja el camino de la música de Bajofondo ha seguido. A menudo comparada con Gotan Project, su música es una fusión de tango acústico y música electrónica, que forma parte de un género tango en evolución, que se conoce como "electrotango" o "Tango Fusión", que es en gran medida ayudando a llevar el tango de nuevo en la corriente principal.
Gustavo Santaolalla es uno de los principales productores de la música latina de hoy. Su sello Surco ha lanzado álbumes de muchos artistas como Juanes, Orishas y la banda sonora de "Amores Perros" (que compuso). Este grupo especial fue concebido por Santaolalla Utilizando las ideas musicales de Nortec Collective (México) y Gotan Project (Francia). Es una mezcla ecléctica de casa francesa, tango argentino, Trip Hop, Drum and Bass y música chill-out. "Bajofondo Tango Club" Marca una dirección nueva y emocionante en la Música Latina Electronica para una audiencia internacional.

 Tracklist

Pieces of the Sun es el tercer disco en solitario de Tony Levin. Se trata de una fusión entre jazz, rock progresivo e instrumental. Cuenta con su banda para el proyecto, que incluye a Levin en el bajo , stick y el violonchelo, Jerry Marotta en batería, Larry Fast en sintetizadores y Jesse Gress en las guitarras. The California Guitar Trio acompaña al cuarteto en la primera canción, "Apollo". Además de sus deberes de percusión, Marotta toca la guitarra acústica Omnichord, y el saxofón . Las actuaciones vocales son principales en los temas "Tequila" y en "Dog One" que es una nueva grabación de una composición inédita de Peter Gabriel, que Levin, Marotta y Fast habían tocado alguna vez en el pasado.

Un registro interesante de este gran ídolo del bajo y el Stick

Rock Dust Light Star es el 7º álbum de estudio de la banda inglesa Jamiroquai, cuyo lanzamiento ocurrió el 1 de noviembre de 2010.
El disco fue grabado en el estudio casero de Jay, en Buckinghamshire, y en los estudios Hook End Manor, Oxfordshire, y Karma Studios de Tailandia. El álbum fue compuesto en su totalidad por la banda y lo ha producido Charlie Russel y Brad Spence. Es el primer disco a ser lanzado bajo el sello discográfico Mercury Records. En la edición japonesa habrá una canción extra de título "That's Not The Funk I Want". El estilo del disco es el funk-rock, aunque Jay ha dicho que el tono y estilo del álbum es difícil de describir.

El 1 de noviembre de 2010 se lanzó "White Knuckle Ride", aunque no se considera el primer single oficial, sino un single promocional de edición limitada. A éste le siguió el primer single oficial, "Blue Skies" que fue lanzado el mismo día. Los vídeos musicales de ambas canciones se estrenaron en el canal oficial de Youtube de la banda el 25 de septiembre de 2010.

El 1 de octubre de 2010, con el rediseño de la página web oficial de la banda, se mostró un nuevo vídeo donde se mostraba a Jamiroquai grabando el álbum en el estudio. Se desvelaron así varios títulos de algunas de sus canciones: "All Mixed Up In You", "I've Been Working" y "Super Highway". En varias partes del vídeo se ve cómo interpretan esta última. 

La promoción oficial del disco empezó el 7 de octubre en México durante una conferencia de prensa donde Jay Kay, Derrick McKenzie, Sola Akingbola, Matt Johnson, Paul Turner and Rob Harris hicieron su aparición antes de los conciertos de Brazil y Colombia. 

Tim Garland es un saxofonista de jazz británico, compositor y líder de la banda The Lighthouse Project. También es conocido por su manejo innovador en clarinete bajo y por su prolífica producción como compositor, desdibujando los límites entre el jazz moderno y la música clásica de concierto.

Como intérprete, ha trabajado extensamente en Gran Bretaña y otras partes del mundo, destacando especialmente por su colaboración permanente con Chick Corea y sus cuatro años de asociación con Bill Bruford

Como compositor, ha cumplido con las comisiones de la Orquesta Sinfónica de Londres, la Northern Sinfonia, BBC Concert Orchestra y el Coro de la Abadía de Westminster, así como un sinnúmero de grupos de jazz  pequeños y grandes.

Como líder de banda, por primera vez ha alcanzado un amplio reconocimiento con un grupo de jazz / folk crossover (que incluía Don Paterson y Christine Tobin), pasando a un mayor éxito con una serie de grupos bajo su propio nombre, the Dean Street Underground Orchestra, Storms/Nocturnes, Acoustic Triangle y su galardonado Lighthouse Project

En 2009 ganó un Grammy por su participación en la creación de "The New Crystal Silence", que realiza con la participación de los famosos Chick Corea y Gary Burton. Orquestó cinco de las famosas piezas de Chick con la Orquesta Sinfónica de Sydney.

Fue votado como "Músico del Año" 2006 por la Cross-Parliamentary Jazz Society.

Garland también ha contribuido a varias piezas de audio de red PLC y está involucrado en la escritura de música para cine y televisión.

Adele es una de las cantantes que ha llegado tener una popularidad muy alta en poco tiempo y para ser sinceros, sus canciones tienen un mensaje muy profundo y canta muy bien. Pero ella ha hecho unas declaraciones que han dejado a mas de uno perplejo con lo que dijo.

Muy bien, lo que es que Adele asegura que escribe sus canciones con algunas copas de mas. Esto lo ha dicho para una entrevista exclusiva que dio para un periódico inglés el cual le pregunto cual era su inspiración al escribir, ella respondió: “Solía encerrarme en casa, ponerme borracha y escribir a diario“.

Para Adele ”una lengua borracha es una lengua honesta” y por esta razón prefiere componer sus canciones bebida porque borracha puede ser mas sincera que cuando se encuentra sobria.