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Pink Floyd - The Endless River
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The Endless River es el decimoquinto álbum de estudio del grupo británico Pink Floyd. Producido por David Gilmour, Youth, Andy Jackson y Phil Manzanera, el álbum está publicado por Parlophone y Columbia Records. Supone el primer trabajo del grupo desde la muerte del tecladista Richard Wright, y el tercero tras la marcha de Roger Waters en 1985.
Descrito como un «canto de cisne» para Richard Wright, The Endless River comprende en su mayoría música ambiental
e instrumental, basada en veinte horas de material inédito de la banda.
Fue escrito, grabado y producido con Wright durante las sesiones del
anterior trabajo del grupo, The Division Bell,
en 1994. El trabajo fue terminado a bordo del Astoria, una casa
flotante y estudio de grabación propiedad de Gilmour, entre 2013 y 2014.
El concepto de la portada es de Ahmed Emad Eldin, con el diseño realizado por Stylorouge.
The Endless River ha sido descrito por el grupo como un álbum de música ambiental e instrumental,con una única canción cantada, «Louder Than Words», y escrita por la esposa de Gilmour, Polly Samson, quien también comparte créditos en la composición de canciones de The Division Bell y de On an Island. Es también el primer álbum de estudio en otorgar créditos de composición a Nick Mason desde The Dark Side of the Moon, cuarenta años después.
El guitarrista David Gilmour y el batería Nick Mason dicen que han hecho 'The endless river' como un homenaje a Rick Wright, teclista del grupo, fallecido en 2008. La desaparición, dos años antes, de Syd Barrett (perdido para el mundo de los cuerdos desde décadas atrás) y el ostracismo de Roger Waters
(expulsado de Pink Floyd por la vía legal, aunque él siga haciendo la
guerra por su cuenta y resucitando los espectáculos de 'The Wall' y
'Animals) dejan bastante claro que éste es el final de Pink Floyd.
Un
triste final de viejos cortes 'new age' que ya sonaban viejos
en 1994 y que hoy no hay droga que los haga levantar el vuelo. Más aún
desde que el disco se concibe como cuatro 'suites' instrumentales en las
que sólo al final aparece Gilmour como cantante en 'Louder than words',
único momento en que se escucha una voz humana, si no contamos el
procesador de Stephen Hawking en 'Talkin' Hawkin''.
Ojalá este no sea el fin.
Tracklist
1. Things Left Unsaid
2. It’s What We Do
3. Ebb And Flow
4. Sum
5. Skins
6. Unsung
7. Anisina
8. The Lost Art Of Conversation
9. On Noodle Street
10. Night Light
11. Allons-y (1)
12. Autumn ’68
13. Allons-y (2)
14. Talkin’ Hawkin
15. Calling
16. Eyes To Pearls
17. Surfacing
18. Louder Than WordsBonus Tracks:
Bonus
1. Anisina
2. Untitled
3. Evrika (A)
4. Nervana
5. Allons-Y
6. Evrika (B)
7. TBS9
8. TBS14
9. Nervana
Gentileza de http://tunesies.com
Yes - Heaven & Earth
Yes es una banda de rock progresivo británica, formada en 1968 en Londres, que adquirió fama internacional en los años 70, erigiéndose en uno de los pilares del género, junto a grupos como Pink Floyd, Camel., Genesis, King Crimson o Emerson, Lake & Palmer.
Influidos en sus inicios por grupos como The Beatles, The Moody Blues o los multifacéticos Crosby, Stills, Nash and Young, rápidamente evolucionarían hacia un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz y de la música clásica, aunados con sus melódicas canciones y un enigmático contenido esotérico, onírico y poético, presente en sus letras, mayormente hijas de la pluma de Jon Anderson.
Más duros y menos teatrales que Genesis, aunque más progresivos que Rush o Jethro Tull, el rock de Yes marcaría la historia del rock sinfónico inglés con clásicos como The Yes Album, Fragile, Close to the Edge o Tales from Topographic Oceans.
Hoy traemos Heaven & Earth, el vigésimo primer álbum de estudio de la banda lanzado en julio de 2014.
Heaven & Earth es el primer álbum de estudio de Yes con el cantante estadounidense Jon Davison en la voz principal. Fue producido por Roy Thomas Baker, y mezclado por el ex miembro de Billy Sherwood.
Sobre el nombre del álbum, Steve Howe declaró: "En cierto modo, el paralelo de decir 'Heaven And Earth" es lo mismo que decir el bien y el mal, el yin y el yang, arriba y abajo, izquierda y derecha. Son dos extremos, pero creo que la forma en que a Roger y a mí nos gustó fue que, de hecho, la Tierra es un lugar físico donde se puede medir cosas y que puede existir la física cuántica. [...] pero el Cielo es un lugar desconocido sin un destino particular sin medida y desconocido Sin embargo, no importa si usted está totalmente atado a una creencia religiosa o si es espiritual de una manera que no requiere compromiso religioso -.. sólo requiere la conciencia sobre el hecho de que ay obviamente algo por ahí que desconocemos. [...] que resume la calidad dual de lo conocido y lo desconocido y cuanto más nos fijamos en lo conocido más notamos lo mucho que nos falta conocer».
01- Believe Again
02- the Game
03- Step Beyond
04- To Ascend
05- In A World Of Our Own
06- Light Of The Ages
07- It Was All We Knew
08- Subway Walls
Gentileza de http://bajatodo.net
Pink Floyd - Shine On - Live
Pink Floyd fue una banda de rock británica que obtuvo gran popularidad gracias a su música psicodélica que fue evolucionando hacia el rock progresivo y el rock sinfónico con el paso del tiempo. Es conocido por sus canciones de contenido filosófico, la experimentación sónica, las innovadoras portadas de sus discos y sus elaborados espectáculos en vivo. Es considerada una de las bandas más importantes e influyentes de la historia de la música rock con más de 300 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, 74.5 de ellos solamente en los Estados Unidos.
Inicialmente el grupo estaba formado por el guitarrista Bob Klose, el baterista Nick Mason, el teclista y vocalista Richard Wright, el bajista y vocalista Roger Waters y el guitarrista rítmico y vocalista principal Syd Barrett, quien se convirtió en el primer líder de la banda. Sin embargo, el extraño comportamiento de éste último, causado por el excesivo consumo de drogas, especialmente LSD, hizo que fuera sustituido en enero de 1968 por el que ya fuera su amigo de antemano David Gilmour, cristalizando así la formación clásica del grupo tras la anterior marcha de Klose.
Pink Floyd comenzó con gran éxito en la escena underground londinense a finales de los años sesenta, con Syd Barrett como principal compositor. La salida de Barrett hizo que el cantante y bajista Roger Waters se convirtiera gradualmente en la fuerza conductora y dominante en la primera mitad de los años setenta, la época de mayor éxito en ventas de la banda, hasta su abandono en 1985. El grupo grabó durante esta época muchos álbumes que se convirtieron en grandes éxitos comerciales, como The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) y The Wall (1979). En 1985, Waters declaró la extinción de Pink Floyd, pero los demás miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que habían continuado grabando y actuando bajo el nombre de Pink Floyd, mientras que Waters pensaba que dicho nombre no debía seguir siendo utilizado. Tras el juicio, Waters obtuvo los derechos exclusivos sobre toda la imaginería que desplegaban en sus conciertos (incluido su famoso cerdo volador) y los derechos sobre el espectáculo audiovisual de The Wall (excluyendo los tres temas que compuso Gilmour para la obra: «Young Lust», «Run Like Hell» y «Comfortably Numb») y sobre todos los temas incluidos en The Final Cut, mientras que el resto del grupo podía seguir usando el mismo nombre.
Tras superar estos problemas legales, Gilmour, Mason y Wright disfrutaron del éxito comercial con A Momentary Lapse of Reason (1987), disco en el que Wright participó como teclista asalariado y no como miembro de la banda, y con The Division Bell (1994), último disco de estudio del grupo en el que ya aparecieron Gilmour, Mason y Wright como componentes de la banda. Waters, por su parte, se embarcó en una carrera como solista y no se volvió a reunir con Pink Floyd hasta 24 años después, el 2 de julio de 2005 en el concierto Live 8 en Londres.
CD #1
01. Shine On You Crazy Diamond [4:23]
02. Sings Of Life [2:53]
03. Learning To Fly [4:48]
04. Sorrow [8:49]
05. The Dogs Of War [8:05]
06. On The Turning Away [7:39]
07. One Of These Days [6:10]
08. Time [4:46]
CD #2
01. On The Run [3:14]
02. The Great Gig In The Sky [3:39]
03. Wish You Were Here [5:01]
04. Us And Them [7:17]
05. Money [9:50]
06. Comfortably Numb [7:13]
07. One Slip [5:53]
08. Run Like Hell [7:05]
09. Shine On You Crazy Diamon (Reprise) [3:04]
Days Between Stations - In Extremis
Days Between Stations, es un grupo norteamericano de gran calidad, aunque de espaciada publicación de álbumes. Su segundo y último trabajo se denomina "In Extremis" y cuenta con la colaboración de varias luminarias del rock progresivo de todos las épocas, puesto que, además de la participación del tristemente desaparecido Peter Banks, cuenta con la colaboración de Wakeman, Sherwood, Tony Levin y Moulding, para respaldar este proyecto instrumental del tecladista Óscar Fuentes y el guitarrista Sepand Samzadeh, quienes fundaron el grupo en 2003.
El punto álgido del disco lo marca la extensa suite que da título al disco con 21 minutos de música con un resultado notable que hace referencia a la vieja escuela progresiva, que incluso cuenta con Paul Whitehead para la portada del nuevo trabajo.
El grupo muestra una energía progresiva fuera de lo común.
Como decía, de entre los invitados sobresale el triste y recientemente desaparecido fundador de Yes, Peter Banks, en una de sus ultimas intervenciones en estudio, que nos da una lección de versatilidad técnica y emotiva, y al que el grupo, aún sin haber terminado su producción, dedicó el emotivo vals de corte clasicista centroeuropea. Colin Moulding canta con gran sentimiento, como no podía ser de otra manera, y también el últimamente imprescindible Sherwood, al que, sin embargo, se acusa de haber tocado, y producido en estudio, una batería demasiado hueca y poco resolutiva.
Tony Levin es un efectivo y efectista músico de bajo, en cualquiera de sus formatos, y sabe crear como nadie unas texturas tímbricas excepcionales. La sorpresa, agradable, ha sido la colaboración de Rick Wakeman, que ha sabido crear en la suite “Eggshell man” ese sabor bucólico, casi pastoral y folclórico, para desmelenarse con el uso de un mini Moog in crescendo, que ha trasmutado la música de Days Between Stations del XXI a la década gloriosa de los setenta del pasado siglo.
Fuente: http://www.portalesquizofrenia.com
Track list:
1. No cause for alarm (Overture)
2. In utero
3. Visionary
4. Blackfoot
5. The man who died two times
6. Waltz in D minor
7. Eggshell man
8. In extremis
Formación:
Oscar Fuentes: piano, órgano Hammond, sintetizadores, percusión electrónica
Sepand Samzadeh: guitarra principal, guitarra rítmica, texturas
* Colaboradores:
Peter Banks: guitarras eléctricas, texturas
Tony Levin: bajo
Jeffrey Samzadeh: voces
Billy Sherwood: voz, batería
Barbershop Quartet
Chris Tedesco: solos de trompeta
Angel City Orchestra
Adam Wakeman - Soliloquy
Adam Wakeman (11 de marzo de 1974, Windsor, Inglaterra), es un tecladista, actualmente en la banda de Ozzy Osbourne y en Black Sabbath. Wakeman ha trabajado también con otros artistas y bandas como Annie Lennox, Travis, Company of Snakes, Rick Wakeman, Will Young, Victoria Beckham y Atomic Kitten.
Es el hijo de Rick Wakeman, reconocido tecladista de la banda Yes. Hasta el momento Adam ha grabado seis discos de estudio con su padre en la agrupación Wakeman with Wakeman, y tres discos en directo. En el álbum Scream de Ozzy Osbourne, Wakeman fue acreditado como uno de los compositores en cinco de sus canciones.Hoy gracias a http://leonardinsky.blogspot.com.ar te traemos uno de sus álbumes personales.
Es el hijo de Rick Wakeman, reconocido tecladista de la banda Yes. Hasta el momento Adam ha grabado seis discos de estudio con su padre en la agrupación Wakeman with Wakeman, y tres discos en directo. En el álbum Scream de Ozzy Osbourne, Wakeman fue acreditado como uno de los compositores en cinco de sus canciones.Hoy gracias a http://leonardinsky.blogspot.com.ar te traemos uno de sus álbumes personales.
Un álbum que demuestra sin lugar a dudas que Adam es digno de continuar
la tradición familiar Wakeman. Un sonido familiar e interesante para los
cultores de los sinfónicos solos de electrizantes teclados progresivos,
así como de los solemnes y clásicos pasajes al más puro estilo
victoriano
Tracklist:
1. Words of Love (3:48)
2. Don't Say Goodbye (4:14)
3. There Go The Angels (5:12)
4. One Way Down (3:32)
5. Soliloquy (3:01)
6. A Little Justice (4:44)
7. Edge Of My Heart (4:28)
8. Soliloquy Part ii: The Act Is Over (4:29)
9. No Time For Your Love No More (5:23)
10. Something Strange (3:07)
11. Save A Tear For Me (6:12)
1. Words of Love (3:48)
2. Don't Say Goodbye (4:14)
3. There Go The Angels (5:12)
4. One Way Down (3:32)
5. Soliloquy (3:01)
6. A Little Justice (4:44)
7. Edge Of My Heart (4:28)
8. Soliloquy Part ii: The Act Is Over (4:29)
9. No Time For Your Love No More (5:23)
10. Something Strange (3:07)
11. Save A Tear For Me (6:12)
Höstsonaten - The Rime Of The Ancient Mariner I
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Höstsonaten (Sonata de Otoño) es uno de tantos proyectos del italiano Fabio Zuffantini. En la estricta diferenciación que Zuffantini hace con cada nuevo proyecto, Höstsonaten está dedicado a un estilo musical completamente enmarcado en el progresivo sinfónico, más melódico y menos experimental que Finisterre y definitivamente más gentil que La Maschera Di Cera. Para este proyecto, Zuffantini se hace acompañar de todo un séquito de músicos de primera línea, destacando sus compañeros Stefano Marelli (guitarras), Boris Valle (piano), Francesca Biagini (flauta) y Marco Cavani (batería), haciendo de los discos de Höstsonaten verdaderos proyectos laterales de Finisterre.
The Rime Of The Ancient Mariner (Chapter One) es el último trabajo del grupo italiano liderado por el músico italiano que nos sorprende muy gratamente de nuevo. Apenas un año después del majestuoso "Summereve" del 2011, podemos afirmar sin duda que este grupo es "una máquina de hacer rock retro-progresivo sinfónico, y no solo una máquina de hacer este tipo de música, sino de hacer obras maestras en esta vertiente.”
Se trata de la primera parte de un trabajo conceptual basado en el grandioso poema de Samuel Taylor Coleridge “Balada del Viejo Marinero ".
El trabajo trae vocalistas diferentes en cada pista.
Parte I: Alessandro Corvaglia (La Maschera Di Cera), con la participación de Carlos Carnevali Cralo (Rughe)
Parte II: Davide Merletto (Dédalo)
Parte III: Marco Dogliotti
Parte IV: Simona Angioloni (Aries), con Alessandro Corvaglia
El segundo disco del proyecto se pondrá en marcha en 2013 y traerá las tres últimas partes del poema y el epílogo.
“The Rime Of The Ancient Mariner - Chapter One” es un verdadero sueño hecho realidad para cualquier aficionado al prog sinfónico y al prog en general, y supone una nueva obra maestra del retro-prog del nuevo milenio, un triunfo progresivo sin atenuantes.
http://orfeoprog.blogspot.com.ar y http://www.manticornio.com
Tracklist:
1. Prologue
2. Part I
3. Part II
4. Part III
5. Part IV
La Banda:
- Fabio Zuffanti / Bass Guitar, Moog Taurus Bass Pedals
- Luca Scherani / Mellotron, Mini-Moog & Korg Sigma synthesizers, Hammond organ, Grand Piano, Fender Rhodes & Wurlitzer Electric Pianos, Accordion, Mandolin
- Maurizio Di Tollo / Drums
- Matteo Nahum: Lead Guitar, Acoustic & Classical Guitar
- Silvia Trabucco / Violin
- Joanne Roan / Flute
- Edmondo Romano / Bagpipe, Soprano Sax, Percussion, Bodhran, Recorders
Con:
- Alessandro Corvaglia / Lead Vocals on Parts I & IV
- Carlo Carnevali / Recitatons and Vocals on Part I
- Davide Merletto / Lead Vocals on Part II
- Marco Dogliotti / Lead Vocals on Part III
- Simona Angilioni / Lead Vocals on Part IV
Hexatonica - El Visionario
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Hexatónica es una banda de Rock Sinfonico/Progresivo de origen platense (La Plata provincia de Buenos Aires Argentina), formada a principios del 2002. Posee tres discos editados: "En vivo"; "Formas", y el que hoy traemos: "El visionario", su segundo disco en estudio recientemente editado por Musea Parallèle Label, en Francia.
Entre sus influencias encontramos bandas como Yes, King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Gentle Giant, Dream Theater, Liquid Tension Experiment, Symphony X, Opeth, a las que se suman otras de Musica Academica: Stravinsky, Holst, Ravel, Bartók, Chopin, etc.
La banda fue formada por Juan Gasco en Batería, Julian Di Pietro en Guitarras, Jorge Obeaga en Teclados, Leonidas Porto en Guitarras y Hugo acuña en voz durante el año 2002.
Pero un año después decidieron solo hacer música instrumental. En sus principios el bajo lo tocaba el hermano de Julian (Hernan di Pietro) pero en el 2003 fue reemplazado por Pablo Pulice y este ultimo fue reemplazado dos años mas tarde por Sergio Topham.
Entre el año 2003 y 2005 hicieron varias presentaciones en Capital Federal en distintos festivales y como soportes de distintos grupos extranjeros (Ritchie Kotzen entre ellos); ganaron mención especial como "Mejor versión del Himno Nacional Argentino" en un concurso y también fueron ganadores del primer concurso del sello LP Producciones (Dependiente de la Municipalidad de La Plata) con el cual grabaron su primer CD "En vivo". Grabado en vivo en el Auditorio del Pasaje Dardo Rocha en el año 2005.
Mientras tanto la banda se preparaba para firmar contrato con Esteban Mellino, para elefante Records, y grabar su primer CD en estudio, el cual se edito un año mas tarde, titulado "Formas".
En el año 2007 Julian di Pietro y Jorge Obeaga se retiran de la banda, entrando Abel Valente en Guitarras y Diego Yanivello en teclados. Un año mas tarde se retiraría Leonidas Porto entrando Tomas Trebec en guitarra.
Durante el 2007 a la actualidad la banda ha sufrido distintos cambios de integrantes, en el 2009 Trebec fue reemplazado por Carlos Cattaneo; y en el 2011 Yanivello por Nahuel Acosta, manteniendose Juan Gasco como compositor y productor de todos los temas, con consentimiento y ayuda de los demás integrantes.
En el 2011 fueron soportes del famoso grupo de rock sinfónico "ASIA" en la Ciudad de Buenos Aires.
En el 2009 la banda recibe el ofrecimiento de editar un nuevo álbum y distribuidos por medio de Musea Parallèle Label en Francia y para el resto del mundo, álbum que finalmente fue editado en julio del 2012 bajo el nombre "El Visionario".
http://www.rock.com.ar
https://www.facebook.com/hexatonica
Los Temas / Songs / Tracks Listing
1. Visionario (8:30)
2. Rompiendo estructuras (5:44)
3. Euxariotu (6:21)
4. Sobrevuelo (8:21)
5. Intro B (2:21)
6. La gracia de Ser... (10:21)
7. El infierno interior (5:04)
8. Amanecer atardeciendo (4:58)
9. Aluvion (9:59)
Tiempo 61:39
La Banda/ Line-up / Musicians
- Juan Gasco / batería
- Abel Valente / guitarra
- Nahuel Acosta / teclados
- Sergio Topham / bajo - Carlos Cattaneo / guitarra
Colaboración de orfeoprog.blogspot.com.ar
Yes - Close To The Edge (2003)
“Close to the Edge” es el quinto álbum del grupo británico Yes (1972).
Esta obra es considerada como la obra maestra cumbre del Rock Progresivo Sinfónico
de todos los tiempos y ha afianzando al grupo como uno de los más importantes actores dentro del género”.
Fue mi primer contacto con el Rock progresivo y nunca más lo he podido dejar.
“Yes fue influenciado en sus
inicios (1968) por bandas precursoras del rock como The Who, Everly Brothers y
los multifacéticos Crosby Stills Nash & Young. Rápidamente evolucionan a un estilo propio,
caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos
del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un
enigmático contenido onírico y poético. Más duros y menos dramáticos que Genesis
y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes
marcaría la historia con clásicos como, Fragile, Close To The Edge y Tales From
Tophographic Oceans”.
“Close to the Edge” es una composición soberbia y sumamente
ordenada, en la que cada sonido instrumental ha recibido gran cuidado en su
factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema
"Close to the Edge" se observa también superposición de
acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas
introducidas por Jon Anderson, son evidentes en la música y letra de las tres
canciones de disco; el contraste entre el mundo espiritual y el material y la
idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. Close
to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del
rock progresivo. Alcanzó el nº4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el
nº3 en Estados Unidos”. En el año 2003
se editó una remasterización que incluye 4 temas bonus con un total de 27
minutos.
Y en http://orfeoprog.blogspot.com.ar/2013/04/yes-close-to-edge-1972.html puedes encontrar la versión original de 1972.
Agradecemos el texto superior a Orfeoprog.
Tracks List
1 Close to the Edge: The Solid Time of Change / Total Mass Retain / I Get Up - Anderson, Howe 18:42 2 And You and I / Cord of Life / Eclipse / The Preacher the Teacher / Apocalypse - Anderson, Bruford, Howe, Squire 10:08
3 Siberian Khatru - Anderson, Howe, Wakeman 9:00
- Bonus Tracks
4 America - Simon 4:12
5 Total Mass Retain - Anderson, Howe 3:21
6 And You and I: Cord of Life / Eclipse / The Preacher the Teacher / Apocalypse - Anderson, Howe 10:17
7 Siberia - Anderson, Howe, Wakeman 9:19
Para contar con la versión remasterizada del 2003 con bonus tracks te dejo un enlace para descarga, pero esta vez es un Torrent.
La Banda
- Jon Anderson / vocals
- Chris Squire / bass, vocals
- Rick Wakeman / keyboards
- Bill Bruford / drums
- Steve Howe / guitars, vocals
Voyager - Mike Oldfield
Inevitablemente, cuando escuchamos el nombre de Mike Oldfield, hasta nuestra mente llega el título de sus discos más famosos: los tres volúmenes de Tubular Bells. Sin embargo, este polifacético compositor y músico tiene joyas con tanta calidad como Tubular Bells, que lamentablemente no tienen, o no han tenido, tanta repercusión como otras. Nos referimos con esto a su disco titulado “Voyager”, que, si bien igualmente fue todo un éxito allá por el año 1996, lo cierto es que Oldfield ha cosechado una mayor popularidad con otros trabajos, tanto anteriores como posteriores.
Demasiado corto se nos hace este disco cuando escuchamos cualquiera de sus diez canciones, dejándonos un sabor de boca a la vez dulce y amargo. Cinco de ellas son maravillosas versiones de canciones tradicionales, que ha sabido embellecer, pasándolas por su propio y singular tamiz, en tanto que el resto, menos la primera del álbum, obra original de Bieito Romero, son composiciones exclusivas de Oldfield.
Una de las canciones tradicionales más hermosas de “Voyager” es sin duda “She Moves Through the Fair”, que todo el mundo en algún momento ha escuchado, bien en recopilatorios de música celta, bien en algún álbum de música chill out. La maravillosa versión de Oldfield supera con mucho lo que una se suele encontrar. En ella hay un juego tranquilo de tenues coros, al cargo de “London Voices”, y una bonita alternancia de guitarra, violín, y música electrónica. Con tal amalgama de diferentes sonidos se logra crear una atmósfera especial, como sacada de un antiguo cuento. En este punto recomendamos descolgar el teléfono cuando suene esta canción, porque puede llegar a ser realmente molesto.
Otra de las canciones de origen tradicional que se incluye en este álbum es la titulada “Flowers of the Forest”, todo un desafío a la habilidad y el talento, en la que colaboraron importantes músicos y compositores de música exclusivamente celta como Liam O´Flynn, que será mencionado más de una vez en el futuro, o los Highland Pipers.
Para no ser demasiado exhaustivos, era necesario terminar haciendo especial mención a la última de las canciones de “Voyager”: “Mount St Michel”, que es una de las mejores piezas musicales creadas por Oldfield. En ella tomaron parte músicos de la talla de Matt Molloy, integrante del grupo The Chieftains, pero también la London Symphony Orchestra. Siendo así, no podemos por menos que decir que se trata de una melodía poderosa, llena de pasión y de arrolladora fuerza, transportándonos, tal y como dice su propio título, al impresionante Monte de San Miguel, capaz de hacernos imaginar fantásticas historias.
Se trata, para resumir, de un disco que merece la pena escuchar y admirar. Se gana por goleada el título de “único”.
Demasiado corto se nos hace este disco cuando escuchamos cualquiera de sus diez canciones, dejándonos un sabor de boca a la vez dulce y amargo. Cinco de ellas son maravillosas versiones de canciones tradicionales, que ha sabido embellecer, pasándolas por su propio y singular tamiz, en tanto que el resto, menos la primera del álbum, obra original de Bieito Romero, son composiciones exclusivas de Oldfield.
Una de las canciones tradicionales más hermosas de “Voyager” es sin duda “She Moves Through the Fair”, que todo el mundo en algún momento ha escuchado, bien en recopilatorios de música celta, bien en algún álbum de música chill out. La maravillosa versión de Oldfield supera con mucho lo que una se suele encontrar. En ella hay un juego tranquilo de tenues coros, al cargo de “London Voices”, y una bonita alternancia de guitarra, violín, y música electrónica. Con tal amalgama de diferentes sonidos se logra crear una atmósfera especial, como sacada de un antiguo cuento. En este punto recomendamos descolgar el teléfono cuando suene esta canción, porque puede llegar a ser realmente molesto.
Otra de las canciones de origen tradicional que se incluye en este álbum es la titulada “Flowers of the Forest”, todo un desafío a la habilidad y el talento, en la que colaboraron importantes músicos y compositores de música exclusivamente celta como Liam O´Flynn, que será mencionado más de una vez en el futuro, o los Highland Pipers.
Para no ser demasiado exhaustivos, era necesario terminar haciendo especial mención a la última de las canciones de “Voyager”: “Mount St Michel”, que es una de las mejores piezas musicales creadas por Oldfield. En ella tomaron parte músicos de la talla de Matt Molloy, integrante del grupo The Chieftains, pero también la London Symphony Orchestra. Siendo así, no podemos por menos que decir que se trata de una melodía poderosa, llena de pasión y de arrolladora fuerza, transportándonos, tal y como dice su propio título, al impresionante Monte de San Miguel, capaz de hacernos imaginar fantásticas historias.
Se trata, para resumir, de un disco que merece la pena escuchar y admirar. Se gana por goleada el título de “único”.
Por Irene Sanz Montero
http://musicaparaelbunker.blogspot.com.ar
Tracks List
1. The song of the sun (4:32)
2. Celtic rain (4:40)
3. The hero (5:01)
4. Women of Ireland (6:27)
5. The voyager (4:23)
6. She moves through the fair (4:05)
7. Dark island (5:43)
8. Wild goose flaps its wings (5:03)
9. Flowers of the forest (6:01)
10. Mont St. Michel (12:18)
Total Time: 58:13
The Rome Pro(g)ject
The Rome Pro(g)ject es un álbum lanzado el 07 de diciembre del 2012 con algunos de los nombres más importantes de la escena del rock progresivo más clásico, para celebrar a través de la música la grandeza y la belleza de Roma, en el aniversario de su fundación hace 2765 años. Un álbum instrumental progresivo orientado a la música conceptual con 10 temas inéditos escritos por artistas tan relevantes del rock progresivo de los setenta (y por ende de todos los tiempos) como David Cross (King Crimson), Francesco Di Giacomo (Banco), John & Steve Hackett (Genesis), David Jackson (VDGG), Magnus Nick, Richard Sinclair (Caravan,, Camel), entre muchos otros.
Un disco que resulta ser una grata sorpresa matizado de todos esos elementos progresivos de la primera mitad de los setenta con una fuerte orientación a ese Genesis de sus álbumes más destacados de la era gabreliana en gran parte a la participación de Steve Hackett y su hermano John. Todo eso más el sabor tan propio del progresivo italiano tan representativo de toda una época, además de otras leyendas como David Cross. Un tributo a la belleza y majestuosidad de Roma y toda su rica civilización y tradición, pilar fundamental de la cultura de occidente. Un disco muy recomendable.
Tracklist:
01.Prologue (Francesco Di Giacomo)
02.…April 21st 753 b. C. (Francesco Di Giacomo)
03.Over 2.000 Fountains (David Cross)
04.In and Around The Colosseum (Narrow Pass, Il Tempio delle
Clessidre)
05.Monuments And Statues Everywhere (Nick Magnus, John Hackett)
06.Down To The Domus Aurea (Steve Hackett)
07.Caracalla’s Dream (Richard Sinclair)
08.A Mankind Heritage (David Jackson)
09.Towards the Future… (John Hackett)
Bonus track:
10. The Mouth of Truth (Steve Hackett)
- Francesco Di Giacomo (Banco del Mutuo Soccorso) / narration
- Vincenzo Ricca / keyboards
- Paolo Ricca / electric guitar
- Franck Carducci / electric bass, 12-string guitar
- Luca Grosso / drums
- David Cross (King Crimson) / electric and acoustic violin
- Mauro Montobbio (Narrow Pass) / electric, acoustic and classical guitars, keyboards
- Elisa Montaldo (Il Tempio delle Clessidre) / grand piano
- Fabio Gremo (Il Tempio delle Clessidre) / electric bass
- Paolo Tixi (Il Tempio delle Clessidre) / drums
- John Hackett (Steve Hackett Band) / flute
- Nick Magnus (Steve Hackett Band) / keyboards, virtual instruments
- Steve Hackett (Genesis) / electric guitar
- Danilo Chiarella / electric and fretless bass
- Maurizio Mirabelli / drums
- Richard Sinclair (Caravan, Camel, etc.) / fretless bass
- Jerry Cutillo / flute
- Giorgio Clementelli / acoustic guitar
- David Jackson (Van der Graaf Generator) / saxes, flutes and whistles
Songs of Distant Earth - Mike Oldfield
Songs of Distant Earth es un álbum del compositor inglés Mike Oldfield, publicado en 1994 bajo el sello de la Warner Bros. Records. El título del álbum hace referencia a una novela original de Arthur C. Clarke, titulada en España como "Cánticos de la lejana Tierra".
El álbum está considerado por ser uno de los mejores según sus seguidores, mientras que sus detractores lo desprestigiaron por alejarse de la sencillez y el tono acústico de otras composiciones anteriores como Ommadawn. El creador de "Moonlight Shadow" usó toda clase de estilos musicales para el álbum, incluyendo coros en varios idiomas diferentes como el sudafricano swahili, muy popular en la época, o la inclusión de una banda de gaitas, que suenan en el corte "Tubular World". Siendo fiel a su estilo Oldfield realizó todo el álbum en su estudio de grabación de Inglaterra, en el que compuso cada uno de los 17 cortes que forman el disco. Como curiosidad, Oldfield hizo que cada uno de los temas musicales se enlazasen con el siguiente de forma consecutiva (a diferencia del resto de álbumes, que dejan varios segundos de silencio entre tema y tema), lo que convierte el álbum en una rareza en cuanto a diseño y contenido, y lo transforma en toda una odisea musical.
Track list
- "In the Beginning" – 1:24
- "Let There Be Light" – 4:57
- "Supernova" – 3:23
- "Magellan" – 4:40
- "First Landing" – 1:16
- "Oceania" – 3:19
- "Only Time Will Tell" – 4:26
- "Prayer for the Earth" – 2:09
- "Lament for Atlantis" – 2:43
- "The Chamber" – 1:48
- "Hibernaculum" – 3:32
- "Tubular World" – 3:22
- "The Shining Ones" – 2:59
- "Crystal Clear" – 5:42
- "The Sunken Forest" – 2:37
- "Ascension" – 5:49
- "A New Beginning" – 1:37
Rick Wakeman / The Six Wives of Henry VIII
The Six Wives of Henry VIII (Las seis esposas de Enrique VIII) es el título de un álbum de música de 1973 del teclista de rock progresivo Rick Wakeman que hoy difundimos en su versión en vivo del año 2009.
Para Wakeman fue su primer álbum solista lanzado en los Estados Unidos. Otros componentes del grupo Yes, al que pertenecía Wakeman por entonces, aparecían colaborando en varias piezas.
Aunque la música no tiene mucha relación con las seis esposas de Enrique VIII, el álbum original tuvo bastante éxito, y es visto como uno de los trabajos solistas más sólidos de Wakeman.
Él explica el título y el tema visual con las siguientes palabras:
Partes de esta obra (principalmente Catherine of Aragon) aparecen en una pista del álbum triple registrado en directo Yessongs, complementadas con piezas de otros trabajos, como el número coral Aleluya del Mesías de Händel.
En la primavera del 2009, en conmemoración del Quinto Centenario de la Asención al Trono de Enrique VIII, Rick Wakeman cumplió finalmente su sueño de realizar su famoso álbum "Las seis esposas de Enrique VIII" en el historico Castillo de Hampton Court Palace, tal como lo concibiera por primera vez hace 37 años. Además de ser la primera vez en que éste álbum fue interpretado en su totalidad, junto a Rick estuvieron la English Rock Ensemble, el prestigioso coro de The English Chamber Choir, y la celebre Europe Orchestra dirigida por el reconocido Guy Protheroe. Además como anfitrión estuvo el conocido actor británico Brian Blessed. El espectáculo en este maravilloso entorno, contó con una soberbia iluminación y una notable puesta en escena. Con el plus de contar con dos temas que por razones de espacio nunca fueron incluidos en el álbum.
Para Wakeman fue su primer álbum solista lanzado en los Estados Unidos. Otros componentes del grupo Yes, al que pertenecía Wakeman por entonces, aparecían colaborando en varias piezas.
Aunque la música no tiene mucha relación con las seis esposas de Enrique VIII, el álbum original tuvo bastante éxito, y es visto como uno de los trabajos solistas más sólidos de Wakeman.
Él explica el título y el tema visual con las siguientes palabras:
« Este álbum está basado en mi interpretación de las características musicales de las esposas de Enrique VIII. Aunque el sonido puede que no coincida con sus historias individuales, es mi concepción personal de los personajes a través de los instrumentos de teclado ».Durante las actuaciones en vivo de Yes, cada miembro interpretaba un solo, y Wakeman, para el suyo, solía elegir piezas de este álbum.
Partes de esta obra (principalmente Catherine of Aragon) aparecen en una pista del álbum triple registrado en directo Yessongs, complementadas con piezas de otros trabajos, como el número coral Aleluya del Mesías de Händel.
En la primavera del 2009, en conmemoración del Quinto Centenario de la Asención al Trono de Enrique VIII, Rick Wakeman cumplió finalmente su sueño de realizar su famoso álbum "Las seis esposas de Enrique VIII" en el historico Castillo de Hampton Court Palace, tal como lo concibiera por primera vez hace 37 años. Además de ser la primera vez en que éste álbum fue interpretado en su totalidad, junto a Rick estuvieron la English Rock Ensemble, el prestigioso coro de The English Chamber Choir, y la celebre Europe Orchestra dirigida por el reconocido Guy Protheroe. Además como anfitrión estuvo el conocido actor británico Brian Blessed. El espectáculo en este maravilloso entorno, contó con una soberbia iluminación y una notable puesta en escena. Con el plus de contar con dos temas que por razones de espacio nunca fueron incluidos en el álbum.
Track list
1. Intro to Henry's Fanfare (2:00)
2. Henry's Fanfare (6:33)
3. Intro to Kathryn Howard (2:50)
4. Kathryn Howard (12:15)
5. Intro to Jane Seymour (2:48)
6. Jane Seymour (7:48)
7. Into to Defender Of The Faith (1:47)
8. Defender Of The Faith (10:22)
9. Intro to Katherine Parr (2:39)
10. Katherine Parr (12:01)
11. Intro to Anne Of Cleves (2:23)
12. Anne Of Cleves (8:35)
13. Intro to Anne Boleyn (3:11)
14. Anne Boleyn (11:25)
15. Intro to Tudorock (3:08)
16. Tudorock (7:21)
2. Henry's Fanfare (6:33)
3. Intro to Kathryn Howard (2:50)
4. Kathryn Howard (12:15)
5. Intro to Jane Seymour (2:48)
6. Jane Seymour (7:48)
7. Into to Defender Of The Faith (1:47)
8. Defender Of The Faith (10:22)
9. Intro to Katherine Parr (2:39)
10. Katherine Parr (12:01)
11. Intro to Anne Of Cleves (2:23)
12. Anne Of Cleves (8:35)
13. Intro to Anne Boleyn (3:11)
14. Anne Boleyn (11:25)
15. Intro to Tudorock (3:08)
16. Tudorock (7:21)
Esta es una colaboración de leonardinsky.blogspot.com.ar
Genesis - Looking For Someone
Tres estudiantes de la escuela secundaria Chartehouse de Godalming (Inglaterra), Peter Gabriel , Tony Banks y Chris Stewart, crearon el grupo musical "Garden Wall", inspirados en la música que escuchaban. Tocaban en recitales escolares y fueron ganando experiencia musical. Por su parte, existía otra agrupación musical similar, llamada "The Anon", conformada por Anthony Phillips y Mike Rutherford, ambos del mismo colegio. En 1966 deciden juntarse, creando "The New Anon". Este grupo llamó la atención de su también compañero de escuela Jonathan King, joven productor quien los promovió en la discográfica Decca, con la que firmaron su primer contrato en 1968.
El nombre del grupo, dado por Jonathan King, alude al Génesis (primer libro de la Biblia). Al principio se llamaban From Genesis to Revelation, como su primer disco, debido a que en Estados Unidos existía un grupo con el mismo nombre. Tras lanzar el disco, lograron convencer a la discográfica. Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, ‘del Génesis al Apocalipsis’) en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo.
Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban. Con él se fue también John Mayhew.
Esta selección que hoy les trae Logia Musical de la mano de Leonardinsky 2.0 corresponde a la época Peter Gabriel definida entre 1970–1975
Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresaron el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuyó a definir el sonido característico del grupo, como se apreció en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comenzó así un período de extraordinaria creatividad en el que el aspecto genuinamente teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.
Las letras narraban principalmente historias de fantasía, futuristas y críticas sociales. Los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido, principalmente de innovadores elementos visuales como luces tipo láser.
El siguiente disco de estudio, Foxtrot, confirma el estilo definido, con gran complejidad musical y literiaria y cerrado seguramente por una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: "Supper's Ready", considerada por algunos críticos como una de las cinco mejores canciones del rock progresivo de todos los tiempos.
Esta primera etapa se concluye con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live donde se registraron algunos de los temas que conforman los discos mencionados hasta aquí. Disco ideado como agradecimiento al público alemán por su acogida en la gira realizada por Europa, debía haber salido tan solo en ese país. Sin embargo, la demanda desde otros lugares fue tan alta que finalmente se editó a nivel mundial. Una prueba del disco llegó a fabricarse como álbum doble, incluyendo el mencionado "Supper's Ready". Sin embargo, el deseo de la compañía discográfica de llegar a más oyentes hizo que se modificara, eliminando dicho tema, para convertirlo en disco sencillo.
El álbum siguiente, Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una madurez extraordinaria de la banda, lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Incluye, anecdóticamente, un tema cantado por Phil Collins: "More Fool Me".
El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Peter Gabriel en el grupo. El disco es un álbum conceptual donde Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. Salvando The Carpet Crawlers, no hay en él temas que hayan logrado gran relevancia comercial, en lo cual coincide con la altísima calidad artística durante toda la etapa Gabriel; no obstante, debe tenerse en cuenta que se trata de una obra bisagra para el rock progresivo mundial.
En agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría que, por motivos personales, abandona la banda, cerrando la brillante etapa inicial. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out.
Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban. Con él se fue también John Mayhew.
Esta selección que hoy les trae Logia Musical de la mano de Leonardinsky 2.0 corresponde a la época Peter Gabriel definida entre 1970–1975
Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresaron el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuyó a definir el sonido característico del grupo, como se apreció en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comenzó así un período de extraordinaria creatividad en el que el aspecto genuinamente teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.
Las letras narraban principalmente historias de fantasía, futuristas y críticas sociales. Los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido, principalmente de innovadores elementos visuales como luces tipo láser.
El siguiente disco de estudio, Foxtrot, confirma el estilo definido, con gran complejidad musical y literiaria y cerrado seguramente por una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: "Supper's Ready", considerada por algunos críticos como una de las cinco mejores canciones del rock progresivo de todos los tiempos.
Esta primera etapa se concluye con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live donde se registraron algunos de los temas que conforman los discos mencionados hasta aquí. Disco ideado como agradecimiento al público alemán por su acogida en la gira realizada por Europa, debía haber salido tan solo en ese país. Sin embargo, la demanda desde otros lugares fue tan alta que finalmente se editó a nivel mundial. Una prueba del disco llegó a fabricarse como álbum doble, incluyendo el mencionado "Supper's Ready". Sin embargo, el deseo de la compañía discográfica de llegar a más oyentes hizo que se modificara, eliminando dicho tema, para convertirlo en disco sencillo.
El álbum siguiente, Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una madurez extraordinaria de la banda, lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Incluye, anecdóticamente, un tema cantado por Phil Collins: "More Fool Me".
El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Peter Gabriel en el grupo. El disco es un álbum conceptual donde Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. Salvando The Carpet Crawlers, no hay en él temas que hayan logrado gran relevancia comercial, en lo cual coincide con la altísima calidad artística durante toda la etapa Gabriel; no obstante, debe tenerse en cuenta que se trata de una obra bisagra para el rock progresivo mundial.
En agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría que, por motivos personales, abandona la banda, cerrando la brillante etapa inicial. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out.
Disc One:
1. Watcher Of The Skies (7:21)
2. Firth Of Fifth (9:35)
3. Harold The Barrel (2:58)
4. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:06)
5. Carpet Crawlers (5:15)
6. The Lamb Lies Down On Broadway (4:52)
7. Fly in the Windshield/Broadway Melody of 1974 (3:38)
8. In The Cage (8:12)
9. Dancing With The Moonlit Knight (8:01)
10. Happy The Man (3:10)
2. Firth Of Fifth (9:35)
3. Harold The Barrel (2:58)
4. I Know What I Like (In Your Wardrobe) (4:06)
5. Carpet Crawlers (5:15)
6. The Lamb Lies Down On Broadway (4:52)
7. Fly in the Windshield/Broadway Melody of 1974 (3:38)
8. In The Cage (8:12)
9. Dancing With The Moonlit Knight (8:01)
10. Happy The Man (3:10)
Disc Two:
11. Looking For Someone (7:03) [*]
12. Can-Utility And The Coastliners (5:44)
13. Back In NYC (5:45)
14. Lilywhite Lilith (2:48)
15. Supper's Ready [Extract]:
12. Can-Utility And The Coastliners (5:44)
13. Back In NYC (5:45)
14. Lilywhite Lilith (2:48)
15. Supper's Ready [Extract]:
a) Lover's Leap (2:04)
16. b) The Guaranteed Eternal Sanctuary Man (1:56)
17. e) Willow Farm (3:10)
18. f) Apocalypse in 98 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet) (5:45)
19. g) As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet) (2:55)
20. Twlight Alehouse (7:47)
21. The Musical Box (10:25)
22. The Knife (8:55) [*]
16. b) The Guaranteed Eternal Sanctuary Man (1:56)
17. e) Willow Farm (3:10)
18. f) Apocalypse in 98 (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet) (5:45)
19. g) As Sure As Eggs Is Eggs (Aching Men's Feet) (2:55)
20. Twlight Alehouse (7:47)
21. The Musical Box (10:25)
22. The Knife (8:55) [*]
Mike Oldfield - Two Sides
A los10 años, Mike Oldfield ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, era una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. A lo largo de esa década, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público.
"Tenía dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos", decía. "Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra". Probó también con la música eléctrica, tocando piezas instrumentales de The Shadows en un grupo amateur.
Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Romford, Essex. En 1967 dejó la escuela y junto con su hermana Sally formó The Sallyangie, un dúo folk-hippie de voz y guitarra. Firmaron por la compañía Transatlantic, que les editó el álbum "Children of the Sun" en 1968 y el single Two Ships en 1969. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el "folk barroco" popularizado por John Renbourn, líder de Pentangle y Bert Jansch. Después de un año, llegó el fin de Sallyangie.
La vida artística de este talentoso artista no cabría en un único post así que hoy les dejamos su último trabajo recopilatorio editado en 2012 y que se denomina Mike Oldfield - Two Sides: The Very Best Of Mike Oldfield (2012), una retrospectiva de su carrera en 2-CD , personalmente compilada y secuenciada por el propio Mike. Un disco contiene sus más queridas canciones y singles hit, mientras que el otro nos lleva a un viaje musical a través del sentir del artista, más esotérico y experimental. Juntos, constituyen las dos caras de este compositor fenomenal, arreglista, productor y multi-instrumentista.
CD1:
01- Tubular Bells (Part One) (Two Sides Excerpt)
02- Ommadawn (Part One) (Two Sides Excerpt)
03- Crises (Two Sides Excerpt)
04- The Lake (Two Sides Excerpt)
05- Amarok (Part One) (Two Sides Excerpt)
06- Amarok (Part Two) (Two Sides Excerpt)
07- Sentinel
08- Supernova
09- Ascension
10- The Tempest.
CD2:
01- Guilty
02- Family Man
03- Five Miles Out
04- Moonlight Shadow
05- Shadow On The Wall
06- To France
07- Etude
08- Magic Touch
09- Islands
10- Heaven?s Open
11- Tattoo
12- The Song Of The Sun
13- Summit Day
14- Lake Constance
15- Broad Sunlit Uplands
16- The Doge?s Palace
17- Amber Light
18- Angelique
19- On My Heart
Atención http://bajatodo.net/
Rick Wakeman - Return To The Centre Of The Earth
Regreso al centro de la Tierra es un álbum conceptual de 1999 por Rick Wakeman. Este trabajo es una secuela de Viaje al centro de la Tierra, un álbum anterior de Wakeman lanzado en 1974.
Se ha dicho muchas
veces que en la vida nunca se debe volver, pero como dice el "más grande
de todos los dichos", siempre habrá una excepción a la regla,
especialmente cuando a un sueño se refiere. Durante
muchos años, mi sueño ha sido la de volver al centro de la tierra. En
enero de 1974, cuando el original "Viaje al centro de la Tierra" fue
grabado en vivo en el Royal Festival Hall en Londres, la tecnología - o
más bien la falta de ella - nos planteo una gran restricción a lo que
pretendíamos. Teclados en su infancia, la grabación digital aún sin precedentes, hizo que la frustración se hiciera presente en todo momento. En
el análisis final, el resultado acabado fue bastante notable y, aun con
todas las herramientas a mi disposición en el día de hoy, siento que
sería difícil mejorar lo que se logró en aquel entonces. Sin embargo,
las innovaciones tecnológicas - a lo largo de este decenio en particular
- han eliminado todas esas frustraciones del pasado. Estas, a su vez,
han alimentado continuamente mi propio sueño de la utilización de estos
avances (en una forma que era imposible veinticinco años atrás) para
fusionar todos los elementos musicales de forma que yo tan to amo - y
producir otro viaje épico. Es hora de volver al centro de la tierra. El
original "viaje" tuvo treinta y seis minutos. El "Retorno" llevará más
del doble de eso. Supongo que esto se debe a que ahora hay mucho más
para escuchar y visualizar. Veinticinco años en tecnología musical es
mucho, mucho tiempo. Casi
tres centenares de personas han participado en ayudarme a convertir mi
sueño en una realidad, con los cuales estaré eternamente agradecido.
Esto debe ir sin duda a demostrar que siempre es posible volver - y
siempre es posible tener éxito en el proceso. Siempre, por supuesto, que usted no vaya solo!
Rick Wakeman, 1999.
Rick Wakeman, 1999.
Integrantes del personal:
Patrick Stewart (locución)
- Rick Wakeman (piano, keyboards)
- London Symphony Orchestra, English Chamber Choir
- David Snell, Guy Protheroe (conductor)
- Trevor Rabin (vocals, guitar)
- Ozzy Osbourne, Bonnie Tyler, Justin Hayward, Tony Mitchell, Katrina Leskanich (vocals)
- Patrick Stewart (spoken vocals)
- Fraser Thorneycroft-Smith (guitar)
- Phil Williams (bass)
- Simon Hanson (drums)
- Engineers include: James Collins, David Guertz, Stuart Sawney
Tracklist:
Disco Uno:
1. Narration 1: A Vision (2:33)
2. The Return Overture (2:39)
3. Narration 2: Mother Earth:Shadow Of June/The Gallery/The Avenue Of ... (3:48)
4. Buried Alive (6:00)
5. Narration 3: The Enigma (1:18)
6. Is Anybody There? (6:34)
7. Narration 4: The Ravine (:49)
8. The Dance of a Thousand Lights (5:40)
9. Narration 5: The Shepard (2:00)
10. Mr. Slow (3:47)
11. Narration 6: Bridge Of Time (1:11)
Disco Dos:
12. Never Is A Long, Long Time (5:19)
13. Narration 7: Tales From The Lidenbrook Sea: River Of Hope/Hunter ... (2:57)
14. The Kill (5:23)
15. Narration 8: Timeless History (1:10)
16. Still Waters Run Deep (5:20)
17. Narration 9: Time Within Time: The Ebbing Tide/The Electric Storm (2:39)
18. Ride of Your Life (6:01)
19. Narration 10: Floating: Globes Of Fire/Cascades OF Fear (1:59)
20. Floodflames (1:59)
21. Narration 11: The Volcano: Tongues Of Fire/The Blue Mountains (2:10)
22. The End Of the Return (5:23)
Disco Uno:
1. Narration 1: A Vision (2:33)
2. The Return Overture (2:39)
3. Narration 2: Mother Earth:Shadow Of June/The Gallery/The Avenue Of ... (3:48)
4. Buried Alive (6:00)
5. Narration 3: The Enigma (1:18)
6. Is Anybody There? (6:34)
7. Narration 4: The Ravine (:49)
8. The Dance of a Thousand Lights (5:40)
9. Narration 5: The Shepard (2:00)
10. Mr. Slow (3:47)
11. Narration 6: Bridge Of Time (1:11)
Disco Dos:
12. Never Is A Long, Long Time (5:19)
13. Narration 7: Tales From The Lidenbrook Sea: River Of Hope/Hunter ... (2:57)
14. The Kill (5:23)
15. Narration 8: Timeless History (1:10)
16. Still Waters Run Deep (5:20)
17. Narration 9: Time Within Time: The Ebbing Tide/The Electric Storm (2:39)
18. Ride of Your Life (6:01)
19. Narration 10: Floating: Globes Of Fire/Cascades OF Fear (1:59)
20. Floodflames (1:59)
21. Narration 11: The Volcano: Tongues Of Fire/The Blue Mountains (2:10)
22. The End Of the Return (5:23)
Jon Anderson - In Elven Lands
Este álbum del vocalista del grupo Yes, es un trabajo llevado adelante en base al esfuerzo de varios artistas y donde Jon sólo presta su voz en casi la mitad de los títulos del álbum. Las colaboraciones se tramitaron vía Internet y los artistas nunca se encontraron en estudio.
Aquí se trata de recrear el espíritu de la obra de J.R Tolkien acorde a la moda disparada con el éxito de la trilogía de films dirigidos por Peter Jackson, . Con un enfoque étnico de corte celta y medieval que podemos observar en toda la trayectoria de Anderson, en esta obra son usadas liricas tanto en gaélico como en élfico, aquel idioma melodioso inventado por Tolkien para su mundo épico. Un álbum que se viene a sumar a lo ya realizado en el ultimo tiempo y un particular enfoque céltico que ha llegado a despertar el interés de toda una nueva generación por la llamada música antigua y renacentista. Jon Anderson canta aquí de manera cuidada, sin mediar trucos, de manera natural y cruda.
1. Tir Im
2. Dan Barliman's Jig
3. Silver Bowl
4. Man in the Moon
5. Verse to Elbereth Gilthoniel
6. El? Choi
7. Beware the Wolf
8. Orom?: Lord of the Hunt
9. Creation Hymn
10. When Durin Woke
11. Eala Earendel
12. Sacred Stones
13. Battle of Evermore
14. Blood of Kings
15. Namari?
16. Verses to Elbereth Gilthoniel
17. Evening Star
Rick Wakeman / Retro
Asistió a la escuela Drayton Manor Grammar School , luego estudió piano, clarinete, orquestación y música moderna en el Royal College Music de Londres, pero pronto relegó sus estudios en favor de las sesiones en vivo en pubs y clubes londinenses, por lo que fue finalmente expulsado del instituto.
Desde 1969 y hasta 1973 Wakeman sería un músico de sesión muy activo, colaborando en discos de artistas como David Bowie, para el que toca el mellotron en los álbumes Space Oddity (1969) y Hunky Dory (1971, en los temas «Life on Mars?», «Oh! You Pretty Things» y «Changes»); de Cat Stevens, para el que toca el piano en el tema «Morning Has Broken»; o de Al Stewart. En 1985, Wakeman colaboraría otra vez con Bowie en el álbum Absolute Beginners.
También participó como músico de sesión en el álbum Dragonfly (1970), del grupo Strawbs, al que finalmente se incorporó como miembro permanente y grabó con ellos entre 1970 y 1971 los álbumes Just a Collection of Antiques and Curios y From the Witchwood. En 1971 se editaría también un álbum, Piano Vibrations, resultado de una grabación para la que Wakeman fue contratado con el propósito de interpretar la música de acompañamiento para un artista desconocido. La grabación se hizo en los estudios Pye en Londres, y fue publicado por Polydor aprovechando el éxito de Strawbs.
Wakeman entró en la banda de rock Yes en 1971, en sustitución del teclista Tony Kaye. Su primer álbum con el grupo fue Fragile (1971, Reino Unido; 1972, Estados Unidos), al que seguirían Close to the Edge (1972), el doble Tales from Topographic Oceans (1973) y el triple en directo Yessongs (1973). Abandonó la banda después de la gira de presentación de Tales from Topographic Oceans.
Su debut en solitario se produjo al tiempo que aún permanecía en Yes, con el álbum The Six Wives of Henry VIII (1973). En la grabación participaron varios componentes y excomponentes del grupo, como el guitarrista Steve Howe, el bajista Chris Squire y los bateristas Bill Bruford y Alan White. El disco, que obtuvo enormes ventas, catapultó la carrera del artista, y parte de su material fue interpretado en las giras de Yes, tal y como se recoge en el álbum en directo Yessongs.
Su siguiente álbum fue Journey to the Centre of the Earth (1974), otro álbum conceptual muy exitoso basado en la novela de Julio Verne que vendió más de 14 millones de copias, convirtiéndose de esa manera en el disco más vendido en la historia del rock sinfónico. En este álbum, Wakeman es acompañado por una banda de rock, la London Symphony Orchestra y el English Chamber Choir.
En 1975, lanzó su tercer álbum conceptual The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table, el cual fue apoyado por un show en vivo con bailes de patinaje sobre hielo, un gran número de músicos, que incluían su banda de rock, una orquesta y dos coros. El show fue muy bien recibido, pero su costo era extravagante y lo hizo declarar en bancarrota.
En años recientes Rick se encontró nuevamente frente a sus antiguos instrumentos analógicos y reflotando la vieja idea de que el sonido analógico es mejor que el digital decidió grabar Retro, su disco del año 2006 que aquí traemos.
En las propias palabras de Rick Wakeman: ...La idea del retro álbum surgió en el container cuando todos mis equipos eran descargados del camión en la Isla Man con el fin de iniciar un nuevo tour por Inglaterra. A medida que más y más containers eran abiertos y descargados al comprobar su contenido, mi ingeniero y co-productor Erik Jordan, (quien es considerablemente más joven que yo), continuamente salía mordazmente con comentarios tales como:
"¿Que diablos es esto?"...
"¡Eso tiene que ser más viejo que yo!" y ...
"¿Cuándo fue la última vez que se conecto ésto... y en qué?"
Después de la acostumbrada pausa del té en el descargue Erik dijo:
"Sabes que podrías hacer un gran álbum usando éstos teclados de museo. Sin midi, ni secuenciadores ... sólo utilizando instrumentos originales. Batería, y una banda. Trabajando de manera similar a lo que solía ser antes de que yo hubiera nacido!"
... y así ese momento anunció el nacimiento de RETRO .
"¿Que diablos es esto?"...
"¡Eso tiene que ser más viejo que yo!" y ...
"¿Cuándo fue la última vez que se conecto ésto... y en qué?"
Después de la acostumbrada pausa del té en el descargue Erik dijo:
"Sabes que podrías hacer un gran álbum usando éstos teclados de museo. Sin midi, ni secuenciadores ... sólo utilizando instrumentos originales. Batería, y una banda. Trabajando de manera similar a lo que solía ser antes de que yo hubiera nacido!"
... y así ese momento anunció el nacimiento de RETRO .
Tracklist:
01. Just Another Day (11.14)
02. Mr. Lonely (3.47)
03. One In The Eye (5.32)
04. Men In Suits (8.05)
05. Leave The Blindfold (3.02)
06. Waveform (6.01)
07. Retrospective (6.35)
08. Homage To The Doctor (9.04)
09. Can You Smell Burning? (6.30)
10. The Stalker (8.45)
Tony Banks - Seven - A Suite for Orchestra
Seven - A Suite for Orchestra es el primer álbum clásico en solitario del tecladista de Génesis Tony Banks. Fue lanzado por el sello Naxos en 2004. La suite está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres y dirigida por Mike Dixon. Banks toca el piano en "marea viva", "The Ram" y "El Espíritu de la Gravedad". Fue su sexto álbum de estudio (y el octavo álbum en general).Alejándose de sus incursiones en el pop y a años luz de su lado más progresivo con el Genesis de mediados los setenta, Tony Banks regresa con un trabajo sobrio y maduro enmarado en el sonido clásico y orquestal, cargado de emoción y nostalgia. Por lo general las incursiones en el terreno clásico por parte de otrora estrellas del rock suelen resultar chatas y carentes de ingenio y originalidad como es el caso de las incursiones de Trevor Rabin en el genero del Sountrack, no obstante, este no es el caso. Anthony Banks nos muestra un trabajo genuino y lleno de dinamismo, el cual no sólo expresa su particular carácter y genio musical, así como también una música llena de intuiciones que en ningún momento nos resultará predecible o aburrida. Un gran acierto y una buena razón para consideran a Banks como un recurso en futuras bandas sonoras de films de corte histórico o enmarcadas en un cine de contenido.
TrackList:
01. Spring Tide (10:12)
02. Black Down (9:45)
03. The Gateway (7:31)
04. The Ram (8:52)
05. Earthlight (4:43)
06. Neap Tide (4:58)
07. The Spirit Of Gravity (11:38)
TrackList:
01. Spring Tide (10:12)
02. Black Down (9:45)
03. The Gateway (7:31)
04. The Ram (8:52)
05. Earthlight (4:43)
06. Neap Tide (4:58)
07. The Spirit Of Gravity (11:38)
