GRU es el proyecto del multiinstrumentista polaco Piotrek Gruszka que cita a los siguientes artistas y bandas como sus influencias: Guthrie Govan, Fredrik Thordendal, Allan Holdsworth, Tool, Textures, Dream Theater, Pink Floyd, Cynic, Animals As Leaders, and Jerzy Połomski.
En octubre del 2010 GRU lanza su álbum debut llamado " Cosmogénesis " y lo deja disponible para su descarga gratuita desde dropbox. Poco después el enlace es eliminado por saturación de tráfico. Ahora se puede escuchar el disco entero en: http://grumusic.bandcamp.com/album/cosmogenesis

El polaco productor Piotrek Gruszka (quien también se conoce con el apodo de Gru) utiliza el metal progresivo instrumental para invocar imágenes de los cuerpos etéreos que ocupan el espacio exterior. Eso es casi todo lo que hay que decir para convencer a muchos para que le den una escuchada a Cosmogenesis.
Como se mencionó anteriormente, las imágenes que invoca la lista de canciones son decididamente muy elevadas, pero con la música en un enfoque más pesado con influencias de jazz fusión Gru muestra una voz totalmente personal.Cosmogenesis es un título adecuado, ya que el álbum suena como la banda sonora de la creación del universo. Suena como un disco con integridad total, en lugar de ser solo una serie de canciones unidas como una ocurrencia tardía. Las cosas son por lo general suficientemente homogéneas como para mantener arriba un tema y estilo en todo el tiempo de ejecución que es de 33,54 minutos, pero las canciones son lo suficientemente pegadizas como para sostenerse como pistas únicas. Esta no es una tarea fácil, y Gru debe ser elogiado. A diferencia de muchos de los álbumes que se centran en un modelo de virtuosismo técnico pesado, Gru le gusta dar un paso atrás y dejar que evolucionen las canciones con sentimiento y no innecesariamente a masturbarse sobre algunos polirritmia . Lo técnico manda, sin duda, pero las cosas se ponen locas sólo cuando la canción demuestra una entrega intensa. Cada canción es hermosa y pensada. Los riffs proggy e hiper-melódicos solos están moviendo piezas con los niveles perceptibles de emoción que se pusieron en ellas. No sé cómo se las arregla para hacer todo esto , pero él lo logra con experiencia.Gru, al igual que sus contemporáneos en el zeitgeist de bricolaje metal, es algo más que un guitarrista talentoso, la producción en Cosmogenesis es elegante y claro donde otros pueden caer de plano. Si bien no te llevará mucho tiempo darte cuenta que la batería es programada en Cosmogenesis, los sonidos son bastante convincentes y ciertamente no suenan tan obvio. El bajo a menudo descuidado es también muy importante en el sonido del álbum, añadiendo carácter a las partes más pesadas donde el tono se sale y se vuelve tan importante como la guitarra.
Este álbum está profundamente enraizado en la fusión de jazz y metal progresivo. La obsesión con la gama baja de ritmo, riffs staccato, y el tono de la guitarra no es uno de los puntos que Gru quiera destacar, sino que trasciende esa escena en el virtuosismo natural que tiene en la guitarra. Cosmogenesis es un álbum increíblemente hermoso con pequeños defectos o inconvenientes y debe ser escuchado por cualquier persona interesada en la música progresiva o centrada en la guitarra. El álbum es totalmente gratuito, así que realmente no hay ninguna excusa como para no darle una oportunidad a este músico polaco.

Tracks List

1. Universe (1:11)
2. Nebula (5:48)
3. Pulsar (5:02)
4. Fermi Paradox (2:25)
5. Stellar (5:19)
6. Aurora (3:30)
7. Andromeda (5:27)
8. Zeta Reticuli (5:12)
Tiempo: 33.54 minutos

Änglagård es una banda sueca de rock progresivo sinfónico, que nació en verano de 1991 con la intención de rememorar el sonido del rock progresivo de los setenta, bebiendo de grupos como Génesis, Pink Floyd, King Crimson... El término anglagard, fue creado por Tord Lindman, el guitarrista de la banda, y viene a significar "Casa o granja de Ángeles".

A principios de los noventa, el rock progresivo como tal no ofrecía excesiva cantidad de bandas, por lo que se consideraba que había acabado su edad de "neoprogresivo de los 80". Pero los noventa volverán a suponer el nacimiento de nuevos sonidos. Anglagard crea su primer álbum de estudio, Hybris en 1992, tras la maqueta The Largen Demo, en 1992. Tracklist: 1. Jordrök (11:10) 2. Vandringar i Vilsenhet (11:53) 3. Ifrån Klarhet Till Klarhet (8:04) 4. Kung Bore (12:57) Bonus track on remastered CD: 5. Gånglåt från Knapptibble (7:19)

Supuso un álbum de gran reconocimiento internacional, que no obstante, es más apreciado hoy, gracias a la difusión de Internet. Está considerado como un álbum fundamental en el rock progresivo, y sirvió de inspiración a numerosas bandas del norte de Europa, Suecia, Escandinavia, Finlandia... Destacó por la complejidad de las percusiones, contundencia del bajo, los pasajes que creaban melotrones y órgano Hammond, la aportación de la flauta travesera, el carácter de fusión de estilos musicales, y el sonido tan oscuro del disco.

En 1994 grabarán su segundo y último disco de estudio: Epilog, más cercano al folk escandinavo y a la música contemporánea e igualmente bien acogido. Tracklist: 1. Prolog (2:00) 2. Höstsejd (15:32) 3. Rösten (0:14) 4. Skogsranden (10:48) 5. Sista Somrar (13:10) 6. Saknadens Fullhet (2:00)

La continuidad sonora en este álbum no está tan conseguida, resulta más heterogéneo en general.

Tras esto la banda dejó su actividad compositiva. Y sólo se han reunido en algunas ocasiones, por peticiones, para tocar juntos en directo. De esos pocos directos se grabó en 1994 un doble cd y un video directo: Progfest, que tuvo lugar en dicho festival. En 1996 grabaron otro directo: Buried Alive. En 1995, una doble compilación: After the Storm.

En 2002, la banda ha vuelto a los ensayos, de una manera nostálgica. En junio de 2003 volvió a los escenarios, y tocaron en Estocolmo. Eventualmente han aparecido en festivales en Francia, Bélgica, Alemania, en el Nearfest de Estados Unidos.

En 2012 retomaron el proyecto, 16 años después del último lanzamiento.

Lanzado el pasado 28 de junio 2012 “Viljans Oga” es el tercer álbum de estudio de Anglagard. tras 18 años el grupo se reúne nuevamente en estudio para este tercer trabajo que resulta una verdadera sorpresa, pero muy grata por cierto. Como no, se trata de la banda sueca de rock progresivo de mayor importancia y trascendencia de las últimas décadas.  El disco de hoy es complejo y requiere de múltiples escuchas para ser digerido objetivamente, e iras descubriendo sonidos nuevos con cada una de ellas. Un prog puro hecho actualidad ¡!!. Espero lo disfruten.

Tracklist:

Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia).
Su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box label, en 1968.
Le Orme ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum concepto,Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator.
Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP, Ad gloriam (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70 (Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti).
Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi.
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fue remplazado por Michael Bon.
Los últimos tres trabajos de Le Orme (Il fiume, Elementi y L'infinito) muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Durante el año de 1977, Le ORME nos ofrece otra obra, ahora titulada "Storia o Leggenda", manteniendo la alineación pasada y en este orden: Antonio PAGLIUCA (órgano Hammond, polymoog, minimoog, pianoforte, armonium, fisarmonica), Aldo TAGLIAPIETRA (Bajo Fender, voz, arpa indiana), Michi Dei ROSSI (Batería Pearl, marimba, glockenspiel, percusión varia, guitarras acústicas y eléctricas) y Germano SERAFÍN (guitarras acústicas y eléctricas). En este álbum creo que empieza una etapa de Le ORME muy “callada”, en el sentido de que es un álbum con sonido mucho más acústico y que se perfeccionara y culminara en los dos discos subsecuentes ("Florian" y "Picolla"), y es una etapa que probablemente no interesa mucho a los fans del Le ORME clásico y otros que piensen que el sonido Leormeneano va en franca decadencia, sin embargo , creo que a ser justos, este disco es uno de los mejores del Progresivo italiano de finales de los 70’s, aparte de LOCANDA DELLE FATE y algún otro que se me escapa de la memoria, pudiera atreverme a decir que es de los mejores álbumes Progresivos de ese año, sobre todo, si vemos que la tendencia general de esos años para este estilo, iba siendo desplazado por otros tipos de rock, como el Punk o la música disco, Le ORME a pesar de haber modificado su estilo “clásico”, se atreve a “progresar” y nos ofrece un disco, meditativo, otoñal, melancólico, pero también rítmico, y con un sonido que nunca habían tocado en su anteriores obras, más refinado en algunos puntos, en otros mezclando ritmos de otros horizontes musicales como el reggae, pero indudablemente empiezan a explorar esa veta clasicista, un sonido, más apegado a las formas de la música “culta”, y que será una constante a través del álbum, notándose la preeminencia de un sonido mas terrenal, a diferencia de sus obras “clásicas” como "Uomo di Pezza" o "Felona e Sorona"; de hecho ya nos habían dado una probada de lo que venia en el anterior álbum "Verita Nacoste", que ya fue reseñado también, pero aquí quitan los elementos hardrockeros, para dar oportunidad a un sonido más “suave” y la producción del disco mejora bastante, se aprecia mucho mejor los instrumentos y las melodías y como siempre la batería de Michi se escucha como debió haber sido en el disco anterior, la voz de Aldo TAGLIAPIETRA, como siempre mágica y alcanzando notas maravillosas, y también es bienvenido el sonido de los teclados de Tony PAGLIUCA, que aquí se escucha otra vez al frente, ya que en el anterior disco, se escuchaba solo en el fondo, sin mas realce, en este álbum disfrutamos otra vez de su creatividad.

Gran parte de este disco fue grabado en Paris, Francia y se nota un poco la influencia parisina, en algunas canciones que ya se reseñaran se realzara este punto, y también es importante que este álbum fue un paso obligado para Le ORME, con el propósito de explorar ese estudio en los instrumentos acústicos, que darán vida a “Florian”.

En general el álbum es un rock progresivo tranquilo, sin espectacularidades individuales, muy fino, con influencia muy marcada, bien ejecutado, siento que más cuidado que el anterior álbum, muy armónico,, canciones muy hechas (e.g ‘Storia o leggenda’, ‘Il quadro’), algo con un sonido más duro (e.g ‘Al mercato delle pulci’) que resulta ser la pieza más aproximada al anterior Le ORME, pero desde esta nueva óptica, temas más pastorales, un sonido más intimo, pero sin dejar la influencia progresiva y la conjunción de nuevos horizontes musicales, para esta gran banda italiana, también se pudiese resumir como “mágico” o “ensoñado”, con canciones aun más cortas que en “Verita Nacoste”, pero indudablemente más elaboradas que en aquel álbum, la guitarra de SERAFÍN me sorprende por que muestra una calidad que hasta entonces consideraba “normal” dentro de una agrupación progresiva, pasajes deliciosos de guitarra acústica en la mayoría de las canciones (e.g. ‘Il musicista’, ‘Storia o leggenda’), y una mayor integración por parte de él hacia el resto del grupo, cosa que no se apreciaba en “Verita Nacoste”.

Algunas canciones como ‘Se lo Lavoro’ o ‘il Quadro’ sin duda son de lo mejor en esta obra y superior en todo lo hecho en “Verita Nacoste”, sin embargo, yo creo que la causa principal que, en su momento no ha sido considerado un gran disco es por la época en que salió, la mayoría del publico buscaba un sonido más simple y comercial y el ascenso de grupos de rock Punk y rock más pesado, no ayudo a la cabal comprensión, del disco, pero considero que es una gran adquisición para cualquier persona que quiera aventurarse en la historia de este grupo.

Una nota mas antes de entrar en las canciones, la portada es una de las mejores que se hayan publicado en un disco de rock Progresivo, muy parecida a la de “Felona e Sorona”, inspirada en un trabajo de Walter MAC MAZZIERI y pareciera una batalla entre el bien y el mal, al estilo de William BLAKE.

El álbum abre con ‘Tenerci per Mano’, un comienzo con un poco de ritmo reggae, pero contrastando con la voz misteriosa/mágica de TAGLIAPIETRA, el bajo sosteniendo la canción y la guitarra de SERAFÍN matizando la melodía principal con algunos arpegios acústicos realmente agradables y el teclado de PAGLIUCA llevando el peso de las melodía, no es lo más progresivo que han hecho, pero definitivamente no tan “pop”. Como algunos han sostenido. Buena a secas. El álbum prosigue con ‘Storia o Leggenda’, una de las mejores canciones del disco, y ¿por que no? De la discografía de Le ORME, contiene la perfecta fusión del antiguo / nuevo estilo que están proponiendo, una guitarra por parte de SERAFÍN , simplemente exquisita con una atmósfera melancólica y nostálgica , la voz de TAGLIAPIETRA me recuerda tanto lo hecho por John WETTON por la canción ‘Starless’ en KING CRIMSON, un ritmo muy pastoral al principio, evocando parajes de ensueño y el coro de la canción que se me hace de los mas exquisito que se haya escrito, de verdad imprescindible esta joya de la música Progresiva.

Otra de las canciones sobresalientes de este disco, es ‘Il musicista’ un buen ritmo con frescas tonalidades de teclado por parte de Tony PAGLIUCA y la guitarra de SERAFÍN que me recuerda en pases a lo hecho por Jimmy PAGE en LED ZEPPELÍN circa “Presence” y más exactamente en la canción ‘Over the Hills and Far Away’ en el empiezo , sin la distorsión por supuesto, la voz de TAGLIAPIETRA, aquí cumplidora sin nada especial que remarcar, buen ritmo y de las canciones más “movidas” del disco. Buena. El disco continua con ‘Come una Giostra’, la cual es una canción que refleja lo que estaba pasando en el grupo, a un cambio de dirección, me da la impresión de que se encontraban en una encrucijada musical, y las nuevas modas musicales amenazando ya en el horizonte. No es una canción muy notable frente a otras de este mismo álbum, con mucha influencia “popera”, sobre todo en el teclado de PAGLIUCA, además se puede decir que parece un outtake de “Verita Nacoste”, la verdad es bastante mediocre, considero que sería como de “relleno”.

Otra de las canciones bien hechas y “cajonas” del álbum en comento,considero que es ‘Se io Lavoro’ muy buen trabajo de PAGLIUCA en el departamento de los Teclados, con resabios de experimentación de aquel Le ORME furioso y vanguardista al final de la canción, pero adaptado al tiempo , y la brillante voz de TAGLIAPIETRA sonando como lo hace, sin duda un sello en Le ORME, la canción tiene un ritmo muy pegajoso, pero no cae en provocaciones “poperas” , con una línea vocal muy característica y una letra muy buena. Sin duda un buen trabajo por parte de Le ORME y de los mas destacable en esta obra. Muy emocional y evocativa. Seguimos con ‘Un Angelo’, composición que una vez más, refleja la encrucijada musical en la que se encontraba el grupo, muy meditativa y en partes, hasta repetitiva, de lo que venían haciendo a través del disco, partes que han sido mejor realizadas por ejemplo en la canción “Storia o Leggenda”. Esta sin embargo da la impresión de estar en una casa de la cual se esta a punto de abandonar, o de una mudanza, dejando esos tiempos como simples recuerdos, claro que la letra habla de otra cosa, no es muy buena la canción en general y salvo la voz de TAGLIAPIETRA que la salva de un seguro naufragio, nada memorable. Aquí se escucha la influencia parisina de la que hable líneas antes.

Continuamos con ‘Il Quadro’, obra que es para mi una encrucijada , la canción no tiene nada memorable, y para mis gustos, muy plana en general, pero aun así es disfrutable ,muy pastoral, (el disco es en si muy pastoral), y nostálgico, otra canción que recrea el ambiente parisino, no dejo de confesar que la letra es muy buena (acerca de los círculos en la vida altas / bajas), y en la parte que canta el “Bonjour Mounsieur...” se aprecia un buen trabajo de PAGLIUCA en los teclados, buen efecto wah wah de la guitarra de SERAFÍN, sin embargo creo que es de los puntos bajos de todo el disco.

Sin duda la melodía más próxima al Le ORME “clásico”, es ‘Al Mercato delle Pulci’ la aparición de SERAFÍN con una guitarra agresiva en el ritmo, PAGLIUCA demostrando por que es uno de los grandes en el departamento de las teclas , MICHI haciendo gala de por que es uno de los mejores bateristas del rock Progresivo en general, y Aldo ese genial Aldo, con su bajo eléctrico que domina por mucho la mayoría delas canciones y melodías de Le ORME, esta es una pieza musical de altos vuelos (noto algunas influencias de jazz fusión ,pero muy poco evidentes), y demostrando que Le ORME aun puede tocar como en su periodo “clásico” si quisieran, pero en esta ocasión, debido a la ya instalada influencia clasicista , se escucha más refinados, (y no con ello pretendo demeritar al Le ORME “clásico” también son muy finos, aun más creo yo, pero de diferente forma hablo del refinamiento en esta pieza musical) y menos vanguardistas, lo único que no me gustó es que durara tan poco tiempo, esta melodía tenia para mucho más , pero excelente cierre de disco y de las mejores composiciones del grupo en general.

Finalmente otro disco de esta época de Le ORME que muchos consideran muy floja, yo no creo eso, mi opinión es que es un buen disco (mejor que lo que hizo ELP ese año con “Love Beach”!) y que demostró que la adición de Germano SERAFÍN en la guitarra, no fue una mala decisión después de todo. Lo que si lamento de verdad, es que dure tan poco esta obra.

–José Alberto MUñOZ FLORES, para Manticornio.

Steven John Wilson (nacido el 3 de noviembre de 1967) es un músico Inglés y productor, más conocido como el fundador, guitarrista, cantante y compositor de canciones de la banda de rock progresivo Porcupine Tree. Está involucrado en muchas otras bandas y proyectos musicales tanto como músico y productor (como No-Man y Blackfield) y también mantiene una carrera en solitario. En 2010, Wilson comenzó a escribir música junto a Opeth Mikael Åkerfeldt vocalista para su proyecto, la Storm Corrosion.

Wilson es un productor autodidacta, ingeniero de audio, guitarrista y tecladista, que toca otros instrumentos como y donde sea necesario (incluyendo el bajo, arpa de concierto, dulcimer martillado y flauta).

Divide su tiempo entre Londres y Tel Aviv, Israel,  pero ya no tiene una residencia permanente en la segunda.

Grace For Drowning es su segundo álbum como solista . Para muchos este disco llama muy gratamente la atención después de escucharlo por primera vez. A diferencia de los anteriores trabajos de Wilson, éste “ahonda en un sonido más setentista (prog. setentista) y bordea otros géneros (psico) de los cuales no había participado anteriormente en su carrera”, sin embargo su toque y estilo permanecen presentes a la largo de todo el disco. El sonido es excelente como ya es costumbre …!!!

The Rome Pro(g)ject es un álbum lanzado el 07 de diciembre del 2012 con algunos de los nombres más importantes de la escena del rock progresivo más clásico, para celebrar a través de la música la grandeza y la belleza de Roma, en el aniversario de su fundación hace 2765 años. Un álbum instrumental progresivo orientado a la música conceptual con 10 temas inéditos escritos por artistas tan relevantes del rock progresivo de los setenta (y por ende de todos los tiempos) como David Cross (King Crimson), Francesco Di Giacomo (Banco), John & Steve Hackett (Genesis), David Jackson (VDGG), Magnus Nick, Richard Sinclair (Caravan,, Camel), entre muchos otros.

Un disco que resulta ser una grata sorpresa matizado de todos esos elementos progresivos de la primera mitad de los setenta con una fuerte orientación a ese Genesis de sus álbumes más destacados de la era gabreliana en gran parte a la participación de Steve Hackett y su hermano John. Todo eso más el sabor tan propio del progresivo italiano tan representativo de toda una época, además de otras leyendas como David Cross. Un tributo a la belleza y majestuosidad de Roma y toda su rica civilización y tradición, pilar fundamental de la cultura de occidente. Un disco muy recomendable.


Tracklist:

01.Prologue (Francesco Di Giacomo)

02.…April 21st 753 b. C. (Francesco Di Giacomo)

03.Over 2.000 Fountains (David Cross)

04.In and Around The Colosseum (Narrow Pass, Il Tempio delle Clessidre)

05.Monuments And Statues Everywhere (Nick Magnus, John Hackett)

06.Down To The Domus Aurea (Steve Hackett)

07.Caracalla’s Dream (Richard Sinclair)

08.A Mankind Heritage (David Jackson)

09.Towards the Future… (John Hackett)

Bonus track:

10. The Mouth of Truth (Steve Hackett)

Songs of Distant Earth es un álbum del compositor inglés Mike Oldfield, publicado en 1994 bajo el sello de la Warner Bros. Records. El título del álbum hace referencia a una novela original de Arthur C. Clarke, titulada en España como "Cánticos de la lejana Tierra".

El álbum está considerado por ser uno de los mejores según sus seguidores, mientras que sus detractores lo desprestigiaron por alejarse de la sencillez y el tono acústico de otras composiciones anteriores como Ommadawn. El creador de "Moonlight Shadow" usó toda clase de estilos musicales para el álbum, incluyendo coros en varios idiomas diferentes como el sudafricano swahili, muy popular en la época, o la inclusión de una banda de gaitas, que suenan en el corte "Tubular World". Siendo fiel a su estilo Oldfield realizó todo el álbum en su estudio de grabación de Inglaterra, en el que compuso cada uno de los 17 cortes que forman el disco. Como curiosidad, Oldfield hizo que cada uno de los temas musicales se enlazasen con el siguiente de forma consecutiva (a diferencia del resto de álbumes, que dejan varios segundos de silencio entre tema y tema), lo que convierte el álbum en una rareza en cuanto a diseño y contenido, y lo transforma en toda una odisea musical.

Track list

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de metal progresivo instrumental de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (ex-baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:
Tony Levin: experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
John Petrucci: reconocido guitarrista ex-compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
Jordan Rudess: actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
Mike Portnoy: baterista, ex-componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) que aquí les acercamos y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en Nueva York, Filadelfia y Los Ángeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues la mitad de la banda ahora está en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Durante 2008 se edita un disco en vivo de Liquid Trio Experiment llamado When the Keyboard Breaks, grabado durante un show en Chicago, EEUU, en el cual, el teclado de Jordan Rudess sufre una grave avería. Los músicos restantes se prestan a iniciar una larga sesión de Jams de aproximadamente una hora mientras Rudess junto a sus técnicos tratan de reparar su instrumento. Ese disco es la grabación de dicho Jam, con algunos cortes.

The Six Wives of Henry VIII (Las seis esposas de Enrique VIII) es el título de un álbum de música de 1973 del teclista de rock progresivo Rick Wakeman que hoy difundimos en su versión en vivo del año 2009.
Para Wakeman fue su primer álbum solista lanzado en los Estados Unidos. Otros componentes del grupo Yes, al que pertenecía Wakeman por entonces, aparecían colaborando en varias piezas.
Aunque la música no tiene mucha relación con las seis esposas de Enrique VIII, el álbum original tuvo bastante éxito, y es visto como uno de los trabajos solistas más sólidos de Wakeman.
Él explica el título y el tema visual con las siguientes palabras:

« Este álbum está basado en mi interpretación de las características musicales de las esposas de Enrique VIII. Aunque el sonido puede que no coincida con sus historias individuales, es mi concepción personal de los personajes a través de los instrumentos de teclado ».

Durante las actuaciones en vivo de Yes, cada miembro interpretaba un solo, y Wakeman, para el suyo, solía elegir piezas de este álbum.
Partes de esta obra (principalmente Catherine of Aragon) aparecen en una pista del álbum triple registrado en directo Yessongs, complementadas con piezas de otros trabajos, como el número coral Aleluya del Mesías de Händel.
En la primavera del 2009, en conmemoración del Quinto Centenario de la Asención al Trono de Enrique VIII, Rick Wakeman cumplió finalmente su sueño de realizar su famoso álbum "Las seis esposas de Enrique VIII" en el historico Castillo de Hampton Court Palace, tal como lo concibiera por primera vez hace 37 años. Además de ser la primera vez en que éste álbum fue interpretado en su totalidad, junto a Rick estuvieron la English Rock Ensemble, el prestigioso coro de The English Chamber Choir, y la celebre Europe Orchestra dirigida por el reconocido Guy Protheroe. Además como anfitrión estuvo el conocido actor británico Brian Blessed. El espectáculo en este maravilloso entorno, contó con una soberbia iluminación y una notable puesta en escena. Con el plus de contar con dos temas que por razones de espacio nunca fueron incluidos en el álbum.

Track list 

1. Intro to Henry's Fanfare (2:00)
2. Henry's Fanfare (6:33)
3. Intro to Kathryn Howard (2:50)
4. Kathryn Howard (12:15)
5. Intro to Jane Seymour (2:48)
6. Jane Seymour (7:48)
7. Into to Defender Of The Faith (1:47)
8. Defender Of The Faith (10:22)
9. Intro to Katherine Parr (2:39)
10. Katherine Parr (12:01)
11. Intro to Anne Of Cleves (2:23)
12. Anne Of Cleves (8:35)
13. Intro to Anne Boleyn (3:11)
14. Anne Boleyn (11:25)
15. Intro to Tudorock (3:08)
16. Tudorock (7:21)

Esta es una colaboración de leonardinsky.blogspot.com.ar

No necesito presentar a TONY LEVIN, DAVID TORN y ALAN WHITE, tres veteranos del rock progresivo y experimental cuyos currículums y créditos hablan por sí solos (aparte del hecho bastante trivial de que la presencia del segundo no tiene un perfil tan destacado en el mainstream), aunque lo que sí debe presentarse es su asociación como power-trío para gestar un fantástico disco de rock instrumental vanguardista bajo el sencillo título de “Levin-Torn-White”. Hasta aquí, todo claro y todo bien delineado. Este álbum arrastra muchas de las más brillantes cualidades que se hicieron presentes en los proyectos de UPPER EXTREMITIES, POLYTOWN y BOZZIO LEVIN STEVENS, así como la amplia obra solista de Torn y los pasajes más aventureros de Levin: un desafiante eclecticismo de psicodelia, jazz-rock de vanguardia, prog oscuro, fusión y abstracciones cósmicas. De hecho, Torn y Levin parecen conformar un reinado bicéfalo para este power-trío, pero el tercer elemento Alan White es la gran sorpresa aquí. Al menos, para los que hemos criticado su falta de nervio en los últimos discos de Yes y su limitado sentido del desafío musical en su más reciente proyecto solista, apresurándonos a endosarle la etiqueta de “gloria quemada del progresivo” (o cualquier otra con un significado similar). Bueno, es verdad que él no ha gozado de mucho campo de expansión expresiva dentro de las últimas misiones Yessianas, y también que él ha demostrado no tener la vitalidad aventurera de su perpetuo némesis Bill Bruford, pero este disco nos obliga a tragarnos esas palabras que muchos hemos usado para señalar que ya había pasado su tiempo y que ya dio todo lo que tenía que dar en el negocio musical. Cuando parecía que aquellos tiempos en los que se había adentrado en el mundo del jazz-rock y arribado al mundo Yessiano durante su etapa más ambiciosa eran reliquias del pasado, White se ha revelado como una fuerza rítmica muy a tono con las exigencias de sus compañeros de este viaje, activando motores, aplicando anclas y forjando mástiles para que la dupla Torn-Levin mapee y dirija los diversos trayectos proyectados y reflejados en el repertorio de este disco. Pasemos ahora al repertorio en cuestión.

‘No Warning Lights’ abre al álbum con un ejercicio de psicodelia free-form a modo de bizarra expectativa ante lo que promete ser una excitante aventura sónica, una manifestación de la sombría noche en sus últimos instantes antes de que el sol emerja en un vibrante amanecer… ¡y la promesa empieza a cumplirse con las vibrantes llamas rockeras de ‘Ultra Mullett’, flameantes e hipnóticas como el imponente brillo de una aurora boreal! Este segundo tema se despliega sobre un autoafirmativo compás funky-rock donde el delirio neurótico propio del Crimsonismo 80ero y los aspectos más extrovertidos del proyecto UPPER EXTREMITIES hallan un adecuado campo de expansión. Después de esta celebración de la exaltación y el swing, ‘White Noise’ se explaya en un colorido caótico bajo la guisa de free-jazz, abriendo así la puerta para que ‘The Hood Fell’ exhiba un llamativo ejercicio de rock emo con un fuerte componente psicodélico: no se trata de una pieza estructuralmente compleja, pero el trío sabe insuflarle suficiente sofisticación como para sacarle imponente brillo a los riffs, los esquemas rítmicos y los fraseos en curso. Por su parte, ‘Monkey Mind’ despliega neurosis y furia con total desparpajo: el esquema rítmico de la pieza mantiene un afán relativamente comedido al swing que impone desde el inicio, dejando así a la divina guitarra de Torn liderar el camino expresivo del ensamble desde las áreas opresivamente torturadas del lenguaje rockero. ¡Todo un cénit del álbum! ‘Cheese It, The Corpse’, tema que sigue a continuación, no le queda a la zaga: su excitante manejo de un intrépido jam en 7/8 sirve para que el trío muestre plenamente su faceta pletórica, al modo de una aplanadora Crimsoniana alimentada por un talante juguetón. White opera como un maestro de obras con la mente sólida, mientras que Levin y Torn se enrollan en un desafío fraterno a la hora de llenar los espacios. Aunque las sonoridades en curso portan tonos sombríos, el cuadro musical resultante es extrovertido y, como dijimos antes, juguetón. ¡Otro cénit!... y no será el último.

Tras todas estas diversas expresiones de fragor rockero organizadas bajo una sofisticación grácil y a veces ampulosa, viene bien que ‘Convergence’ instale un sendero sónico de misterio y languidez, un sendero forjado con ornamentos psicodélicos de tendencia minimalista sobre los cuales van flotando alucinadas florituras cósmicas de guitarra. La neurosis ha dejado de buscar la luz del día y mira hacia el atardecer interno de sus propias pulsaciones emocionales, primero a través de la tensión casi callada de ‘Convergence’, e inmediatamente después, a través de la sombría melancolía de ‘Pillowfull Of Dark’, tema que desarrolla un lirismo bizarro en base a un esquema rítmico ceremonioso en el que las capas cósmicas, los fraseos de la guitarra eléctrica y los adornos de guitarra acústica delinean una refinada arquitectura de abrumadora inquietud. Una gema inescrutable y monumental, otro cénit, no nos cabe duda. La cadencia funky del breve jam jazz-rockero ‘The Eggman Cometh’ sirve para iluminar momentáneamente el ambiente, al modo de una ventana que se queda entreabierta por un rato, pero la emergencia de ‘Sleeping Horse’ nos muestra al trío nuevamente entusiasmado con explorar aspectos cósmicos de la inquietud mental y la oscuridad emocional, casi como un híbrido entre el TANGERINE DREAM 1972-3, el estándar del Frippertronics y ART ZOYD, aunque esos matices jazzeros sabiamente insertados en un paisaje psicodélico tienen el inconfundible sello magistral de Torn. La oscuridad se vuelve incendiaria, quemando a fuego lento sin agotar el oxígeno del entorno, es una oscuridad que, paradójicamente, en vez de ahogar el ambiente, lo revitaliza. Bajo un título tan gracioso como ‘Prom Night Of The Centipedes’ se nos ofrece un jam ágil aunque no exultante, aún embebido de la densidad oscura que ha venido marcando las pautas predominantes de expresividad de las últimas piezas: en todo caso, se nota una actitud mucho más extrovertida en el ensamble, especialmente en el modo en que White explora el momentum rítmico y en el modo en que Torn desarrolla un psicótico solo poco antes de llegar a la barrera de los 2 minutos. ‘Crunch Time’ retoma el sendero dinámicamente furioso de ‘Monkey Mind’ mientras se hace eco parcialmente del swing de ‘Cheese It, The Corpse’ y de la densidad cósmica que parece no querer irse… pero se termina yendo cuando arriba ‘Brain Tattoo’ con su exhibición de puro músculo, la cual empieza con un prólogo delirante pero pronto se focaliza en un talante un poco más relajado, eso sí, siempre filudo: al respecto, una mención especial debe ir para Levin, quien aporta aquí algunos de ataques más robustos desde su bajo. No hubiera venido mal que este tema durara un poco más, teniendo en cuenta su gancho, pero se exige que los últimos cinco minutos del álbum estén estrictamente ocupados por ‘Lights Out’, tema que explora arquitectónicas telarañas psicodélico-progresivas sobre los cimientos de una cadencia rítmica fusionesca, al modo de un punto de encrucijada entre UPPER EXTREMITIES, PROJECKT I y GORDIAN KNOT. Tal vez no se trate de la forma más luminosa de concluir el álbum, pero sin duda esta pieza porta un esplendor especial en sus propios términos, finalizando con un golpe de efecto tajante y definitivo.

Ésta fue la experiencia de “Levin-Torn-White”, el testimonio de una aventura progresiva contemporánea a cargo de un aquelarre de sabios expertos que lo único que tienen que hacer es confiar en sus propias experiencias vitales y en la lucidez intuitiva de sus compañeros de ruta para hacer que la química funcione a las mil (o diez o cien mil) maravillas. Gracias a Tony, David y Alan por haber brindado una obra tan filuda y motivadora a todos los coleccionistas progresivos del mundo.

 

CÉSAR INCA

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó a finales de 1967 y que ha trabajado de forma ininterrumpida, siendo uno de los grupos de rock más antiguos en actividad.

Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 80 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.

Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y solo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años.