Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia).
Su primer álbum fue grabado en la pequeña discográfica Car Juke Box label, en 1968.
Le Orme ha ganado dos discos de oro, un premio de la crítica a su discografía. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum concepto,Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill de Van Der Graaf Generator.
Los fundadores de la banda en 1966 eran; Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Déspues de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi. En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. Esta formación fue la responzable del primer LP, Ad gloriam (1968), un trabajo de pop psicodélico que tuvo poco éxito.
Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su "formación clásica", que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70 (Uomo di pezza, Felona e Sorona y Contrappunti).
Los últimos dos trabajos contaron con la colaboración del productor y pianista Gian Piero Reverberi.
El grupo se separó a principios de los 80, pero se volvió a reunir en 1986. En 1992 Pagliuca partió de la banda, y fue remplazado por Michael Bon.
Los últimos tres trabajos de Le Orme (Il fiume, Elementi y L'infinito) muestran un retorno al sonido clásico progresivo.
Durante el año de 1977, Le ORME nos ofrece otra obra, ahora titulada "Storia o Leggenda", manteniendo la alineación pasada y en este orden: Antonio PAGLIUCA (órgano Hammond, polymoog, minimoog, pianoforte, armonium, fisarmonica), Aldo TAGLIAPIETRA (Bajo Fender, voz, arpa indiana), Michi Dei ROSSI (Batería Pearl, marimba, glockenspiel, percusión varia, guitarras acústicas y eléctricas) y Germano SERAFÍN (guitarras acústicas y eléctricas). En este álbum creo que empieza una etapa de Le ORME muy “callada”, en el sentido de que es un álbum con sonido mucho más acústico y que se perfeccionara y culminara en los dos discos subsecuentes ("Florian" y "Picolla"), y es una etapa que probablemente no interesa mucho a los fans del Le ORME clásico y otros que piensen que el sonido Leormeneano va en franca decadencia, sin embargo , creo que a ser justos, este disco es uno de los mejores del Progresivo italiano de finales de los 70’s, aparte de LOCANDA DELLE FATE y algún otro que se me escapa de la memoria, pudiera atreverme a decir que es de los mejores álbumes Progresivos de ese año, sobre todo, si vemos que la tendencia general de esos años para este estilo, iba siendo desplazado por otros tipos de rock, como el Punk o la música disco, Le ORME a pesar de haber modificado su estilo “clásico”, se atreve a “progresar” y nos ofrece un disco, meditativo, otoñal, melancólico, pero también rítmico, y con un sonido que nunca habían tocado en su anteriores obras, más refinado en algunos puntos, en otros mezclando ritmos de otros horizontes musicales como el reggae, pero indudablemente empiezan a explorar esa veta clasicista, un sonido, más apegado a las formas de la música “culta”, y que será una constante a través del álbum, notándose la preeminencia de un sonido mas terrenal, a diferencia de sus obras “clásicas” como "Uomo di Pezza" o "Felona e Sorona"; de hecho ya nos habían dado una probada de lo que venia en el anterior álbum "Verita Nacoste", que ya fue reseñado también, pero aquí quitan los elementos hardrockeros, para dar oportunidad a un sonido más “suave” y la producción del disco mejora bastante, se aprecia mucho mejor los instrumentos y las melodías y como siempre la batería de Michi se escucha como debió haber sido en el disco anterior, la voz de Aldo TAGLIAPIETRA, como siempre mágica y alcanzando notas maravillosas, y también es bienvenido el sonido de los teclados de Tony PAGLIUCA, que aquí se escucha otra vez al frente, ya que en el anterior disco, se escuchaba solo en el fondo, sin mas realce, en este álbum disfrutamos otra vez de su creatividad.

Gran parte de este disco fue grabado en Paris, Francia y se nota un poco la influencia parisina, en algunas canciones que ya se reseñaran se realzara este punto, y también es importante que este álbum fue un paso obligado para Le ORME, con el propósito de explorar ese estudio en los instrumentos acústicos, que darán vida a “Florian”.

En general el álbum es un rock progresivo tranquilo, sin espectacularidades individuales, muy fino, con influencia muy marcada, bien ejecutado, siento que más cuidado que el anterior álbum, muy armónico,, canciones muy hechas (e.g ‘Storia o leggenda’, ‘Il quadro’), algo con un sonido más duro (e.g ‘Al mercato delle pulci’) que resulta ser la pieza más aproximada al anterior Le ORME, pero desde esta nueva óptica, temas más pastorales, un sonido más intimo, pero sin dejar la influencia progresiva y la conjunción de nuevos horizontes musicales, para esta gran banda italiana, también se pudiese resumir como “mágico” o “ensoñado”, con canciones aun más cortas que en “Verita Nacoste”, pero indudablemente más elaboradas que en aquel álbum, la guitarra de SERAFÍN me sorprende por que muestra una calidad que hasta entonces consideraba “normal” dentro de una agrupación progresiva, pasajes deliciosos de guitarra acústica en la mayoría de las canciones (e.g. ‘Il musicista’, ‘Storia o leggenda’), y una mayor integración por parte de él hacia el resto del grupo, cosa que no se apreciaba en “Verita Nacoste”.

Algunas canciones como ‘Se lo Lavoro’ o ‘il Quadro’ sin duda son de lo mejor en esta obra y superior en todo lo hecho en “Verita Nacoste”, sin embargo, yo creo que la causa principal que, en su momento no ha sido considerado un gran disco es por la época en que salió, la mayoría del publico buscaba un sonido más simple y comercial y el ascenso de grupos de rock Punk y rock más pesado, no ayudo a la cabal comprensión, del disco, pero considero que es una gran adquisición para cualquier persona que quiera aventurarse en la historia de este grupo.

Una nota mas antes de entrar en las canciones, la portada es una de las mejores que se hayan publicado en un disco de rock Progresivo, muy parecida a la de “Felona e Sorona”, inspirada en un trabajo de Walter MAC MAZZIERI y pareciera una batalla entre el bien y el mal, al estilo de William BLAKE.

El álbum abre con ‘Tenerci per Mano’, un comienzo con un poco de ritmo reggae, pero contrastando con la voz misteriosa/mágica de TAGLIAPIETRA, el bajo sosteniendo la canción y la guitarra de SERAFÍN matizando la melodía principal con algunos arpegios acústicos realmente agradables y el teclado de PAGLIUCA llevando el peso de las melodía, no es lo más progresivo que han hecho, pero definitivamente no tan “pop”. Como algunos han sostenido. Buena a secas. El álbum prosigue con ‘Storia o Leggenda’, una de las mejores canciones del disco, y ¿por que no? De la discografía de Le ORME, contiene la perfecta fusión del antiguo / nuevo estilo que están proponiendo, una guitarra por parte de SERAFÍN , simplemente exquisita con una atmósfera melancólica y nostálgica , la voz de TAGLIAPIETRA me recuerda tanto lo hecho por John WETTON por la canción ‘Starless’ en KING CRIMSON, un ritmo muy pastoral al principio, evocando parajes de ensueño y el coro de la canción que se me hace de los mas exquisito que se haya escrito, de verdad imprescindible esta joya de la música Progresiva.

Otra de las canciones sobresalientes de este disco, es ‘Il musicista’ un buen ritmo con frescas tonalidades de teclado por parte de Tony PAGLIUCA y la guitarra de SERAFÍN que me recuerda en pases a lo hecho por Jimmy PAGE en LED ZEPPELÍN circa “Presence” y más exactamente en la canción ‘Over the Hills and Far Away’ en el empiezo , sin la distorsión por supuesto, la voz de TAGLIAPIETRA, aquí cumplidora sin nada especial que remarcar, buen ritmo y de las canciones más “movidas” del disco. Buena. El disco continua con ‘Come una Giostra’, la cual es una canción que refleja lo que estaba pasando en el grupo, a un cambio de dirección, me da la impresión de que se encontraban en una encrucijada musical, y las nuevas modas musicales amenazando ya en el horizonte. No es una canción muy notable frente a otras de este mismo álbum, con mucha influencia “popera”, sobre todo en el teclado de PAGLIUCA, además se puede decir que parece un outtake de “Verita Nacoste”, la verdad es bastante mediocre, considero que sería como de “relleno”.

Otra de las canciones bien hechas y “cajonas” del álbum en comento,considero que es ‘Se io Lavoro’ muy buen trabajo de PAGLIUCA en el departamento de los Teclados, con resabios de experimentación de aquel Le ORME furioso y vanguardista al final de la canción, pero adaptado al tiempo , y la brillante voz de TAGLIAPIETRA sonando como lo hace, sin duda un sello en Le ORME, la canción tiene un ritmo muy pegajoso, pero no cae en provocaciones “poperas” , con una línea vocal muy característica y una letra muy buena. Sin duda un buen trabajo por parte de Le ORME y de los mas destacable en esta obra. Muy emocional y evocativa. Seguimos con ‘Un Angelo’, composición que una vez más, refleja la encrucijada musical en la que se encontraba el grupo, muy meditativa y en partes, hasta repetitiva, de lo que venían haciendo a través del disco, partes que han sido mejor realizadas por ejemplo en la canción “Storia o Leggenda”. Esta sin embargo da la impresión de estar en una casa de la cual se esta a punto de abandonar, o de una mudanza, dejando esos tiempos como simples recuerdos, claro que la letra habla de otra cosa, no es muy buena la canción en general y salvo la voz de TAGLIAPIETRA que la salva de un seguro naufragio, nada memorable. Aquí se escucha la influencia parisina de la que hable líneas antes.

Continuamos con ‘Il Quadro’, obra que es para mi una encrucijada , la canción no tiene nada memorable, y para mis gustos, muy plana en general, pero aun así es disfrutable ,muy pastoral, (el disco es en si muy pastoral), y nostálgico, otra canción que recrea el ambiente parisino, no dejo de confesar que la letra es muy buena (acerca de los círculos en la vida altas / bajas), y en la parte que canta el “Bonjour Mounsieur...” se aprecia un buen trabajo de PAGLIUCA en los teclados, buen efecto wah wah de la guitarra de SERAFÍN, sin embargo creo que es de los puntos bajos de todo el disco.

Sin duda la melodía más próxima al Le ORME “clásico”, es ‘Al Mercato delle Pulci’ la aparición de SERAFÍN con una guitarra agresiva en el ritmo, PAGLIUCA demostrando por que es uno de los grandes en el departamento de las teclas , MICHI haciendo gala de por que es uno de los mejores bateristas del rock Progresivo en general, y Aldo ese genial Aldo, con su bajo eléctrico que domina por mucho la mayoría delas canciones y melodías de Le ORME, esta es una pieza musical de altos vuelos (noto algunas influencias de jazz fusión ,pero muy poco evidentes), y demostrando que Le ORME aun puede tocar como en su periodo “clásico” si quisieran, pero en esta ocasión, debido a la ya instalada influencia clasicista , se escucha más refinados, (y no con ello pretendo demeritar al Le ORME “clásico” también son muy finos, aun más creo yo, pero de diferente forma hablo del refinamiento en esta pieza musical) y menos vanguardistas, lo único que no me gustó es que durara tan poco tiempo, esta melodía tenia para mucho más , pero excelente cierre de disco y de las mejores composiciones del grupo en general.

Finalmente otro disco de esta época de Le ORME que muchos consideran muy floja, yo no creo eso, mi opinión es que es un buen disco (mejor que lo que hizo ELP ese año con “Love Beach”!) y que demostró que la adición de Germano SERAFÍN en la guitarra, no fue una mala decisión después de todo. Lo que si lamento de verdad, es que dure tan poco esta obra.

–José Alberto MUñOZ FLORES, para Manticornio.

Steven John Wilson (nacido el 3 de noviembre de 1967) es un músico Inglés y productor, más conocido como el fundador, guitarrista, cantante y compositor de canciones de la banda de rock progresivo Porcupine Tree. Está involucrado en muchas otras bandas y proyectos musicales tanto como músico y productor (como No-Man y Blackfield) y también mantiene una carrera en solitario. En 2010, Wilson comenzó a escribir música junto a Opeth Mikael Åkerfeldt vocalista para su proyecto, la Storm Corrosion.

Wilson es un productor autodidacta, ingeniero de audio, guitarrista y tecladista, que toca otros instrumentos como y donde sea necesario (incluyendo el bajo, arpa de concierto, dulcimer martillado y flauta).

Divide su tiempo entre Londres y Tel Aviv, Israel,  pero ya no tiene una residencia permanente en la segunda.

Grace For Drowning es su segundo álbum como solista . Para muchos este disco llama muy gratamente la atención después de escucharlo por primera vez. A diferencia de los anteriores trabajos de Wilson, éste “ahonda en un sonido más setentista (prog. setentista) y bordea otros géneros (psico) de los cuales no había participado anteriormente en su carrera”, sin embargo su toque y estilo permanecen presentes a la largo de todo el disco. El sonido es excelente como ya es costumbre …!!!

The Rome Pro(g)ject es un álbum lanzado el 07 de diciembre del 2012 con algunos de los nombres más importantes de la escena del rock progresivo más clásico, para celebrar a través de la música la grandeza y la belleza de Roma, en el aniversario de su fundación hace 2765 años. Un álbum instrumental progresivo orientado a la música conceptual con 10 temas inéditos escritos por artistas tan relevantes del rock progresivo de los setenta (y por ende de todos los tiempos) como David Cross (King Crimson), Francesco Di Giacomo (Banco), John & Steve Hackett (Genesis), David Jackson (VDGG), Magnus Nick, Richard Sinclair (Caravan,, Camel), entre muchos otros.

Un disco que resulta ser una grata sorpresa matizado de todos esos elementos progresivos de la primera mitad de los setenta con una fuerte orientación a ese Genesis de sus álbumes más destacados de la era gabreliana en gran parte a la participación de Steve Hackett y su hermano John. Todo eso más el sabor tan propio del progresivo italiano tan representativo de toda una época, además de otras leyendas como David Cross. Un tributo a la belleza y majestuosidad de Roma y toda su rica civilización y tradición, pilar fundamental de la cultura de occidente. Un disco muy recomendable.


Tracklist:

01.Prologue (Francesco Di Giacomo)

02.…April 21st 753 b. C. (Francesco Di Giacomo)

03.Over 2.000 Fountains (David Cross)

04.In and Around The Colosseum (Narrow Pass, Il Tempio delle Clessidre)

05.Monuments And Statues Everywhere (Nick Magnus, John Hackett)

06.Down To The Domus Aurea (Steve Hackett)

07.Caracalla’s Dream (Richard Sinclair)

08.A Mankind Heritage (David Jackson)

09.Towards the Future… (John Hackett)

Bonus track:

10. The Mouth of Truth (Steve Hackett)

Songs of Distant Earth es un álbum del compositor inglés Mike Oldfield, publicado en 1994 bajo el sello de la Warner Bros. Records. El título del álbum hace referencia a una novela original de Arthur C. Clarke, titulada en España como "Cánticos de la lejana Tierra".

El álbum está considerado por ser uno de los mejores según sus seguidores, mientras que sus detractores lo desprestigiaron por alejarse de la sencillez y el tono acústico de otras composiciones anteriores como Ommadawn. El creador de "Moonlight Shadow" usó toda clase de estilos musicales para el álbum, incluyendo coros en varios idiomas diferentes como el sudafricano swahili, muy popular en la época, o la inclusión de una banda de gaitas, que suenan en el corte "Tubular World". Siendo fiel a su estilo Oldfield realizó todo el álbum en su estudio de grabación de Inglaterra, en el que compuso cada uno de los 17 cortes que forman el disco. Como curiosidad, Oldfield hizo que cada uno de los temas musicales se enlazasen con el siguiente de forma consecutiva (a diferencia del resto de álbumes, que dejan varios segundos de silencio entre tema y tema), lo que convierte el álbum en una rareza en cuanto a diseño y contenido, y lo transforma en toda una odisea musical.

Track list

Liquid Tension Experiment (abreviado y también conocido como LTE) es un supergrupo de metal progresivo instrumental de Estados Unidos que se concibió a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (ex-baterista de Dream Theater), recibió una petición de su discográfica, Magna Carta, para formar una banda compuesta por grandes talentos del rock progresivo. Para llevar a cabo este proyecto Portnoy fue interrogado con respecto a con qué músicos había querido grabar siempre, y tras algunas negociaciones se concretó quienes serían los componentes del grupo:
Tony Levin: experimentado bajista, icono del rock progresivo, integrante de King Crimson y que ha colaborado junto a artistas como Peter Gabriel. En algunos temas de la banda, como por ejemplo "Osmosis", demuestra su talento con un instrumento de alta complejidad como lo es el Chapman Stick.
John Petrucci: reconocido guitarrista ex-compañero de Mike Portnoy en Dream Theater. Ha compartido la tarima con Joe Satriani y Steve Vai en la extravanganza guitarrística G3.
Jordan Rudess: actual teclista de Dream Theater, compositor y productor. Antes tocó con Steve Morse, Vinnie Moore, Dixie Dregs y el baterista Rod Morgenstein.
Mike Portnoy: baterista, ex-componente del grupo Dream Theater, O.S.I. y Transatlantic. Galardonado cada año desde 1995 hasta el 2006 como el mejor baterista de rock progresivo por la revista Modern Drummer.

Para el momento en que se creó Liquid Tension Experiment, Rudess aún no formaba parte de Dream Theater. A pesar de que algunos formulan la teoría de que fue invitado a unirse a causa del éxito de Liquid Tension Experiment, es sabido que él ya había rechazado una oferta para integrarse en 1994, ocasión en la que se volvió miembro de Dixie Dregs en vez de Dream Theater.

La música que realiza la banda es enteramente instrumental, y puede enmarcarse dentro del metal progresivo.

Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid Tension Experiment (1998) que aquí les acercamos y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en directo en Nueva York, Filadelfia y Los Ángeles. Mike Portnoy ha declarado en numerosas entrevistas (y en el FAQ de su sitio web) que no habrá un tercer álbum de LTE, pues la mitad de la banda ahora está en la alineación de Dream Theater. Sin embargo, varias canciones y riffs han sido incorporados en las presentaciones en directo de Dream Theater, como por ejemplo el medley instrumental de Live at Budokan.

En el año 2007 se edita un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment", conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. El nombre "Liquid Trio Experiment", que sigue manteniendo las siglas LTE, se debe precisamente a la ausencia del guitarrista.

Durante 2008 se edita un disco en vivo de Liquid Trio Experiment llamado When the Keyboard Breaks, grabado durante un show en Chicago, EEUU, en el cual, el teclado de Jordan Rudess sufre una grave avería. Los músicos restantes se prestan a iniciar una larga sesión de Jams de aproximadamente una hora mientras Rudess junto a sus técnicos tratan de reparar su instrumento. Ese disco es la grabación de dicho Jam, con algunos cortes.

The Six Wives of Henry VIII (Las seis esposas de Enrique VIII) es el título de un álbum de música de 1973 del teclista de rock progresivo Rick Wakeman que hoy difundimos en su versión en vivo del año 2009.
Para Wakeman fue su primer álbum solista lanzado en los Estados Unidos. Otros componentes del grupo Yes, al que pertenecía Wakeman por entonces, aparecían colaborando en varias piezas.
Aunque la música no tiene mucha relación con las seis esposas de Enrique VIII, el álbum original tuvo bastante éxito, y es visto como uno de los trabajos solistas más sólidos de Wakeman.
Él explica el título y el tema visual con las siguientes palabras:

« Este álbum está basado en mi interpretación de las características musicales de las esposas de Enrique VIII. Aunque el sonido puede que no coincida con sus historias individuales, es mi concepción personal de los personajes a través de los instrumentos de teclado ».

Durante las actuaciones en vivo de Yes, cada miembro interpretaba un solo, y Wakeman, para el suyo, solía elegir piezas de este álbum.
Partes de esta obra (principalmente Catherine of Aragon) aparecen en una pista del álbum triple registrado en directo Yessongs, complementadas con piezas de otros trabajos, como el número coral Aleluya del Mesías de Händel.
En la primavera del 2009, en conmemoración del Quinto Centenario de la Asención al Trono de Enrique VIII, Rick Wakeman cumplió finalmente su sueño de realizar su famoso álbum "Las seis esposas de Enrique VIII" en el historico Castillo de Hampton Court Palace, tal como lo concibiera por primera vez hace 37 años. Además de ser la primera vez en que éste álbum fue interpretado en su totalidad, junto a Rick estuvieron la English Rock Ensemble, el prestigioso coro de The English Chamber Choir, y la celebre Europe Orchestra dirigida por el reconocido Guy Protheroe. Además como anfitrión estuvo el conocido actor británico Brian Blessed. El espectáculo en este maravilloso entorno, contó con una soberbia iluminación y una notable puesta en escena. Con el plus de contar con dos temas que por razones de espacio nunca fueron incluidos en el álbum.

Track list 

1. Intro to Henry's Fanfare (2:00)
2. Henry's Fanfare (6:33)
3. Intro to Kathryn Howard (2:50)
4. Kathryn Howard (12:15)
5. Intro to Jane Seymour (2:48)
6. Jane Seymour (7:48)
7. Into to Defender Of The Faith (1:47)
8. Defender Of The Faith (10:22)
9. Intro to Katherine Parr (2:39)
10. Katherine Parr (12:01)
11. Intro to Anne Of Cleves (2:23)
12. Anne Of Cleves (8:35)
13. Intro to Anne Boleyn (3:11)
14. Anne Boleyn (11:25)
15. Intro to Tudorock (3:08)
16. Tudorock (7:21)

Esta es una colaboración de leonardinsky.blogspot.com.ar

No necesito presentar a TONY LEVIN, DAVID TORN y ALAN WHITE, tres veteranos del rock progresivo y experimental cuyos currículums y créditos hablan por sí solos (aparte del hecho bastante trivial de que la presencia del segundo no tiene un perfil tan destacado en el mainstream), aunque lo que sí debe presentarse es su asociación como power-trío para gestar un fantástico disco de rock instrumental vanguardista bajo el sencillo título de “Levin-Torn-White”. Hasta aquí, todo claro y todo bien delineado. Este álbum arrastra muchas de las más brillantes cualidades que se hicieron presentes en los proyectos de UPPER EXTREMITIES, POLYTOWN y BOZZIO LEVIN STEVENS, así como la amplia obra solista de Torn y los pasajes más aventureros de Levin: un desafiante eclecticismo de psicodelia, jazz-rock de vanguardia, prog oscuro, fusión y abstracciones cósmicas. De hecho, Torn y Levin parecen conformar un reinado bicéfalo para este power-trío, pero el tercer elemento Alan White es la gran sorpresa aquí. Al menos, para los que hemos criticado su falta de nervio en los últimos discos de Yes y su limitado sentido del desafío musical en su más reciente proyecto solista, apresurándonos a endosarle la etiqueta de “gloria quemada del progresivo” (o cualquier otra con un significado similar). Bueno, es verdad que él no ha gozado de mucho campo de expansión expresiva dentro de las últimas misiones Yessianas, y también que él ha demostrado no tener la vitalidad aventurera de su perpetuo némesis Bill Bruford, pero este disco nos obliga a tragarnos esas palabras que muchos hemos usado para señalar que ya había pasado su tiempo y que ya dio todo lo que tenía que dar en el negocio musical. Cuando parecía que aquellos tiempos en los que se había adentrado en el mundo del jazz-rock y arribado al mundo Yessiano durante su etapa más ambiciosa eran reliquias del pasado, White se ha revelado como una fuerza rítmica muy a tono con las exigencias de sus compañeros de este viaje, activando motores, aplicando anclas y forjando mástiles para que la dupla Torn-Levin mapee y dirija los diversos trayectos proyectados y reflejados en el repertorio de este disco. Pasemos ahora al repertorio en cuestión.

‘No Warning Lights’ abre al álbum con un ejercicio de psicodelia free-form a modo de bizarra expectativa ante lo que promete ser una excitante aventura sónica, una manifestación de la sombría noche en sus últimos instantes antes de que el sol emerja en un vibrante amanecer… ¡y la promesa empieza a cumplirse con las vibrantes llamas rockeras de ‘Ultra Mullett’, flameantes e hipnóticas como el imponente brillo de una aurora boreal! Este segundo tema se despliega sobre un autoafirmativo compás funky-rock donde el delirio neurótico propio del Crimsonismo 80ero y los aspectos más extrovertidos del proyecto UPPER EXTREMITIES hallan un adecuado campo de expansión. Después de esta celebración de la exaltación y el swing, ‘White Noise’ se explaya en un colorido caótico bajo la guisa de free-jazz, abriendo así la puerta para que ‘The Hood Fell’ exhiba un llamativo ejercicio de rock emo con un fuerte componente psicodélico: no se trata de una pieza estructuralmente compleja, pero el trío sabe insuflarle suficiente sofisticación como para sacarle imponente brillo a los riffs, los esquemas rítmicos y los fraseos en curso. Por su parte, ‘Monkey Mind’ despliega neurosis y furia con total desparpajo: el esquema rítmico de la pieza mantiene un afán relativamente comedido al swing que impone desde el inicio, dejando así a la divina guitarra de Torn liderar el camino expresivo del ensamble desde las áreas opresivamente torturadas del lenguaje rockero. ¡Todo un cénit del álbum! ‘Cheese It, The Corpse’, tema que sigue a continuación, no le queda a la zaga: su excitante manejo de un intrépido jam en 7/8 sirve para que el trío muestre plenamente su faceta pletórica, al modo de una aplanadora Crimsoniana alimentada por un talante juguetón. White opera como un maestro de obras con la mente sólida, mientras que Levin y Torn se enrollan en un desafío fraterno a la hora de llenar los espacios. Aunque las sonoridades en curso portan tonos sombríos, el cuadro musical resultante es extrovertido y, como dijimos antes, juguetón. ¡Otro cénit!... y no será el último.

Tras todas estas diversas expresiones de fragor rockero organizadas bajo una sofisticación grácil y a veces ampulosa, viene bien que ‘Convergence’ instale un sendero sónico de misterio y languidez, un sendero forjado con ornamentos psicodélicos de tendencia minimalista sobre los cuales van flotando alucinadas florituras cósmicas de guitarra. La neurosis ha dejado de buscar la luz del día y mira hacia el atardecer interno de sus propias pulsaciones emocionales, primero a través de la tensión casi callada de ‘Convergence’, e inmediatamente después, a través de la sombría melancolía de ‘Pillowfull Of Dark’, tema que desarrolla un lirismo bizarro en base a un esquema rítmico ceremonioso en el que las capas cósmicas, los fraseos de la guitarra eléctrica y los adornos de guitarra acústica delinean una refinada arquitectura de abrumadora inquietud. Una gema inescrutable y monumental, otro cénit, no nos cabe duda. La cadencia funky del breve jam jazz-rockero ‘The Eggman Cometh’ sirve para iluminar momentáneamente el ambiente, al modo de una ventana que se queda entreabierta por un rato, pero la emergencia de ‘Sleeping Horse’ nos muestra al trío nuevamente entusiasmado con explorar aspectos cósmicos de la inquietud mental y la oscuridad emocional, casi como un híbrido entre el TANGERINE DREAM 1972-3, el estándar del Frippertronics y ART ZOYD, aunque esos matices jazzeros sabiamente insertados en un paisaje psicodélico tienen el inconfundible sello magistral de Torn. La oscuridad se vuelve incendiaria, quemando a fuego lento sin agotar el oxígeno del entorno, es una oscuridad que, paradójicamente, en vez de ahogar el ambiente, lo revitaliza. Bajo un título tan gracioso como ‘Prom Night Of The Centipedes’ se nos ofrece un jam ágil aunque no exultante, aún embebido de la densidad oscura que ha venido marcando las pautas predominantes de expresividad de las últimas piezas: en todo caso, se nota una actitud mucho más extrovertida en el ensamble, especialmente en el modo en que White explora el momentum rítmico y en el modo en que Torn desarrolla un psicótico solo poco antes de llegar a la barrera de los 2 minutos. ‘Crunch Time’ retoma el sendero dinámicamente furioso de ‘Monkey Mind’ mientras se hace eco parcialmente del swing de ‘Cheese It, The Corpse’ y de la densidad cósmica que parece no querer irse… pero se termina yendo cuando arriba ‘Brain Tattoo’ con su exhibición de puro músculo, la cual empieza con un prólogo delirante pero pronto se focaliza en un talante un poco más relajado, eso sí, siempre filudo: al respecto, una mención especial debe ir para Levin, quien aporta aquí algunos de ataques más robustos desde su bajo. No hubiera venido mal que este tema durara un poco más, teniendo en cuenta su gancho, pero se exige que los últimos cinco minutos del álbum estén estrictamente ocupados por ‘Lights Out’, tema que explora arquitectónicas telarañas psicodélico-progresivas sobre los cimientos de una cadencia rítmica fusionesca, al modo de un punto de encrucijada entre UPPER EXTREMITIES, PROJECKT I y GORDIAN KNOT. Tal vez no se trate de la forma más luminosa de concluir el álbum, pero sin duda esta pieza porta un esplendor especial en sus propios términos, finalizando con un golpe de efecto tajante y definitivo.

Ésta fue la experiencia de “Levin-Torn-White”, el testimonio de una aventura progresiva contemporánea a cargo de un aquelarre de sabios expertos que lo único que tienen que hacer es confiar en sus propias experiencias vitales y en la lucidez intuitiva de sus compañeros de ruta para hacer que la química funcione a las mil (o diez o cien mil) maravillas. Gracias a Tony, David y Alan por haber brindado una obra tan filuda y motivadora a todos los coleccionistas progresivos del mundo.

 

CÉSAR INCA

Jethro Tull es el nombre de una original banda de rock progresivo británica, cuyo líder Ian Anderson es de origen escocés, que comenzó a finales de 1967 y que ha trabajado de forma ininterrumpida, siendo uno de los grupos de rock más antiguos en actividad.

Desde sus inicios, este grupo ha vendido más de 80 millones de copias de sus más de 30 álbumes, siendo uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.

Siempre ha sido liderado por el flautista escocés Ian Anderson, que es el autor de prácticamente todas las canciones del grupo, y de hecho el grupo se comporta como el apoyo de este músico, dado que es el único que ha estado en toda la historia de la banda, desde el primer disco, y solo el guitarrista Martin Lancelot Barre se le acerca, estando desde el segundo disco.

La banda logró mucha popularidad en la primera mitad de los años setenta con álbumes emblemáticos en la historia del rock como Thick as a Brick y Aqualung, y con el tiempo llegó a convertirse en un grupo de culto. Jethro fue la primera banda en recibir un premio en los años 70 por vender más entradas en el Madison Square Garden (Nueva York) que ningún otro grupo, generalmente teniendo que añadir un cuarto show en sus visitas dada la altísima demanda.

Su música, encuadrada en el rock progresivo, constituye una mezcla muy original de blues, folk inglés y hard rock, con pinceladas de música barroca, música medieval inglesa e incluso renacentista. El grupo desarrolla además una vertiente dedicada a originales canciones acústicas de difícil clasificación. En su sonido, destaca de forma particular la flauta de Ian Anderson, tocada de una forma magistral, que ha sido y sigue constituyendo una de las inconfundibles características de la banda, así como el sonido desgarrado de la guitarra eléctrica de Martin Barre, finamente entrelazado con el de la flauta de Anderson.

Durante algunos años, el grupo incluyó dos teclistas conjuntamente, con lo que obtuvo un sonido de particular colorido: John Evan y David Palmer. Este último realizaba además los arreglos orquestales. La formación también ha utilizado una gran variedad de instrumentos, barrocamente combinados, en su mayoría tocados por el propio Ian Anderson, como el laúd, la mandolina, la balalaica, el saxofón, la armónica, la gaita, el acordeón y diversas clases de flautas. Salvo contadas excepciones, todos los temas interpretados por el grupo han sido compuestos por Ian Anderson, auténtico líder y factótum del grupo. Anderson es un personaje camaleónico, tanto en su aspecto como en su capacidad para reinventar continuamente su propia música, lo cual ha permitido a Jethro Tull mantenerse joven a pesar de los años.

27 años después de su último concierto demostraron que su talento continuaba intacto y la llama de la química entre ellos viva como el día de su primer ensayo en 1968. Con una soberbia actuación única de reunión con motivo del homenaje a su querido Ahmet Ertegun, en aquella noche del 10 de diciembre de 2007 Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra) y John Paul Jones (bajo y teclados), arropados a la batería por Jason Bonham (hijo del lloradísimo John "Bonzo", batería original de LED ZEPPELIN), dejaron claro sobre el escenario del O2 de Londres que se pasaban por el forro la medianía de tantos miles de bandas de entre 18 y 35 años surgidas en el nuevo milenio, y que pululan por el planeta diciendo que hacen Rock duro. Y este documento, que no podría ser más impecable, es el mejor testamento que la veteranísima banda podía dejar de la que tal vez haya sido la más brillante y digna reunión jamás vista en la historia el Rock.

Y es que, incluso simplemente a través del mismo DVD incluido en este pack (no digamos ya en el mismo O2 ARENA en diciembre de 2007), escuchar el sonido de la intro mezclado con el del público con la expectación y la emoción apenas contenida, mientras el grupo se hace una última fotografía antes de tomar posiciones, y finalmente ver a Merrrs. Plant, Page, Jones y Bonham Jr. irrumpir en escena al contagioso ritmo de "Good Times Bad Times" es una de las experiencias más impactantes y especiales para un amante/connoisseur del género. Por lo trascendental del acontecimiento, por la llegada de algo tan esperado durante más de un cuarto de siglo, y sobre todo por la felicidad que produce comprobar el magnífico estado de forma artística en el que se siguen encontrando estos legendarios rockeros que, además, conservan plenamente la complicidad y el entendimiento musical (y seguramente personal) entre ellos.

Versiones tan impecables de clásicos tan definitivos como "Black Dog", "Ramble On", "Nobody`s Fault But Mine" o "In My Time Of Dying", entre muchas otras, no dejan lugar a la menor duda: LED ZEPPELIN están de vuelta, aunque sea por una sola noche. Podrían estarlo para mucho más, si quisieran. Pero no quieren (al menos no todos ellos). Prefieren dejarlo ahí, de nuevo en lo más alto más de cuarto de siglo después. No está nada mal semejante lección de dignidad...

Volviendo a lo puramente musical, aunque realmente el nivel es encomiablemente uniforme a lo largo y ancho de las dos generosas horas de concierto, resultan particularmente emocionantes algunos pasajes. Por ejemplo la estupenda "Fool In The Rain", una pieza del álbum Presence (1976) que el grupo nunca había interpretado en directo, naturalmente las inevitables "Kashmir" y "Stairway To Heaven", y por descontado las obligatorias "Whole Lotta Love" y "Rock & Roll", ya en los bises.

Es un decir. Realmente todas y cada una de las versiones aquí contenidas brillan con luz propia. Suenan rutilantes, potentes, maduras, extremadamente sólidas... ahí están también las magistrales "Misty Mountain Hop" y "The Song Remains The Same", el inolvidable blues de "Since I`ve Been Loving You", o la impoluta "No Quarter", o la tremenda energía que destila "Trampled Underfoot"... Todo, absolutamente todo sonó y quedó de matrícula de honor en la noche londinense tan felizmente inmortalizada en este documento bautizado como Celebration Day, en una referencia del grupo a un corte de su tercer álbum que, en cambio, no sonó esa noche.

Este doble CD y doble DVD (cuenta con un disco extra con imágenes de algunos de los ensayos de días previos al concierto) es ya un documento absolutamente imprescindible para cualquier amante del Hard Rock de la más fina factura, y de una de las bandas no solo más espectaculares y memorables en escena, sino (y este documento así lo demuestra) más atemporales.

Desde hace ya tiempo parece casi totalmente seguro que el grupo no se reunirá ya jamás para una gira completa. Los constantes rumores a ese respecto se desvanecen, pues. No obstante, ya siempre nos quedará de que, efectivamente, la magia existe. La mejor prueba de ello estuvo en aquella noche del 10 de diciembre de 2007, cuando tres de los cuatro caballeros originales de LED ZEPPELIN, con el hijo del siempre recordadísimo y forzosamente ausente batería original se subieron juntos veintisiete años después a un escenario, a la sazón el del O2 ARENA de Londres, para ofrecer un único concierto. Esa prueba fue felizmente grabada y filmada con milimétrica precisión, y hoy está aquí, y se llama Celebration Day. Así pues, con más fuerza que nunca, viva LED ZEPPELIN, viva el directo, viva la música y, para ser más exactos, ¡viva el puto Rock & Roll!

En la primavera de 1970, Howe, luego de audicionar para The Nice y Jethro Tull, decide unirse a Yes haciendo su primer show con el grupo en el Queen Elizabeth Hall el 21 de marzo de 1970. Como una curiosidad Howe fue fotografiado con el grupo para la carátula de la edición no-Europea del segundo álbum de Yes, Time And Word que se lanzó en agosto aunque era en realidad Banks quien había tocado en la grabación.

Su debut en el estudio no seria sino hasta el año siguiente en 1971 con The Yes Album, en donde al sonido ya característico de Yes de los primeros dos álbumes, se le agregaba una sólida y a la vez dinámica caracterización melódica, entregada mayormente por el amplio set de guitarras fenders, gibsons, mandolinas, guitarras acústicas, paseando fluídamente entre la psicodelia, el blues, el country, y hasta el barroco europeo, llegando hasta donde ninguna banda de rock había llegado hasta ese momento. Llegando a constituir de este modo el sonido progresivo característico de Yes. Célebre fue su solo para el tema Starship Trooper calificado por la revista Bilboard como uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de la historia. La introducción de una dinámica y humoresca pieza de guitarra acústica llamada simplemente The Clap, para celebrar el acontecimiento del nacimiento de su primer hijo: Dylan, nos hace retroceder a los comienzos de la música popular a la era dorada del Rag Time.

La suma de Rick Wakeman después de la salida de Tony Kaye para el álbum siguiente, Fragile, creó el clásico sonido de Yes con Anderson-Howe-Squire-Wakeman asociado con el apogeo de los logros tempranos de la banda. A su surtido ya-formidable de guitarra eléctrica y acústica, Howe agregó un único acercamiento del rock progresivo para pedal steel en el próximo álbum, Close To The Edge, en donde la complejidad instrumental se fusionó con temas de contenido onirico y místico que continuará en los siguientes dos álbumes como Tales from Thopographic Oceans y Relayer los cuales tienen también el sello característico de Howe. Sus influencias clásicas y del jazz, junto con su tendencia a la experimentación continua, ayudó producir un estilo único entre músicos de rock, mientras que grupo tomó una posición en conjunto como una de la bandas más importantes del rock progresivo. Aunque la banda sufrió algunos cambios en los años setenta, Howe, Anderson, y Squire fueron los elementos constantes durante toda la década.

En octubre de 1975, luego luego de la gira de Relayer, la banda toma un receso, lo que Howe aprovecha lanzando Beginnings, su primer álbum solista. En él participan miembros de Yes como Alan White, Bill Bruford y Patrick Moraz y fue el número 63 en ventas en el EE.UU. y número 22 en los charts del REINO UNIDO.

Luego de dos álbumes más junto Yes, incluyendo a Rick Wakeman: Going for the One (1977) y Tormato (1978), Howe alcanzaría el mayor apogeo de su carrera.

Luego de terminada la gira por Europa, Howe se concetra en la producción de su segundo trabajo, The Steve Howe Album, que se lanzó en noviembre de 1979. Esta vez Howe incluyó además de sus característicos temas instrumentales, y la participación de sus compañeros en Yes, a la hermosa voz de la cantante Claire Hamill.

A principios de 1980, sin embargo, Anderson y Wakeman son marginados del grupo debido a su creciente interés por el sonido de la New Age y fueron reemplazados unas semanas después por los Buggles Trevor Horn y Geoff Downes, desencadenando el rechazo de los fans y la disolución de Yes el 18 de abril de 1981, a dos meses de finalizada la gira de promoción del álbum Drama.

Durante los próximos años, Howe contribuyó en varios álbumes producidos por Horn para otros artistas (incluso Frankie Goes a Hollywood y Propaganda). Además de una destacada participación en Asia entre 1982 y 1983 y en GTR junto al guitarrista Steve Hackett entre 1985 y 1987.

Luego de la disolución de Yes y Emerson Lake and Palmer y UK en 1982, Howe, se une a Geoff Downes, Carl Palmer y a John Wetton, en una nueva banda llamada Asia pero después de dos álbumes de éxito masivos y algunos hits como Heat of the Moment, Only Time Tell, o Don't Cry, Howe deja la banda a causa de las diferencias con Wetton en 1983.

Luego de Asia, Steve Howe junto con el ex-Génesis, el guitarrista Steve Hackett en 1986 forma GTR. Su único álbum, GTR, fue disco de oro, con el single When the Heart Rules the Mind, pero el interés de Hackett por seguir con su carrera solista llevo y la salida del vocalista Max Beacon, Howe descubre en los ensayos a un nuevo vocalista y guitarrista llamado Robert Berry con quien intentará producir un nuevo álbum, sin embargo, Howe finalmente decide disolver la banda, y recomienda a Robert Berry unirse a Keith Emerson y Carl Palmer en Three con quienes llega a tener cierto éxito con el single "Talking about you" en cual ya había sido producido anteriormente con Howe.
 

En 1989, Jon Anderson, desilusionado con el nuevo Yes, se reúne con sus viejos compañeros Howe, Rick Wakeman, y Bill Bruford (ABWH) para ofrecerles grabar algunas canciones juntos. Es así como lanzaron un álbum y completaron una gira bajo el nombre Anderson Bruford Wakeman Howe, llevando a conflictos legales sobre de la propiedad del nombre de Yes. Al año siguiente se reunieron para la grabación de un segundo álbum en Francia, el cual nunca llegó a terminarse, conocido como Dialogue o, simplemente, ABWH-2. Algunas demos realizadas por Howe para este álbum aparecerían más adelante en Homebrew y Homebrew 2.

En 1991, a petición de Jon Anderson, acepta incluir los temas a medio desarrollar en un estudio de grabación de New York con ABWH y participar en una gira de promoción para un álbum de Yes llamado Unión, compartiendo escenario con Trevor Rabin, Tony Kaye, Chris Squire y Alan White. Cual sería su sorpresa al oír la edición final del álbum y encontrar sobre sus huellas la intrusión de post-producción de otros guitarristas a pedido del productor Jonathan Elias, con quien Jon Anderson había trabajado un par de años atrás.

En respuesta a su desencanto con Union, Howe decide tomar su trabajo para este álbum y, con la colaboración del baterista Bill Bruford, decide volverlos a producir en su estudio en Devon (Inglaterra), esta vez como un set de temas acústicos junto a otros temas ya ensayados con GTR en un álbum llamado Turbulence, el cual es lanzado a finales de 1991. Este álbum seria el primero después de 12 años del lanzamiento de su último álbum como solista, retomando de esta manera su carrera en solitario.

Además, mismo año, él contribuyó con un el solo de flamenco en el tema Innuendo del álbum del mismo nombre de Queen, el último antes de la muerte de Freddie Mercury.

Al año siguiente colaboraría en cuatro temas con su ex-compañero y buen amigo Geoffrey Downes, en su nueva reencarnación de Asia, esta vez junto al joven vocalista John Payne, en un álbum titulado Aqua, en donde también colaboraría Carl Palmer. Participó también en la gira de promoción de dicho álbum.

A partir de Turbulencce en 1991, Howe ha publicado una grabación casi cada año, yendo de lo acústico a lo progresivo, y a un particular tributo a Bob Dylan. Su hijo Dylan, ahora un respetado músico del jazz, tocó la batería en su descargo instrumental solista de 1998, Quantum Guitar. Elements, realizado en el 2003, incluye también a su hijo menor Virgil (en los teclados y coros), como parte de un proyecto llamado Remedy.

Brevemente en 1993, Howe trabajó en las partes de la guitarra para un Symphonic Yes un álbum de versiones de clásicos, y entonces dejó la banda después de que el sello Victory lo omitió de una invitación para participar en las sesiones del estudio que llevarían a su próximo álbum Talk con Trevor Rabin.

Luego del fracaso de Talk, Howe finalmente se reunió con Yes en 1996, para resucitar la alineación más clásica de esta banda junto a Anderson, Squire, Wakeman y White, realizando una serie de conciertos en San Luis Obispo que fueron editados en Keys to Ascension. Desde entonces, Howe ha aparecido de nuevo en todos los álbumes grabados por Yes.

El sitio web personal de Howe, Guitar Rondo, se lanzó en mayo de 1996. El guitarrista toma un papel activo en el sitio dirigiendo las subastas para los álbumes de oros y las guitarras de colección, y contestando las preguntas de los fans.

El 24 de mayo de 1996, Howe recibió un Honoris Causa en música en la Five Towns College en Dix Hills, Nueva York.
Los 2000

En cuanto a Asia, después de 25 años, algunas de las discordancias que llevaron a Howe a una ruptura con John Wetton se han disipado y Howe se ha reunido con los otros tres miembros fundadores en una gira mundial para conmemorar los 25 años de su primer éxito a finales del 2006, reinterpretando los éxitos de sus primeros dos discos y preparando el lanzamiento de otro nuevo, para abril del 2008, llamado "Phoenix".
El reconocimiento artístico

A pesar de los problemas que Yes estaba experimentando en ese momento, Howe fue elegido como "El Mejor Guitarrista de todos los tiempos" por Global la revista para guitarristas por cinco años (1977 - 1981) y se instaló en la "Galería de los más grandes guitarristas de todos los tiempos" en 1981.
La Gibson Guitar Corporation, la Segunda fabricante de guitarras eléctrica para Howe (qué él todavía está tocando después cuarenta años), declaró que Howe "elevó la guitarra del rock a un "nivel de arte" y ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "art rock". En un tributo a Howe y su guitarra Gibson ES-175, Gibson produjo una edición limitada en 2002.

Steve Howe se ha llegado a convertir en el sello progresivo en todas las bandas donde ha participado, y su inclusión siempre marcó un antes y un después. Su estilo clásico, versátil y matemáticamente estructurado, le da una cierta aura barroca fácil de reconocer frente a otros guitarristas de la escena del rock. Probablemente hay que ser músico o tener cierta sensibilidad musical para apreciar la contribución de Howe en la música, y pese a que algunos suelen deslumbrarse con la pirotecnia facilista de un Van Halen, o un Santana, o un Satriani, el maestro Steve Howe, con un estilo sobrio y depurado supo ganarse desde muy joven la admiración y el reconocimiento de sus pares, llegando a ser calificado por todos ellos dentro de los 10 mejores guitarristas de la historia del Rock.

 

De la mano de Leonardinsky hoy traemos a Logia Musical este concierto donde se presentó junto a dos de sus hijos.