Pedro Aznar (Buenos Aires, 23 de julio de 1959) es un compositor, cantautor y multiinstrumentista argentino. Formó parte como bajista de la banda Serú Girán, y como multiinstrumentista de Pat Metheny Group. Además lleva una extensa y exitosa carrera solista en la cual ha editado más de 30 álbumes entre discos de estudio, grabaciones en vivo, bandas sonoras de películas, y colaboraciones en conjunto con Charly García y David Lebón entre otros. Actualmente es el mejor músico de Argentina, el más completo, el mejor bajista de habla española, y se caracteriza por su humildad y por su armoniosa voz con la cual hizo muchisimos covers de diferentes generos musicales.
Sus comienzos en la música están ligados al rock, pero también se ha destacado en géneros como jazz, así como en el folclore latinoamericano y la fusión. Considerado un prodigio de la música, antes de los 18 años formó parte de la banda progresiva Alas. Ya con Serú Girán (aunque aún no se habían presentado con ese nombre) tocó con Billy Bond and the Jets.
Quebrado es el octavo álbum de estudio de éste músico argentino, lanzado en el año 2008. El disco doble cuenta con dos facetas bien distintas. El primero de los discos, dedicado a 12 composiciones propias; el segundo, a otra docena pero de covers de artistas como John Lennon, Sting, Charly García, Litto Nebbia, Nick Drake y Luis Alberto Spinetta, entre otros.

 

Este es un jazz contemporáneo pero no es eléctrico, básicamente las instrumentaciones corresponden a la clásicas del jazz, pero desde ahí los músicos contruyen puentes permanentes hacia diversos estilos, principalmente el rock, pero también hay lugar para otros estilos, con la tendencia de fusionar el lenguaje del jazz, donde prima la improvisación, con estructuras ajenas pero cercanas a todos. El repertorio musical del trio es original, escrito por los tres integrantes, composiciones siempre eclécticas pero en base al sonido jazzero, combinando en él diversos estilos del jazz contemporáneo, el rock y la musica clásica. Música esencialmente rítmica, muchas métricas irregulares, mucha base de rock pero siempre con instrumentos de jazz, temas de carácter lírico pero sin voz. Casualmente, en el siguiente video suenan los músicos acompañados por la voz del señor Nicolás Sorín (lo recordarán en su gran trabajo "Cosmopolitan" que presentamos en este blog, justamente acompañado por estos músicos, entre otros) tocan el primer tema de este álbum pero con vocales.
Triathlon es una clara y sintética expresión de la propuesta estética del trío: un ir y venir fluido y natural entre la música escrita y la improvisación. A partir de uno de los formatos más tradicionales del jazz, el piano trío, el grupo trabaja exclusivamente sobre composiciones originales que, basadas en el formato canción, están impregnadas de espíritus diversos donde confluyen el rock , el pop, la música de tradición clásica contemporánea, el jazz, la música electrónica y el grunge de los '90.
Potentes grooves, estructuras sobre métricas irregulares y un llamativo lirismo melódico se entrelazan con total simpleza para generar una energía fresca y descontracturada, donde las influencias de artistas como Robert Glasper, Avishai Cohen y The Bad Plus Trío alimentan la música sin que el discurso pierda personalidad. 

(Extracto de http://cabezademoog.blogspot.com.ar)

Brad Mehldau (n. 23 de agosto de 1970) es un pianista de jazz estadounidense que nació en Florida, se crio en West Hartford, Connecticut y se graduó del instituto público Hall en 1988. Empezó a tocar el piano a la temprana edad de seis años y descubrió el jazz a los doce años, cuando un amigo le puso una grabación en directo de John Coltrane. El álbum en solitario de Keith Jarrett Solo Concerts (Bremen/Lausanne) fue otra de sus primeras influencias, así como Bud Powell, Thelonious Monk y Charlie Parker. Comenzó luego a tocar en la banda de jazz de su instituto. El primer disco de jazz que se compró fue el Blue Train de Coltrane.

Mehldau se mudó a Nueva York en 1988 para estudiar jazz en la Universidad The New School, bajo la supervisión de Fred Hersch, Junior Mance y Kenny Werner, tocando además con Jackie McLean y Jimmy Cobb.

Más tarde tocó como acompañante con una gran variedad de músicos, como el conocido cuarteto de Joshua Redman, antes de formar su propio trío en 1994.

Mehldau interpreta tanto composiciones originales como clásicos de jazz y música popular. También tiene un gusto particular por la música de Radiohead y Los Beatles. Se le conoce principalmente por ser el líder del Brad Mehldau Trio, junto al bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy y Jeff Ballard (que sucedió a Rossy en el 2005). Sus primeros discos fueron editados por el sello discográfico español Fresh Sound Records.

Ha tocado y grabado también discos como solista y compartiendo el liderato junto a Peter Bernstein, Mark Turner, Charlie Haden y algunos más. En 2004, Mehldau estuvo de gira con Kurt Rosenwinkel y Joshua Redman.

Mehldau es comparado en ocasiones con Bill Evans, aunque a él no le agrada dicha comparación y explica por qué en el apartado de notas de su álbum The Art of the Trio IV. También es comparado con Keith Jarrett, aunque él describe el trabajo en solitario de Jarrett como una inspiración más que como influencia. Otras influencias citadas por él mismo son Miles Davis, Larry Goldings, Kurt Rosenwinkel, Jesse Davis, David Sánchez y otros miembros de su propio trío . Con formación clásica a sus espaldas, Mehldau es capaz de sorprendernos a menudo tocando melodías separadas, una con cada mano, con compases tan poco usuales como 5/4 y 7/4.

Les traemos su más reciente trabajo aunque puede que los anteriores también sean de tu agrado.

 

Esperanza Spalding (Portland, 18 de octubre de 1984) es una cantante y bajista estadounidense de jazz ganadora del Premio Grammy a la Artista Revelación del Año 2011, siendo la primera artista de jazz que logra el premio

Spalding creció en el vecindario de King en Portland, que ella misma ha descrito como "ghetto" y "bastante peligroso" Su madre, que la crió a ella y a su hermano en solitario, era una mujer trabajadora e independiente.

Como decíamos Esperanza Spalding ha sido la primera artista de jazz en ganar un Grammy a mejor artista novel. No es difícil entender por qué, si tenemos en cuenta lo complicado de acercar este estilo al público mayoritario, fuera de grandes como Diana Krall y compañía. Pero esta chica ha apostado por la fusión para insuflar nueva vida a su trabajo, y es que hay pocos géneros tan agradecidos a los nuevos ingredientes como el smooth jazz.

Spalding firma con Radio Music Society su cuarto disco de estudio, después de atreverse al poliglotismo en su segundo trabajo, Esperanza, y de haber sido la autora del álbum de jazz contemporáneo más vendido en 2011 con Chamber Music Society, que además la hizo valedora del premio Grammy. Así que las esperanzas, valga la redundancia, que en general se han depositado en este nuevo trabajo están respaldadas por una labor interesante, llena de alma y femineidad.
Esperanza Spalding logra con éxito la ardua tarea de producir un disco de jazz contemporáneo asequible, y en gran parte lo logra gracias a su fusión de otros géneros, a la belleza innegable de su voz y a su patente personalidad. Todos estos ingredientes dan como resultado un trabajo profundo pero entretenido, comprometido pero casual y, sobre todo, al alcance de todos los que quieran acercarse a él.

Tracklist: 

01. Radio Song 

02. Cinnamon Tree

03. Crowned & Kissed 

04. Land Of The Free 

05. Black Gold 

06. I Can't Help It 

07. Hold On Me 

08. Vague Suspicions 

09. Endangered Species 

10. Let Her 

11. City Of Roses 

12. Smile Like That

Bobby McFerrin (nacido como Robert McFerrin en Manhattan, Nueva York, el 11 de marzo de 1950), es un intérprete a capella largamente influenciado por el jazz y director de orquesta estadounidense. Es el hijo del renombrado barítono solista Robert McFerrin. Su canción «Don't Worry, Be Happy», aparecida en la banda sonora de la película de 1988 Cocktail protagonizada por Tom Cruise, fue el éxito número 1 en las listas de Estados Unidos. También ha colaborado con solistas como los pianistas de jazz Chick Corea y Herbie Hancock y el violonchelista Yo-Yo Ma y con la Saint Paul Chamber Orchestra. Es conocido por tener un gran rango vocal de cuatro octavas y por su habilidad para usar su voz para crear efectos de sonido, como su recreación de un bajo sobresaturado (con overdrive), que logra cantando y golpeando suavemente su pecho.

En 1987, cantó el tema principal de la serie de televisión The Cosby Show y de algunos comerciales de la televisión estadounidense. En 1993, cantó el tema de la Pantera Rosa en El hijo de la Pantera Rosa, original de Henry Mancini.

Hoy te traemos gracias a Baja Todo su nuevo trabajo Spirityouall de 2013.

 Tracklist:

01- Everytime
02- Swing Low
03- Joshua
04- Fix Me Jesus
05- Woe
06- I Shall Be Released
07- Whole World
08- Gracious
09- 2515
10- Wade
11- Glory
12- Jesus Makes It Good
13- Rest Yes Indeed 

Colbie Marie Caillat Hueva (nacida el 28 de mayo de 1985) es una cantante pop y country americana, compositora y guitarrista de Malibú, California. Debutó en el 2007 con Coco, que incluía los sencillos "Bubbly", "Realize" y "The Little Things". En 2008, grabó un dúo con Jason Mraz, "Lucky", que ganó un Grammy. Caillat lanzó su segundo álbum, Breakthrough, en agosto del 2009.

El 2 de diciembre de 2009, Breakthrough estuvo nominado en los Premios Grammy como Mejor Álbum Vocal de Pop. También estuvo nominada dos veces por Mejor Colaboración Pop, por su aparición en la canción de Jason Mraz, "Lucky" y su voz de fondo y la composición de la canción de Taylor Swift, "Breathe", y fue parte del grupo que ganó Álbum del Año por su voz de fondo y composición del disco de Taylor Swift, Fearless.

La popularidad de Caillat en MySpace la llevó a convertirse en el cantante número uno en no ser firmada por un sello por cuatro meses consecutivos

La combinación de ventas en Estados Unidos de sus dos álbumes es cerca de 2.5 millones con cuatro millones vendidos en todo el mundo, y diez millones de sencillos en Estados Unidos.

El tercer álbum de Colbie Caillat, llamado All Of You salió a la venta el 12 de Julio de 2011. El disco contiene 14 canciones escritas junto a Ryan Tedder, Toby Gad, Jason Reeves y Rick Nowels. Justin Young, el novio de Colbie ha escrito 3 temas para el disco. En este tercer álbum Colbie muestra una vez más su talento en una mezcla de canciones con un sentimiento alegre como "Brighter Than The Sun" y "Think Good Thoughts" acompañadas de guitarras acústicas que encajan a la perfección con las historias que esconden las canciones. También con temas llenos de verdad y en los que nos enseña situaciones distintas y más difíciles pero a las que también nos tenemos que enfrentar como "Shadow" y "Before I Let You Go" Siempre llenas de buena energía y esperanza.

“Yes fue influenciado en sus inicios (1968) por bandas precursoras del rock como The Who, Everly Brothers y los multifacéticos Crosby Stills Nash & Young. Rápidamente evolucionan a un estilo propio, caracterizado por complejas y recargadas armonías, tomando diversos elementos del Jazz, de la música clásica, junto con sus melódicas canciones y un enigmático contenido onírico y poético. Más duros y menos dramáticos que Genesis y menos electrónicos que los entonces psicodélicos Pink Floyd, el rock de Yes marcaría la historia con clásicos como, Fragile, Close To The Edge y Tales From Tophographic Oceans”.

“Close to the Edge” es una composición soberbia y sumamente ordenada, en la que cada sonido instrumental ha recibido gran cuidado en su factura. Rítmicamente contiene pasajes de métrica variada. En el caso del tema "Close to the Edge" se observa también superposición de acentuaciones, algo que en el rock no se conocía. Las influencias religiosas introducidas por Jon Anderson, son evidentes en la música y letra de las tres canciones de disco; el contraste entre el mundo espiritual y el material y la idea de que la unidad de todas las cosas es experimentada en un reino eterno. Close to the Edge es ampliamente considerado como uno de los álbumes principales del rock progresivo. Alcanzó el nº4 en las listas de ventas en el Reino Unido, y el nº3 en Estados Unidos”.  En el año 2003 se editó una remasterización que incluye 4 temas bonus con un total de 27 minutos.

Y en http://orfeoprog.blogspot.com.ar/2013/04/yes-close-to-edge-1972.html puedes encontrar la versión original de 1972.

Agradecemos el texto superior a Orfeoprog.

Murió Storm Thorgerson, un brillante creador de portadas de discos

Fue uno de los colaboradores más frecuentes de Pink Floyd, banda para la que diseñó la icónica portada de "El lado oscuro de la luna". Un recorrido visual por algunas de sus obras más importantes.

19.04.2013

Storm Thorgerson, diseñador de algunas de las portadas más importantes e icónicas de los discos de bandas como Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath, y Genesis, murió a los 69 años, víctima de un cáncer.

"Los diseños de Thorgerson eran una parte imprescindible del trabajo de Pink Floyd", expresó David Gilmour, lider de Pink Floyd, en la página web de la banda, lamentando la muerte de quien conoció en la adolescencia.

Thorgerson también diseñó las portadas de álbumes de Dream Theater, The Cranberries, The Mars Volta, Muse, Biffy Clyro y Peter Gabriel, pero su fama se debe fundamentalmente al prisma que refleja la luz en la cubierta del disco El lado oscuro de la luna, probablemente el disco más famoso de Pink Floyd.

El inglés formó, hasta comienzos de los 80, el colectivo de diseño Hipgnosis. Y también se dedicó a dirigir videoclips. Entre los más destacados, se cuentan los de las canciones "Owner of a lonely heart", de Yes, y "Learning to fly" o "High hopes", de Pink Floyd.

Inevitablemente, cuando escuchamos el nombre de Mike Oldfield, hasta nuestra mente llega el título de sus discos más famosos: los tres volúmenes de Tubular Bells. Sin embargo, este polifacético compositor y músico tiene joyas con tanta calidad como Tubular Bells, que lamentablemente no tienen, o no han tenido, tanta repercusión como otras. Nos referimos con esto a su disco titulado “Voyager”, que, si bien igualmente fue todo un éxito allá por el año 1996, lo cierto es que Oldfield ha cosechado una mayor popularidad con otros trabajos, tanto anteriores como posteriores.
Demasiado corto se nos hace este disco cuando escuchamos cualquiera de sus diez canciones, dejándonos un sabor de boca a la vez dulce y amargo. Cinco de ellas son maravillosas versiones de canciones tradicionales, que ha sabido embellecer, pasándolas por su propio y singular tamiz, en tanto que el resto, menos la primera del álbum, obra original de Bieito Romero, son composiciones exclusivas de Oldfield.
Una de las canciones tradicionales más hermosas de “Voyager” es sin duda “She Moves Through the Fair”, que todo el mundo en algún momento ha escuchado, bien en recopilatorios de música celta, bien en algún álbum de música chill out. La maravillosa versión de Oldfield supera con mucho lo que una se suele encontrar. En ella hay un juego tranquilo de tenues coros, al cargo de “London Voices”, y una bonita alternancia de guitarra, violín, y música electrónica. Con tal amalgama de diferentes sonidos se logra crear una atmósfera especial, como sacada de un antiguo cuento. En este punto recomendamos descolgar el teléfono cuando suene esta canción, porque puede llegar a ser realmente molesto.
Otra de las canciones de origen tradicional que se incluye en este álbum es la titulada “Flowers of the Forest”, todo un desafío a la habilidad y el talento, en la que colaboraron importantes músicos y compositores de música exclusivamente celta como Liam O´Flynn, que será mencionado más de una vez en el futuro, o los Highland Pipers.
Para no ser demasiado exhaustivos, era necesario terminar haciendo especial mención a la última de las canciones de “Voyager”: “Mount St Michel”, que es una de las mejores piezas musicales creadas por Oldfield. En ella tomaron parte músicos de la talla de Matt Molloy, integrante del grupo The Chieftains, pero también la London Symphony Orchestra. Siendo así, no podemos por menos que decir que se trata de una melodía poderosa, llena de pasión y de arrolladora fuerza, transportándonos, tal y como dice su propio título, al impresionante Monte de San Miguel, capaz de hacernos imaginar fantásticas historias.
Se trata, para resumir, de un disco que merece la pena escuchar y admirar. Se gana por goleada el título de “único”. 

Por Irene Sanz Montero

http://musicaparaelbunker.blogspot.com.ar

Tracks List

1. The song of the sun (4:32)
2. Celtic rain (4:40)
3. The hero (5:01)
4. Women of Ireland (6:27)
5. The voyager (4:23)
6. She moves through the fair (4:05)
7. Dark island (5:43)
8. Wild goose flaps its wings (5:03)
9. Flowers of the forest (6:01)
10. Mont St. Michel (12:18)

Total Time: 58:13

GRU es el proyecto del multiinstrumentista polaco Piotrek Gruszka que cita a los siguientes artistas y bandas como sus influencias: Guthrie Govan, Fredrik Thordendal, Allan Holdsworth, Tool, Textures, Dream Theater, Pink Floyd, Cynic, Animals As Leaders, and Jerzy Połomski.
En octubre del 2010 GRU lanza su álbum debut llamado " Cosmogénesis " y lo deja disponible para su descarga gratuita desde dropbox. Poco después el enlace es eliminado por saturación de tráfico. Ahora se puede escuchar el disco entero en: http://grumusic.bandcamp.com/album/cosmogenesis

El polaco productor Piotrek Gruszka (quien también se conoce con el apodo de Gru) utiliza el metal progresivo instrumental para invocar imágenes de los cuerpos etéreos que ocupan el espacio exterior. Eso es casi todo lo que hay que decir para convencer a muchos para que le den una escuchada a Cosmogenesis.
Como se mencionó anteriormente, las imágenes que invoca la lista de canciones son decididamente muy elevadas, pero con la música en un enfoque más pesado con influencias de jazz fusión Gru muestra una voz totalmente personal.Cosmogenesis es un título adecuado, ya que el álbum suena como la banda sonora de la creación del universo. Suena como un disco con integridad total, en lugar de ser solo una serie de canciones unidas como una ocurrencia tardía. Las cosas son por lo general suficientemente homogéneas como para mantener arriba un tema y estilo en todo el tiempo de ejecución que es de 33,54 minutos, pero las canciones son lo suficientemente pegadizas como para sostenerse como pistas únicas. Esta no es una tarea fácil, y Gru debe ser elogiado. A diferencia de muchos de los álbumes que se centran en un modelo de virtuosismo técnico pesado, Gru le gusta dar un paso atrás y dejar que evolucionen las canciones con sentimiento y no innecesariamente a masturbarse sobre algunos polirritmia . Lo técnico manda, sin duda, pero las cosas se ponen locas sólo cuando la canción demuestra una entrega intensa. Cada canción es hermosa y pensada. Los riffs proggy e hiper-melódicos solos están moviendo piezas con los niveles perceptibles de emoción que se pusieron en ellas. No sé cómo se las arregla para hacer todo esto , pero él lo logra con experiencia.Gru, al igual que sus contemporáneos en el zeitgeist de bricolaje metal, es algo más que un guitarrista talentoso, la producción en Cosmogenesis es elegante y claro donde otros pueden caer de plano. Si bien no te llevará mucho tiempo darte cuenta que la batería es programada en Cosmogenesis, los sonidos son bastante convincentes y ciertamente no suenan tan obvio. El bajo a menudo descuidado es también muy importante en el sonido del álbum, añadiendo carácter a las partes más pesadas donde el tono se sale y se vuelve tan importante como la guitarra.
Este álbum está profundamente enraizado en la fusión de jazz y metal progresivo. La obsesión con la gama baja de ritmo, riffs staccato, y el tono de la guitarra no es uno de los puntos que Gru quiera destacar, sino que trasciende esa escena en el virtuosismo natural que tiene en la guitarra. Cosmogenesis es un álbum increíblemente hermoso con pequeños defectos o inconvenientes y debe ser escuchado por cualquier persona interesada en la música progresiva o centrada en la guitarra. El álbum es totalmente gratuito, así que realmente no hay ninguna excusa como para no darle una oportunidad a este músico polaco.

Tracks List

1. Universe (1:11)
2. Nebula (5:48)
3. Pulsar (5:02)
4. Fermi Paradox (2:25)
5. Stellar (5:19)
6. Aurora (3:30)
7. Andromeda (5:27)
8. Zeta Reticuli (5:12)
Tiempo: 33.54 minutos

Änglagård es una banda sueca de rock progresivo sinfónico, que nació en verano de 1991 con la intención de rememorar el sonido del rock progresivo de los setenta, bebiendo de grupos como Génesis, Pink Floyd, King Crimson... El término anglagard, fue creado por Tord Lindman, el guitarrista de la banda, y viene a significar "Casa o granja de Ángeles".

A principios de los noventa, el rock progresivo como tal no ofrecía excesiva cantidad de bandas, por lo que se consideraba que había acabado su edad de "neoprogresivo de los 80". Pero los noventa volverán a suponer el nacimiento de nuevos sonidos. Anglagard crea su primer álbum de estudio, Hybris en 1992, tras la maqueta The Largen Demo, en 1992. Tracklist: 1. Jordrök (11:10) 2. Vandringar i Vilsenhet (11:53) 3. Ifrån Klarhet Till Klarhet (8:04) 4. Kung Bore (12:57) Bonus track on remastered CD: 5. Gånglåt från Knapptibble (7:19)

Supuso un álbum de gran reconocimiento internacional, que no obstante, es más apreciado hoy, gracias a la difusión de Internet. Está considerado como un álbum fundamental en el rock progresivo, y sirvió de inspiración a numerosas bandas del norte de Europa, Suecia, Escandinavia, Finlandia... Destacó por la complejidad de las percusiones, contundencia del bajo, los pasajes que creaban melotrones y órgano Hammond, la aportación de la flauta travesera, el carácter de fusión de estilos musicales, y el sonido tan oscuro del disco.

En 1994 grabarán su segundo y último disco de estudio: Epilog, más cercano al folk escandinavo y a la música contemporánea e igualmente bien acogido. Tracklist: 1. Prolog (2:00) 2. Höstsejd (15:32) 3. Rösten (0:14) 4. Skogsranden (10:48) 5. Sista Somrar (13:10) 6. Saknadens Fullhet (2:00)

La continuidad sonora en este álbum no está tan conseguida, resulta más heterogéneo en general.

Tras esto la banda dejó su actividad compositiva. Y sólo se han reunido en algunas ocasiones, por peticiones, para tocar juntos en directo. De esos pocos directos se grabó en 1994 un doble cd y un video directo: Progfest, que tuvo lugar en dicho festival. En 1996 grabaron otro directo: Buried Alive. En 1995, una doble compilación: After the Storm.

En 2002, la banda ha vuelto a los ensayos, de una manera nostálgica. En junio de 2003 volvió a los escenarios, y tocaron en Estocolmo. Eventualmente han aparecido en festivales en Francia, Bélgica, Alemania, en el Nearfest de Estados Unidos.

En 2012 retomaron el proyecto, 16 años después del último lanzamiento.

Lanzado el pasado 28 de junio 2012 “Viljans Oga” es el tercer álbum de estudio de Anglagard. tras 18 años el grupo se reúne nuevamente en estudio para este tercer trabajo que resulta una verdadera sorpresa, pero muy grata por cierto. Como no, se trata de la banda sueca de rock progresivo de mayor importancia y trascendencia de las últimas décadas.  El disco de hoy es complejo y requiere de múltiples escuchas para ser digerido objetivamente, e iras descubriendo sonidos nuevos con cada una de ellas. Un prog puro hecho actualidad ¡!!. Espero lo disfruten.

Tracklist: