Evanescence es el álbum homónimo y tercero de estudio de Evanescence . El álbum fue lanzado el 11 de octubre de 2011, a través de Wind-up Records.  La banda comenzó el proceso de escritura para el álbum en junio de 2009. El lanzamiento del álbum fue cambiado varias veces. En primer lugar, el 22 de febrero de 2010, la banda entró al estudio con el productor Steve Lillywhite, pero más tarde dejó de grabar el álbum con él porque "no era el más adecuado". Durante ese tiempo, el álbum estaba previsto a ser publicado para un agosto o septiembre de 2010 , pero Lee más tarde anunció que Evanescence había dejado el estudio para escribir más material. El 11 de abril de 2011, la banda volvió al estudio con un nuevo productor, Nick Raskulinecz, y el seguimiento se completó en julio de 2011.

Tras su lanzamiento, Evanescence recibió críticas en su mayoría positivas de los críticos de música quienes por lo general elogiaron los nuevos elementos musicales en el sonido de las canciones. El primer sencillo del álbum, "What You Want", fue lanzado el 9 de agosto de 2011. "Mi corazón está roto", el segundo single del álbum será enviado a Hot / Mod / AC  radio el 31 de octubre de 2011 y al pop de radio el 1 de noviembre de 2011.

Rick Florino de artistdirect escribió que el álbum era "su mejor álbum hasta la fecha y un nuevo clásico", y agregó, "Evanescence representan el rock moderno en su máxima expresión, y este disco es una prueba más. Se las arreglan para experimentar . Eso no es una tarea fácil, y  pocos logran hacerlo. Evanescence es espacial, en alza, fuerte y vivo completamente ". Nick Catucci de la revista Rolling Stone dijo que el álbum se compone principalmente de " mezcla de jarabe de piano, guitarra y cuerdas " que, según él, no eran tan "picante" como otro material de la banda.  Chris Willman de Reuters dijo que "cada canción en el nuevo disco también suena como diseñada para tocarse en los créditos finales de una superproducción de acción ".  Lepage Marca de La Gaceta concluye que el álbum es " tan sólido que empieza a sonar, resoplando, de manera épica y estridente ". Chad Grischow de IGN escribió que Evanescence es un " gran álbum que ofrece lo cotidiano sin perder de vista el futuro ". Rob Williams, de Winnipeg Free Press clasifica el álbum como un gótico nu-metal y hard rock con la orquestación dramática que hace que todo suene " grande y vivo " y concluyó que "con campanas extra para muchos  la desesperación nunca ha sonado tan épica".

Teón de Spin Weber dio una crítica agridulce del álbum diciendo que la banda tenía en la mano de Lee la posibilidad de hacer buena música, y añadió que "Evanescence se pierden en los espacios cavernosos esculpidos por su arma unsecret".  Edna Gundersen de EE.UU. criticó la producción de Raskulinecz y el sonido electrónico del álbum diciendo: "templado, su [Lee] llanto emocional mejora la magia hipnótica medieval de canciones de evidente firma Evanescence . Se notan algunos deslices de la electrónica en la mezcla, pero la esencia de la banda de rock y su gusto por las cadenas llorosas siguen siendo importantes, al igual que su talento para transmitir la desesperación miserable ".  Evanescence vendió más de 2.000 copias en su primer día de ventas en el Reino Unido.  El 12 de octubre, se anunció que el álbum será parte del top de la lista Billboard 200 en octubre 16, 2011 vendiendo más de 110.000 copias en los Estados Unidos.

La banda de Rock progresivo Impulso conformada por Rodrigo Ammannato en guitarra y voz, Federico Razzeti en batería, Hernán Casella en bajo y Emanuel Pin en teclados , flauta traversa y voz, se encuentra pronto al lanzamiento de su nuevo disco en estudio titulado "Mente y gravedad"

El mismo fue grabado casi en su totalidad en los estudios "La Pucha" entre los meses de noviembre de 2010 y febrero de 2011. La mezcla final y edición fue realizada hasta mediados de año aunque la banda no brinda mayores informaciones de los implicados hasta tanto no haya salido el CD.

Junto con el lanzamiento se espera el estreno del video promocional que se encontrará disponible en YouTube.

Este trabajo representa un salto cualitativo para la banda donde las orquestaciones y los planos instrumentales logran una mayor profundidad y coheción a temas que llegan a retrotraernos a los grandes momentos el rock sinfónico progresivo.

Su complejidad y delicadeza de sonido hacen de "Mente y gravedad" una pieza de gran valor en el rock nacional emergente.

Para promocionar este trabajo se han planificado una serie de recitales que se inician el 5 de noviembre próximo.

El disco podrá ser descargado en forma gratuita desde la web de la banda.

Dos pájaros de un tiro fue un proyecto artístico conjunto de los cantautores Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, ambos autores unieron sus voces en una gira conjunta durante el año 2007 que los llevó por escenarios de España y América: México, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Uruguay y Argentina.
La gira se inició el 29 de junio en Zaragoza y finalizó en Buenos Aires el 18 de diciembre de 2007, en total realizaron  72 conciertos.
El repertorio de los conciertos fue una alternancia de las grandes canciones de los dos artistas. En algunas, Serrat canta a Sabina y viceversa y en otras cantan a dúo las canciones de ambos. En todas, uno se funde en el otro para ofrecer versiones nuevas.
Los músicos que les acompañaron en la gira fueron: Pancho Varona (guitarras acústicas), Antonio García de Diego (guitarras, teclados y armónica), Pedro Barceló (batería) y José Antonio Romero (guitarras), compañeros asiduos de Sabina, Ricard Miralles (piano), Víctor Merlo (bajo y contrabajo), Patxi Urchegui (trompeta), José Miguel Pérez (saxofón) y Roberto Bazán (trombón); así como Paqui Sánchez y Marcela Ferrari (coros).
De los conciertos celebrados en Madrid se grabó un disco en directo y un DVD con más material que se editó en diciembre de 2007.

La Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

Dracula (Ópera Rock) es el decimotercer disco de estudio de la banda italiana editado en 2005. En este disco la banda vuelve a retomar un sonido más progresivo y compone una ópera rock que fue llevada al teatro de la mano del director argentino Alfredo Rodriguez Arias y con libreto de Vincenzo Incenzo, siendo esta obra uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.
La obra revitaliza tanto al género como a la banda que la creó, pues desde 1975 (con "Chocolate Kings" PFM no había logrado un álbum tan decididamente sinfónico, pues "Jet Lag" (1977) es más orientado al jazz-fusión, "Passpartù" (1978) es mas bien folklórico, y desde "Sounare Suonare" (1980) hasta "Serendipity" (2000) «sin olvidar, por ejemplo, la musicalización que hicieran para Fabrizio DE ANDRÉ en su álbum "In Concerto"» el grupo compuso álbumes que tienen que ver más con el rock pop que con el progresivo. "Dracula" es el re-encuentro de una de las mejores bandas italianas con el estilo que los hizo mundialmente famosos, y su regreso es una de las sorpresas más agradables que hubo a finales del 2005.

El álbum cuenta con las actuaciones de Mike Portnoy (ex-Dream Theater) en la batería y Randy George (Ajalón) en el bajo, así como apariciones de invitados especiales, incluyendo a Pablo Bielatowicz en la guitarra y Paul Gilbert (Racer X y Mr. Big). El baterista en vivo Collin Leijenaar toca en el bonus track 'Set El Reino ".
Neal y su banda estrenaron la canción principal, Lifeline, en la Noche del Festival Prog en  Loreley, Alemania. Se tocó también en un concierto en Trondheim, Noruega, pero con una banda local.
Más tarde se anunció que el álbum sería lanzado el 1 de octubre de 2008. A diferencia de muchos de sus versiones anteriores, línea de vida no es un álbum conceptual.
El ex Spock's Beard y ex Transatlantic, se ha concentrado en su carrera solista con un fuerte acento religioso. En ese estilo de discos, nos encontramos con éste álbum de Rock Progresivo, "Lifeline".
El disco conforma una fuerte declaración de principios, con letras  explícitas y una buena relación entre temas sincopados y otros más calmados. Es de destacar especialmente "Leviathan" con una intro muy del progresivo clásico, que casi nos recuerda al melotrón de los discos de King Crimson, para pasar a lo que sería su tema más sorprendente. "Lifeline" y "So many roads" .
Por supuesto, el estilo de Morse es fácilmente identificable y estas canciones traerán más de alguna reminisciencia de sus trabajos anteriores. Otra historia la traen las baladas "God's love" y "The Way Home", las cuales son muestras de la exquisita belleza de un hombre que canta con toda su alma. Para aquellos que pensaban que "Sola Scriptura" había elevado mucho los niveles a record mundial, "Lifeline" la dejó como marca olímpica. Insuperable.

David Jon Gilmour nació el 6 de marzo de 1946 en Cambridge, Reino Unido, y fue investido Caballero del Imperio Británico en noviembre de 2003 por su servicio a la música y su apoyo a los desfavorecidos.
David Gilmour costeaba sus estudios trabajando como modelo masculino y practicaba la música como un hobbie. Cuando cursaba sus estudios en el Cambridge College of Arts and Technology conoció a Syd Barrett, el futuro fundador del grupo Pink Floyd, que luego determinaría su entrada en el grupo. Antes de unirse a Pink Floyd, en 1965 Dave grabó entre 40 y 50 copias de cinco canciones junto a su banda (Jokers Wild), para su familia y amigos.
Luego que Pink Floyd terminara de grabar su primer álbum The Piper at the Gates of Dawn, David ingresa como apoyo de Syd Barrett, dado que arruinaba las presentaciones en vivo de la banda debido a los efectos de su ya avanzada adicción a las drogas estupefacientes. Pero no resultó, con lo que Syd es separado del grupo y David pasa a ser la voz y guitarra de Pink Floyd. Gracias a sus bends y sus armonías, llegó a ser considerado uno de los expertos de la distorsión y  lap steel en los años 70.
Junto con Roger Waters, tomaron el liderazgo del grupo. En el álbum Meddle da lo mejor de sí con sus solos en Echoes y One Of These Days. En The Dark Side of The Moon, muestra toda su distorsión en los solos de «Time» y «Money» y además se consolida como la voz principal de Pink Floyd, dejándole a Roger Waters libertad absoluta para componer.
Luego, la banda comienzan a tener un alto grado de reconocimiento mundial y graban álbumes como «Wish You Were Here» y «Animals». Pero como en casi todas las bandas, se generaron conflictos de interés entre los líderes.

On an Island es su tercer álbum de estudio como solista. Fue lanzado en el Reino Unido el 6 de marzo de 2006 (en el cumpleaños 60 de Gilmour) y al día siguiente en Estados Unidos. Es el primer álbum como solista de Gilmour en 22 años, después de About Face lanzado en 1984. 

Recibió una nominación al Grammy por la mejor canción de rock instrumental, "Castellorizon".
El álbum obtuvo disco de platino en Canadá, alcanzando ventas por sobre las 100.000 copias en el primer mes tras el lanzamiento, y llegando a la cifra de un millón de copias vendidas en todo el mundo.
El desaparecido Richard Wright: tecladista de Pink Floyd, Phil Manzanera: Guitarrista de Roxy Music y Guy Pratt: Bajista reemplazante de Roger Waters en Pink Floyd se unieron a Gilmour en la gira que realizó para promocionar el álbum. En el tour también estuvo Dick Parry, saxofonista famoso por sus interpretaciones en canciones como "Money", "Shine On You Crazy Diamond" y "Us and Them" entre otras y Jon Carin, quien ha colaborado con Pink Floyd desde 1987 y también ha trabajado con Roger Waters. En el tercer show dado en Londres se presentó Nick Mason sumándose en los bises. También contó con la participación de David Bowie. Su show en el Royal Albert Hall fue editado como un dvd en directo "Remember that night, Live at the Royal Albert Hall". En el concierto brindado en Gdansk, Polonia, se contó con la participación de la Orquesta Filarmónica del Báltico dirigida por Zbigniew Preisner, quien realizó los arreglos orquestales en la edición del álbum, ante más de 50.000 personas fue lanzado como un quíntuple disco con el concierto en cd y la grabación del concierto en dvd Live in Gdansk.

"Entren los que quieran", título del nuevo álbum de Calle 13, es un velado desafío a las barreras antiinmigrantes que imponen los países y un rechazo a la discriminación, contó René Pérez Joglar, líder de la banda, conocido como Residente. "Siempre tengo algo que decir, aunque no considero que seamos una banda social", explicó el cantante y compositor de la agrupación, reconocida por sus temas de discurso duro, muchos de ellos un retrato de la vida en urbes latinoamericanas.

"Entren los que quieran, es un mensaje de bienvenida, de inclusión. Es una invitación a que no haya tantas barreras contra los inmigrantes, ni barreras religiosas, que aceptemos lo distinto y tratemos de entenderlo", explicó René. Además de su éxito inicial, con temas como la potente cumbia Atrévete, Calle 13 llamó la atención mediática en todo el continente y Europa con sus conciertos y apariciones públicas con fuerte contenido político.

En octubre de 2009 durante la entrega de los premios MTV en Los Angeles, René abrió su camisa para mostrar debajo una casaca con una leyenda que pedía, con evidente sorna, un premio como "Mejor Artista Pop" para (el presidente venezolano Hugo) "Chávez", y otra que rezaba (Álvaro) "Uribe para bases militares", en referencia al ex presidente colombiano. "Dicen que somos una banda social, pero nosotros hablamos de todo, desde las fiestas a las cosas más serias. Claro que decimos algo, hacemos lo que todo artista tiene que hacer: decir algo", continuó René, quien integra la agrupación con su hermanastro Eduardo Cabra, conocido como Visitante.

El nuevo disco sigue a Los de Atrás Vienen Conmigo (2008), Residente o Visitante (2007) y Calle 13 (2005), con los que ganaron múltiples Grammy, Grammy Latino, Premios Billboard y MTV, y es otra muestra del eclecticismo de una banda hábil para ritmos que van del hip hop a la cumbia, y que incluso se anima a incursionar en el folclore. "Este es un disco un poco más complejo, musicalmente. Incluimos una canción (Latinoamérica) con raíces folclóricas, pero es moderno, fuerte, y cantan la brasileña Maria Rita, la peruana Susana Baca y la colombiana Totó la Momposina".

Deep Forest es un grupo de world music integrado por los músicos franceses Eric Mouquet y Michel Sanchez. Fusiona música étnica de diversas partes del mundo con sonidos electrónicos de vanguardia.
El proyecto se inició cuando Sanchez -músico de formación clásica y ávido estudiante de música étnica- compró a la Unesco numerosas grabaciones realizadas en diferentes comunidades a todo lo largo del continente africano. Decidió intentar combinar las grabaciones con un concepto pop moderno y se las mostró a su amigo Mouquet -autodidacta que componía y arreglaba principalmente con sintetizadores, dando a su música sonido ambient dance- a quien le interesó la idea. Ambos se fascinaron por la sorprendente técnica usada, en la que las cuerdas vocales se utilizan como un intrumento musical; y comenzaron a samplear los sonidos nativos para usarlos con sus pistas de dance atmosférico. Con el ingeniero y productor belga Dan Lacksman definieron un sonido: la música de Deep Forest intenta recrear el muy particular ambiente de una comunidad de la selva húmeda tropical y en ella se puede escuchar las aves gorjeando, el zumbido de los insectos, el gotear del agua en los helechos, las voces conversando mientras la gente camina. Finalmente, tras un año de producción apareció su disco inicial.

Este primer trabajo aparecido en 1992 y titulado Deep Forest, fue mejor identificado por el tremendo éxito internacional de su sencillo Sweet Lullaby. El disco reunió sonidos contemporáneos del ambient techno con las aullantes voces de los Baegu de las islas Salomón. En 1993 fueron nominados al Grammy en la categoría best world álbum. En 1994 apareció World Mix una reedición de su álbum inicial con versiones remezcladas añadidas.

Mouquet y Sanchez pronto comenzaron su siguiente trabajo, esta vez explorando áreas tales como Mongolia, la India, Hungría y otras áreas de Europa Oriental, grabando varias pistas con la cantante Márta Sebestyén. El álbum resultante, Boheme, apareció en 1995 y les valió para ganar el Grammy en 1996.

Le siguió en 1998 la tercera grabación, Comparsa, que con influencia cubana, caribeña, mexicana y malgache resultó un disco mucho más animoso y festivo que el anterior y cuyo título evoca las improvisadas fiestas callejeras de las islas caribeñas. En este disco colaboraron : Ana Torroja y el sirio Abed Azrié (en el tema "Media Luna") y la vocalista mexicana María Sabina ( en "Tres Marías") entre otros. El disco incluye además dos cortes ("Earthquake. Transition 1" y " La Lune se bat avec les étoiles. Transition 2") extraídos de una grabación-ambiente en la que los aborígenes hispanos del lugar expresan su teoría sobre la relación de los astros y la Tierra. Live in Japan, grabado en 1998 en concierto en Tokio, Japón, apareció en 1999. Para este directo, Mouquet y Sanchez se rodearon de doce músicos y de colaboradores que prestaron su voz en las siempre difíciles letras étnicas, como Gino Ceccarelli, Monkia, Lala, etc. En el 2000 el dúo grabó la banda sonora, Pacifique, para la película francesa 'Le Prince du Pacifique' que se estrenó sólo en el país galo y Belgica. Para esta ocasión, el dúo francés desplazó su equipo de grabación ambiental al corazón del Pacífico. Los temas que incluía el disco invitaban a soñar (con magníficas melodías como "Le baiser" y "L'île invisible") o a despertar nuestro espíritu más salvaje ( como "La révolte" y "la Veuve Furieuse", entre otros). En 2002 volvieron con su álbum de estudio, Music Detected . En este sexto trabajo, los samples nativos de los primeros discos dejan paso a los sonidos instrumentales de la guitarra eléctrica y de la batería, principalemnte, fusionados con voces robotizas y vocodeadas y también con instrumentos étnicos orientales ( como el sarod indio en el bellísimo "In the Evening" ). Las colaboraciones líricas corrieron a cargo esta vez de promesas como Anggum , Hajime Chitose y Beverly Jo Scott ( que interpreta entre otras, la canción "Yuki Song" dedicada a la esposa de Mouquet, la japonesa Yuki ) . En 2003 presentaron su recopilación Essence of Deep Forest. Un año más tarde, en 2004, publicaron una segunda recopilación " Essence of The Forest ", y también el que sería el último álbum del dúo : " Kusa No Ran " para el mercado japonés, y que sirvió como banda sonora para la película del mismo título. Es, de todos sus trabajos, el que más se diferencia con respecto al estilo al que nos tenían acostumbrados pues se trata de breves piezas melódicas con el piano como instrumento predominante. En 2008 retoman la senda con un álbum dedicado a Brasil con la participación de Flavio Dell´Isola y que aquí les acercamos para su disfrute.
Flavio Dell'Isola, es un cantante, compositor y guitarrista de Goiania (Brasil), que llegó a  Bruselas en los 80 y se quedó allí. Hoy vive en el norte de Francia. Allí, dio conciertos en París y Lille y se unió al proyecto de Deep forest para este canto a su tierra.
El símbolo de Deep Forest está basado en kanjis japoneses o en ideogramas chinos y es muy parecido al símbolo de la paz. Las líneas interiores representan un árbol y el círculo representa unidad. En la interpretación de Deep Forest, juntos significan «bosque», aunque en realidad el kanji para bosque es otro.

El nombre del grupo y de su primer álbum se deriva de que el proyecto fue dedicado al Día de la Tierra y el nombre Deep Forest (en español Bosque Profundo) resalta la misión de preservar las selvas húmedas tropicales alrededor del mundo.

Un porcentaje de ventas del álbum Deep Forest se entrega a la Pygmy Fund, para ayudar a poblaciones de pigmeos en la transición de la vida nómada a la agricultura. Una parte de Boheme va a la Gyoörgy Martin Foundation, que ayuda a proteger la cultura gitana en Hungría. A partir de Comparsa apoyan a la Sana Madagascar Association, que contribuye a preservar el ambiente y la cultura tradicional malgache.

Track List

01. Amazonia
02. Terra De Indio
03. Fazenda
04. Ceu Do Brasil
05. Africa Brasil
06. Minas Nascimento
07. Pe De Flor
08. A Volta
09. Goiano
10. Terra De Indio part 2
11. Cerradao
12. Sweet Lullaby Brazilian version
13. Virtual Forest
14. Pimenta Do Tempero

El tercer larga duración de los escoceses Cocteau Twins, y primero con su formación clásica (Robin Guthrie, Elizabeth Fraser y Simon Raymonde) constituye el primer trabajo en el que de forma completa se sientan las bases de su inigualable estilo a la hora de entender la música. Cocteau Twins comenzaron su carrera como una interesante propuesta deudora de los grandes innovadores del momento en la escena británica post-punk, como New Order y The Cure, y en sus primeros trabajos se aprecia dicha influencia, matizada de forma original con la inimitable voz de Liz Fraser. Pero también se apreciaban retazos cada vez más importantes de lo que realmente estaban buscando, y por fin dieron en el clavo con este peculiar y sorprendente trabajo publicado en 1984..

La música de Cocteau Twins en Treasure se apoya en los dos elementos fundamentales que la hacen única y especial: la voz magistral, increíble, de su vocalista, Elizabeth Fraser (y su capacidad para jugar con ella de modos sorprendentes), y el trabajo de Robin Guthrie para sacar de las guitarras sonidos que uno no imaginaría que fuese posible mediante multitud de imaginativos efectos. Con ambos elementos, construyen canciones que lejos de ser temas pop al uso, constituyen una suerte de ensoñaciones musicadas en las que la voz de Liz, entonando multitud de tonos para enlazar capas vocales, arpegios y filigranas con unas letras muchas veces incomprensibles, acompañada por la arquitectura sonora de sus compañeros, dan como resultado unos temas musicales de gran valor onírico e innegable originalidad formal.

Treasure abre de forma magistral con Ivo, en la que la propuesta de la banda se muestra de forma completa, con un sobresaliente vocal acompañado por la instrumentación y ecos de música oriental. A continuación, la famosa Lorelei, canción pop inclasificable (se acuñó la etiqueta de "dream pop" para definir canciones como ésta o la también excelente Aloysius) con mayor protagonismo del ritmo para recalcar los juegos vocales. Vendrán después miradas oscuras y atmosféricas, en los temas Beatrix (de sonoridades barrocas y medievales) Persephone y Cicely (las dos de estilo post-punk pasado por el inimitable filtro del grupo), atreviéndose incluso a homenajear el jazz-rock (Pandora), o los últimos coletazos de la psicodelia (Otterley). Para finalizar, nos regalan Domino, una larga oda que resume de forma magistral la original y llamativa propuesta del grupo.


Cocteau Twins fue, en la sombra, uno de los grupos más influyentes de la música alternativa que se hizo a partir de los últimos 80. Su estilo único, montado por la experimentación a la guitarra de Guthrie y la etérea al tiempo que poderosa voz de Fraser, fue punto de partida del pop más ambicioso que se haría con posterioridad. Una auténtica banda de culto con una calidad incuestionable, a descubrir por muchos.

Track list

-Ivo (3:55)
-Lorelei (3:43)
-Beatrix (3:13)
-Persephone (4:26)
-Pandora (5:34)
-Amelia (3:31)
-Aloysius (3:27)
-Cicely (3:29)
-Otterley (4:16)
-Domino (6:12)

http://discos-miticos.lacoctelera.net

Spinetta y Las Bandas Eternas fue el título de un mega concierto en el que Luis Alberto Spinetta recorrió toda su carrera.

Es decir, que tocó por casi cinco horas junto a sus compañeros de Almendra, Invisible, Pescado Rabioso, Jade, además de Charly García, Gustavo Cerati, Fito Páez y muchos más.

A un año del concierto, la empresa Mango’s Music (productora del recital y tienda de instrumentos en pleno centro porteño) puso a la venta un box-set compuesto por 3 CDs (el concierto íntegro), 2 DVDs con las imágenes del recital, 1 DVD con backstage y 1 libro con fotos y textos.

Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade, Spinetta solista, Los Socios del Desierto, los dúos con Fito y con Charly. La recorrida por los 40 años de carrera del Flaco, de la cual participaron unos 30 artistas invitados que van desde Gustavo Cerati hasta Charly García, pasando por Ricardo Mollo y Fito Páez, fue minuciosamente producida. La caja incluye todas las canciones interpretadas esa noche, un DVD con backstage y entrevistas y dos libros con fotografías, recientes e históricas.

Pieces of the Sun es el tercer disco en solitario de Tony Levin. Se trata de una fusión entre jazz, rock progresivo e instrumental. Cuenta con su banda para el proyecto, que incluye a Levin en el bajo , stick y el violonchelo, Jerry Marotta en batería, Larry Fast en sintetizadores y Jesse Gress en las guitarras. The California Guitar Trio acompaña al cuarteto en la primera canción, "Apollo". Además de sus deberes de percusión, Marotta toca la guitarra acústica Omnichord, y el saxofón . Las actuaciones vocales son principales en los temas "Tequila" y en "Dog One" que es una nueva grabación de una composición inédita de Peter Gabriel, que Levin, Marotta y Fast habían tocado alguna vez en el pasado.

Un registro interesante de este gran ídolo del bajo y el Stick