Bajofondo Tango Club es una banda de música sudamericana integrada por ocho músicos de Argentina y Uruguay. Decidieron acabar con "Tango Club" para abreviar su nombre simplemente a Bajofondo. El cambio en el nombre, más inclusivo y con un impacto inmediato, refleja el camino de la música de Bajofondo ha seguido. A menudo comparada con Gotan Project, su música es una fusión de tango acústico y música electrónica, que forma parte de un género tango en evolución, que se conoce como "electrotango" o "Tango Fusión", que es en gran medida ayudando a llevar el tango de nuevo en la corriente principal.
Gustavo Santaolalla es uno de los principales productores de la música latina de hoy. Su sello Surco ha lanzado álbumes de muchos artistas como Juanes, Orishas y la banda sonora de "Amores Perros" (que compuso). Este grupo especial fue concebido por Santaolalla Utilizando las ideas musicales de Nortec Collective (México) y Gotan Project (Francia). Es una mezcla ecléctica de casa francesa, tango argentino, Trip Hop, Drum and Bass y música chill-out. "Bajofondo Tango Club" Marca una dirección nueva y emocionante en la Música Latina Electronica para una audiencia internacional.

 Tracklist

Al fin su CD juego de palabras del tema "al fin sucede", es el disco del gran Gustavo Cerati editado en 2008.
En él, reúne versiones de temas propios y prestados y como apoyo para interpretarlos se rodea de viejos y nuevos amigos.

Aquí encontramos todo el ADN sónico de Cerati, esa cadena infinita de ritmos que ha cultivado en estos 20 años de trayectoria. Las colaboraciones van desde Leo Garcia y Andy Summers (ex Police), fusionando su Río Babel en De la Soul , hasta la tradición Folk iniciática argentina en las manos de Sui Generis. Cerati le toma el pulso a Latinoamérica en un disco que es más bien un ejercicio de estilo, de versatilidad y generosidad.

Mike Oldfield, que a fecha de 2007 aún seguía con Universal Music, manifestó, en numerosas entrevistas promocionales , que estaba trabajando para que su próxima obra fuera instrumental "a la antigua usanza", dividida en secciones, con instrumentos reales, más que los múltiples "samplers" de sus últimas obras. El proyecto se llama Music of the Spheres. Obra de corte clásico, con la colaboración de Karl Jenkins (Soft Machine, Adiemus) y en el que Oldfield toca guitarra española y acústica, y piano. El disco fue grabado en Abbey Road Studios en Londres, por Oldfield y Jenkins en junio de 2007.

En un principio el disco iba a ser publicado en noviembre de 2007, sin embargo asuntos personales (su esposa estaba embarazada) retrasaron la fecha hasta enero de 2008, y luego a marzo de 2008. La razón del nuevo retraso era poder promocionar debidamente el álbum, cosa que Oldfield no quiso hacer hasta que hubiera pasado algún tiempo desde el nacimiento de su nuevo hijo. Aún con la fecha de lanzamiento algo lejana, en septiembre de 2007 el disco ya estaba disponible en diversas redes de intercambio.

Finalmente, Mike Oldfield estrenaría su nuevo álbum Music of the Spheres el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao . Este concierto, en el que tocó junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sociedad Coral de Bilbao, sirvió como estreno mundial de su último disco, Music of the Spheres. El concierto, cerrado al público, se grabó y estuvo disponible en internet, a partir de la siguiente semana a su presentación, a través del iTunes de Apple. Junto a la guitarra de Oldfield, tocaron en el atrio 112 músicos y un coro formado sólo por mujeres.

El álbum, al igual que otros trabajos puramente instrumentales como Tubular Bells, Hergest Ridge u Ommadawn, está formado por dos partes de más de 20 minutos de duración cada una. Está compuesto para orquesta sinfónica, y cuenta con secciones interpretadas por coro, soprano y guitarra clásica que interpreta el propio Mike Oldfield. En general podría decirse que la obra pertenece al romanticismo musical, muy en la línea de trabajos anteriores como Hergest Ridge o Incantations. En la obra abundan los clásicos sonidos oldfianos: melodías minimalistas, cambios de texturas armónicas y tono melódico. Es una obra armoniosa y muy agradable al oído, con un tono ancestral muy apreciable. Pese a todo, no logra incorporar grandes dosis de originalidad.

Aunque hay rumores de su retirada, ha dejado una esperanza de un futuro álbum, quizá inspirado en el mar. De momento, en abril de 2008 se retira temporalmente, su dedicación a partir de ahí será disfrutar de su familia. Actualmente reside en Bahamas, aunque vivió en Ibiza y Mallorca y es un visitante habitual de estas islas. Recientemente ha comenzado a reeditar y remezclar sus grandes discos de la década de los setenta, incorporando en las reediciones material inédito de indudable interés para los aficionados a su música. Se comenta que Mike Oldfield estaría trabajando en un próximo disco, centrado en el sonido de la guitarra Telecaster. Por el momento, no hay información disponible al respecto.

Gorillaz es un proyecto musical británico creado en 1998 por Damon Albarn de la banda de rock alternativo Blur, que utiliza caricaturas para efectos de publicidad. La "banda virtual" que representa al proyecto fue creada por Jamie Hewlett, co-creador del comic book Tank Girl en Essex, Inglaterra. Un día mientras miraba MTV, Hewlett tuvo la idea de crear a la banda. En una entrevista comentó: «Si alguien mira MTV durante demasiado tiempo, podrá darse cuenta que es como el infierno — no hay nada entretenido allí. Así tuve la idea de crear una banda de dibujos animados con Albarn». Gorillaz está representado por cuatro personajes de dibujos animados: 2D, Murdoc, Noodle y Russel. Son usados para el material promocional, como en las portadas de discos, en carteles y en los conciertos, en los cuales se utilizan hologramas de los personajes. La música del grupo siempre cuenta con colaboraciones de diversos artistas; Albarn es el único colaborador permanente. Su música ha sido considerada como una mezcla de hip hop, electrónica, dub y pop. Gorillaz ha lanzado cuatro álbumes de estudio con las compañías discográficas Parlophone y Virgin: Gorillaz en 2001, Demon Days en 2005, Plastic Beach en 2010 y The Fall en 2010.
En abril de 2009 se lanzó el documental Bananaz que cuenta la verdadera historia detrás de Gorillaz desde su creación hasta 2006. En noviembre de 2009, se confirma un sexto álbum de Gorillaz, titulado Plastic Beach que salió a la venta el 8 de marzo del 2010. En febrero de 2009 se publicaron 3 demos del álbum: "Electric Shock", "Broken" (con Sid Hyet) y "Stylo". Jamie afirma que dará una nueva perspectiva a todos los personajes. "Stylo" fue lanzado como primer sencillo el 26 de enero de 2010 por medio de iTunes y cuenta con las colaboraciones de Mos Def y Bobby Womack. Actualmente Damon Albarn ha confirmado que se han grabado desde el principio más de 80 temas de los cuales actualmente se encuentran editados 18 y que según medios extra-oficiales se lanzarían una segunda y hasta una tercera parte de Plastic Beach, aunque Gorillaz no ha mencionado nada al respecto. Lo que podría ser una pista de ello sería el nuevo single Doncamatic que puede ser uno de aquellos 62 que faltan de editar.
Parece mentira pero ya pasó una década desde que esta banda de dibujitos animados irrumpió con un hit todoterreno llamado “Clint Eastwood”. Gorillaz cumple 10 años y para soplar la velita se autofesteja.
Mientras Damon Albarn se prepara para el lanzamiento del disco que grabó en el Congo, su proyecto más exitoso volverá a las bateas de novedades con un álbum que compila los mejores momentos musicales de sus tres producciones.
La obra saldrá al mercado el 28 de noviembre bajo el título de The Singles Collection 2001/2011. El lanzamiento será acompañado por una edición especial que contendrá un DVD con todos sus geniales videoclips y un CD con los remixes realizados.
Entonces, 2D, Murdoc, Noodle y Russel celebrarán su exitosa existencia con clásicos del nuevo milenio como “Tomorrow comes today”, “19-2000”, “DARE”, “Dirty Harry”, “El mañana”, “Stylo” y el más reciente “Doncamatic”. 10Música recomienda.

Rick Wakeman, quien había sido pieza clave en el sonido de Fragile, Close To The Edge y Tales From Topographic Oceans, abandonó el grupo para seguir su carrera como solista y realizar su segundo álbum de estudio titulado Journey To The Centre Of The Earth, debido principalmente a que tenía un contrato de exclusividad con otro sello discográfico y en Yes sólo aparecía como cortesía de él.

La partida de Rick no fue un impedimento para que Yes siga brillando y publique una obra de arte de tal majestuosidad como lo es su séptimo álbum de estudio: Relayer. El viaje que entrega este disco es simplemente cautivante, logrando un sonido arrollador y perfecto. Patrick Moraz, la nueva adquisición de la banda en teclados, imprimó su particular estilo libre y dinámico propio del jazz y la fusión (este fue el único disco en el que participó). Se rumoreaba que el encargado de los teclados iba a ser el griego Vangelis, cosa que no se concretó por oposición de los sellos.

El álbum está compuesto únicamente por tres canciones. La primera, llamada The Gates Of Delirium, es una compleja y dramática pieza de casi 22 minutos de duración basada en una obra literaria de Leon Tolstói. Sound Chaser, el segundo tema, presenta un alucinante intercambio de retos instrumentales entre todos sus ejecuntantes. To Be Over, que cierra el disco, es menos pretenciosa y contiene momentos más agradables.

Olias del Sunhillow es un álbum de rock progresivo conceptual de Jon Anderson, el vocalista y fundador de la banda Yes. La fecha de lanzamiento fue en 1976, constituyendo su primer álbum en solitario y el de mayor éxito de todos los esfuerzos en solitario de los integrantes del grupo, alcanzando el puesto # 8 en las listas británicas y las divisiones inferiores en el Top 50 de EE.UU.

El álbum cuenta la historia de una raza alienígena y su viaje a un mundo nuevo (la historia impresa en el sobre del LP lo llama "la tierra", con "e" minúscula), debido a una catástrofe. Olias, el personaje del título, es el arquitecto elegido para construir la vela Moorglade, que será utilizada para llevar a su pueblo hasta su nuevo hogar. Ranyart es el navegador de la vela, y Qoquaq es el líder que une las cuatro tribus de Sunhillow a participar en el éxodo.

La historia contada en ese cover dice así:

Evanescence es el álbum homónimo y tercero de estudio de Evanescence . El álbum fue lanzado el 11 de octubre de 2011, a través de Wind-up Records.  La banda comenzó el proceso de escritura para el álbum en junio de 2009. El lanzamiento del álbum fue cambiado varias veces. En primer lugar, el 22 de febrero de 2010, la banda entró al estudio con el productor Steve Lillywhite, pero más tarde dejó de grabar el álbum con él porque "no era el más adecuado". Durante ese tiempo, el álbum estaba previsto a ser publicado para un agosto o septiembre de 2010 , pero Lee más tarde anunció que Evanescence había dejado el estudio para escribir más material. El 11 de abril de 2011, la banda volvió al estudio con un nuevo productor, Nick Raskulinecz, y el seguimiento se completó en julio de 2011.

Tras su lanzamiento, Evanescence recibió críticas en su mayoría positivas de los críticos de música quienes por lo general elogiaron los nuevos elementos musicales en el sonido de las canciones. El primer sencillo del álbum, "What You Want", fue lanzado el 9 de agosto de 2011. "Mi corazón está roto", el segundo single del álbum será enviado a Hot / Mod / AC  radio el 31 de octubre de 2011 y al pop de radio el 1 de noviembre de 2011.

Rick Florino de artistdirect escribió que el álbum era "su mejor álbum hasta la fecha y un nuevo clásico", y agregó, "Evanescence representan el rock moderno en su máxima expresión, y este disco es una prueba más. Se las arreglan para experimentar . Eso no es una tarea fácil, y  pocos logran hacerlo. Evanescence es espacial, en alza, fuerte y vivo completamente ". Nick Catucci de la revista Rolling Stone dijo que el álbum se compone principalmente de " mezcla de jarabe de piano, guitarra y cuerdas " que, según él, no eran tan "picante" como otro material de la banda.  Chris Willman de Reuters dijo que "cada canción en el nuevo disco también suena como diseñada para tocarse en los créditos finales de una superproducción de acción ".  Lepage Marca de La Gaceta concluye que el álbum es " tan sólido que empieza a sonar, resoplando, de manera épica y estridente ". Chad Grischow de IGN escribió que Evanescence es un " gran álbum que ofrece lo cotidiano sin perder de vista el futuro ". Rob Williams, de Winnipeg Free Press clasifica el álbum como un gótico nu-metal y hard rock con la orquestación dramática que hace que todo suene " grande y vivo " y concluyó que "con campanas extra para muchos  la desesperación nunca ha sonado tan épica".

Teón de Spin Weber dio una crítica agridulce del álbum diciendo que la banda tenía en la mano de Lee la posibilidad de hacer buena música, y añadió que "Evanescence se pierden en los espacios cavernosos esculpidos por su arma unsecret".  Edna Gundersen de EE.UU. criticó la producción de Raskulinecz y el sonido electrónico del álbum diciendo: "templado, su [Lee] llanto emocional mejora la magia hipnótica medieval de canciones de evidente firma Evanescence . Se notan algunos deslices de la electrónica en la mezcla, pero la esencia de la banda de rock y su gusto por las cadenas llorosas siguen siendo importantes, al igual que su talento para transmitir la desesperación miserable ".  Evanescence vendió más de 2.000 copias en su primer día de ventas en el Reino Unido.  El 12 de octubre, se anunció que el álbum será parte del top de la lista Billboard 200 en octubre 16, 2011 vendiendo más de 110.000 copias en los Estados Unidos.

La banda de Rock progresivo Impulso conformada por Rodrigo Ammannato en guitarra y voz, Federico Razzeti en batería, Hernán Casella en bajo y Emanuel Pin en teclados , flauta traversa y voz, se encuentra pronto al lanzamiento de su nuevo disco en estudio titulado "Mente y gravedad"

El mismo fue grabado casi en su totalidad en los estudios "La Pucha" entre los meses de noviembre de 2010 y febrero de 2011. La mezcla final y edición fue realizada hasta mediados de año aunque la banda no brinda mayores informaciones de los implicados hasta tanto no haya salido el CD.

Junto con el lanzamiento se espera el estreno del video promocional que se encontrará disponible en YouTube.

Este trabajo representa un salto cualitativo para la banda donde las orquestaciones y los planos instrumentales logran una mayor profundidad y coheción a temas que llegan a retrotraernos a los grandes momentos el rock sinfónico progresivo.

Su complejidad y delicadeza de sonido hacen de "Mente y gravedad" una pieza de gran valor en el rock nacional emergente.

Para promocionar este trabajo se han planificado una serie de recitales que se inician el 5 de noviembre próximo.

El disco podrá ser descargado en forma gratuita desde la web de la banda.

Dos pájaros de un tiro fue un proyecto artístico conjunto de los cantautores Joan Manuel Serrat y Joaquín Sabina, ambos autores unieron sus voces en una gira conjunta durante el año 2007 que los llevó por escenarios de España y América: México, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Uruguay y Argentina.
La gira se inició el 29 de junio en Zaragoza y finalizó en Buenos Aires el 18 de diciembre de 2007, en total realizaron  72 conciertos.
El repertorio de los conciertos fue una alternancia de las grandes canciones de los dos artistas. En algunas, Serrat canta a Sabina y viceversa y en otras cantan a dúo las canciones de ambos. En todas, uno se funde en el otro para ofrecer versiones nuevas.
Los músicos que les acompañaron en la gira fueron: Pancho Varona (guitarras acústicas), Antonio García de Diego (guitarras, teclados y armónica), Pedro Barceló (batería) y José Antonio Romero (guitarras), compañeros asiduos de Sabina, Ricard Miralles (piano), Víctor Merlo (bajo y contrabajo), Patxi Urchegui (trompeta), José Miguel Pérez (saxofón) y Roberto Bazán (trombón); así como Paqui Sánchez y Marcela Ferrari (coros).
De los conciertos celebrados en Madrid se grabó un disco en directo y un DVD con más material que se editó en diciembre de 2007.

La Premiata Forneria Marconi (PFM) es una banda italiana de rock progresivo que alcanzó un alto nivel de popularidad en la década de 1970, con gran éxito en los rankings británicos y estadounidenses. A pesar de ser contemporánea de bandas como Banco del Mutuo Soccorso, Area, Perigeo, y Le Orme, la Premiata Forneria Marconi fue la única banda italiana de rock progresivo que obtuvo éxito fuera de su país de origen. Sus influencias musicales vienen de bandas como Genesis, y los comienzos de King Crimson, pero manteniendo un alto nivel de originalidad y distinción junto con un cálido sonido mediterráneo.

Dracula (Ópera Rock) es el decimotercer disco de estudio de la banda italiana editado en 2005. En este disco la banda vuelve a retomar un sonido más progresivo y compone una ópera rock que fue llevada al teatro de la mano del director argentino Alfredo Rodriguez Arias y con libreto de Vincenzo Incenzo, siendo esta obra uno de los musicales más costosos en la historia del viejo continente.
La obra revitaliza tanto al género como a la banda que la creó, pues desde 1975 (con "Chocolate Kings" PFM no había logrado un álbum tan decididamente sinfónico, pues "Jet Lag" (1977) es más orientado al jazz-fusión, "Passpartù" (1978) es mas bien folklórico, y desde "Sounare Suonare" (1980) hasta "Serendipity" (2000) «sin olvidar, por ejemplo, la musicalización que hicieran para Fabrizio DE ANDRÉ en su álbum "In Concerto"» el grupo compuso álbumes que tienen que ver más con el rock pop que con el progresivo. "Dracula" es el re-encuentro de una de las mejores bandas italianas con el estilo que los hizo mundialmente famosos, y su regreso es una de las sorpresas más agradables que hubo a finales del 2005.

El álbum cuenta con las actuaciones de Mike Portnoy (ex-Dream Theater) en la batería y Randy George (Ajalón) en el bajo, así como apariciones de invitados especiales, incluyendo a Pablo Bielatowicz en la guitarra y Paul Gilbert (Racer X y Mr. Big). El baterista en vivo Collin Leijenaar toca en el bonus track 'Set El Reino ".
Neal y su banda estrenaron la canción principal, Lifeline, en la Noche del Festival Prog en  Loreley, Alemania. Se tocó también en un concierto en Trondheim, Noruega, pero con una banda local.
Más tarde se anunció que el álbum sería lanzado el 1 de octubre de 2008. A diferencia de muchos de sus versiones anteriores, línea de vida no es un álbum conceptual.
El ex Spock's Beard y ex Transatlantic, se ha concentrado en su carrera solista con un fuerte acento religioso. En ese estilo de discos, nos encontramos con éste álbum de Rock Progresivo, "Lifeline".
El disco conforma una fuerte declaración de principios, con letras  explícitas y una buena relación entre temas sincopados y otros más calmados. Es de destacar especialmente "Leviathan" con una intro muy del progresivo clásico, que casi nos recuerda al melotrón de los discos de King Crimson, para pasar a lo que sería su tema más sorprendente. "Lifeline" y "So many roads" .
Por supuesto, el estilo de Morse es fácilmente identificable y estas canciones traerán más de alguna reminisciencia de sus trabajos anteriores. Otra historia la traen las baladas "God's love" y "The Way Home", las cuales son muestras de la exquisita belleza de un hombre que canta con toda su alma. Para aquellos que pensaban que "Sola Scriptura" había elevado mucho los niveles a record mundial, "Lifeline" la dejó como marca olímpica. Insuperable.