Rick Wakeman, nacido Richard Christopher Wakeman el 18 de mayo de 1949 en el suburbio de Perivale, al Oeste de Londres, es un teclista británico, famoso por ser integrante del grupo de rock progresivo Yes y por su prolífica carrera solista.
Asistió a la escuela Drayton Manor Grammar School , luego estudió piano, clarinete, orquestación y música moderna en el Royal College Music de Londres, pero pronto relegó sus estudios en favor de las sesiones en vivo en pubs y clubes londinenses, por lo que fue finalmente expulsado del instituto.
Desde 1969 y hasta 1973 Wakeman sería un músico de sesión muy activo, colaborando en discos de artistas como David Bowie, para el que toca el mellotron en los álbumes Space Oddity (1969) y Hunky Dory (1971, en los temas «Life on Mars?», «Oh! You Pretty Things» y «Changes»); de Cat Stevens, para el que toca el piano en el tema «Morning Has Broken»; o de Al Stewart. En 1985, Wakeman colaboraría otra vez con Bowie en el álbum Absolute Beginners.
También participó como músico de sesión en el álbum Dragonfly (1970), del grupo Strawbs, al que finalmente se incorporó como miembro permanente y grabó con ellos entre 1970 y 1971 los álbumes Just a Collection of Antiques and Curios y From the Witchwood. En 1971 se editaría también un álbum, Piano Vibrations, resultado de una grabación para la que Wakeman fue contratado con el propósito de interpretar la música de acompañamiento para un artista desconocido. La grabación se hizo en los estudios Pye en Londres, y fue publicado por Polydor aprovechando el éxito de Strawbs.
Wakeman entró en la banda de rock Yes en 1971, en sustitución del teclista Tony Kaye. Su primer álbum con el grupo fue Fragile (1971, Reino Unido; 1972, Estados Unidos), al que seguirían Close to the Edge (1972), el doble Tales from Topographic Oceans (1973) y el triple en directo Yessongs (1973). Abandonó la banda después de la gira de presentación de Tales from Topographic Oceans.
Su debut en solitario se produjo al tiempo que aún permanecía en Yes, con el álbum The Six Wives of Henry VIII (1973). En la grabación participaron varios componentes y excomponentes del grupo, como el guitarrista Steve Howe, el bajista Chris Squire y los bateristas Bill Bruford y Alan White. El disco, que obtuvo enormes ventas, catapultó la carrera del artista, y parte de su material fue interpretado en las giras de Yes, tal y como se recoge en el álbum en directo Yessongs.
Su siguiente álbum fue Journey to the Centre of the Earth (1974), otro álbum conceptual muy exitoso basado en la novela de Julio Verne que vendió más de 14 millones de copias, convirtiéndose de esa manera en el disco más vendido en la historia del rock sinfónico. En este álbum, Wakeman es acompañado por una banda de rock, la London Symphony Orchestra y el English Chamber Choir.
En 1975, lanzó su tercer álbum conceptual The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table, el cual fue apoyado por un show en vivo con bailes de patinaje sobre hielo, un gran número de músicos, que incluían su banda de rock, una orquesta y dos coros. El show fue muy bien recibido, pero su costo era extravagante y lo hizo declarar en bancarrota.
En años recientes Rick se encontró nuevamente frente a sus antiguos instrumentos analógicos y reflotando la vieja idea de que el sonido analógico es mejor que el digital decidió grabar Retro, su disco del año 2006 que aquí traemos.

En las propias palabras de Rick Wakeman: ...La idea del retro álbum surgió en el container cuando todos mis equipos eran descargados del camión en la Isla Man con el fin de iniciar un nuevo tour por Inglaterra. A medida que más y más containers eran abiertos y descargados al comprobar su contenido, mi ingeniero y co-productor Erik Jordan, (quien es considerablemente más joven que yo), continuamente salía mordazmente con comentarios tales como:

"¿Que diablos es esto?"...
"¡Eso tiene que ser más viejo que yo!" y ...
"¿Cuándo fue la última vez que se conecto ésto... y en qué?"
Después de la acostumbrada pausa del té en el descargue Erik dijo:

"Sabes que podrías hacer un gran álbum usando éstos teclados de museo. Sin midi, ni secuenciadores ... sólo utilizando instrumentos originales. Batería, y una banda. Trabajando de manera similar a lo que solía ser antes de que yo hubiera nacido!"

... y así ese momento anunció el nacimiento de RETRO .

Enigma es un proyecto musical electrónico alemán creado por Michael Cretu en 1990, en colaboración con David Fairstein y Frank Peterson. Cretu, que tiene instalado sus estudios de grabación A.R.T. Studios en la isla de Ibiza (España) desde principios de los años 90, es tanto el compositor como el productor del proyecto. Su ex-esposa Sandra había colaborado vocalmente en algunos temas de los discos de Enigma, mientras que Jens Gad participó como guitarrista en cuatro de los discos de Enigma.
Siete álbumes de estudio han sido producidos bajo el nombre del proyecto hasta la fecha. El primero y más exitoso, MCMXC a.D., vendió en 1994 14 millones de copias a nivel mundial.
Cretu había sido una de las primeras personas en hacerse construir un estudio de grabación digital privado en casa, e incluir samples vocales y elementos musicales no percusivos en sus grabaciones, como cantos gregorianos y la flauta shakuhachi.

A Posteriori es el título del sexto disco del proyecto musical Enigma, lanzado el 22 de septiembre de 2006. En diciembre de 2006, el álbum fue nominado en la categoría de Mejor Álbum de New Age para los Premios Grammy de 2007.
Mientras que el álbum previo, Voyageur, contuvo una cantidad mínima de los sonidos propios de Enigma, A Posteriori sólo incluyó el sonido del «cuerno de Enigma» durantre el minuto de apertura del disco, incluso de forma efímera. Unido esto con el argumento del disco sobre la colisión de la Vía Láctea con la Galaxia de Andrómeda, A Posteriori fue, comparado con los discos anteriores, austero y premonitorio.
«Goodbye Milky Way», único sencillo extraído del álbum A Posteriori, solo fue publicado para descarga digital a través de iTunes.
La noticia sobre el título del disco y su lista de canciones se publicó el 18 de julio de 2006 a través de la página de noticias Crocodile-Music.de y los foros de EnigmaMusic.com, mientras que sobre la de la portada del álbum se hizo pública diez días después. La primera pista mencionada del álbum fue «Hello + Welcome», lanzada previamente, y después de varios retrasos, como sencillo independiente de cualquier álbum en 2006. La dirección de Enigma declaró que se incluiría una nueva versión de este tema en el disco, mientras que el primer sencillo del álbum iba a ser «Goodbye Milky Way».
A Posteriori fue el primer álbum en ser grabado usando el nuevo estudio móvil de Cretu con 5.1 canales completamente computarizado llamado «Alchemist». El estudio era relativamente pequeño, limitado básicamente a un teclado principal y un número de controladores MIDI, y que incluía también algunas expansiones informáticas «especiales» y una computadora central con pantalla LCD. Fue diseñado personalmente para Michael Cretu y, según él, le fue de una gran ayuda para transferir sus ideas en sonidos musicales.
A posteriori, una frase del latín traducida como «después del hecho», se refiere al conocimiento empírico, el concepto epistemológico de obtener el conocimiento de la experiencia pasada.
El 16 de diciembre de 2006 salió publicado la versión en DVD de A Posteriori, constituido por imágenes caleidoscópicas cambiantes en sintonía con la música que reproducía, y que incluía también algunas nuevas remezclas añadidas al listado original del álbum.

Stephen James "Steve" Howe (nacido el 8 de abril de 1947 en Holloway, al norte de Londres, Inglaterra) es un guitarrista Inglés, conocido por su trabajo con el grupo de rock progresivo Yes. También ha sido miembro de The Syndicats, Bodast, Tomorrow, Asia y GTR, así como de haber lanzado 19 álbumes en solitario hasta septiembre de 2009.
Howe fue elegido como "Mejor Guitarrista general" por la revista Guitar Player durante cinco años seguidos (1977-1981) y fue incluido en la "Galería de los Grandes" de Guitar Player en 1981. Sólo otros dos guitarristas han sido elegidos como "Mejor Guitarrista general" en la categoría de la "Galería de los grandes" , esos son: Steve Morse y Eric Johnson.
La Gibson Guitar Corporation, fabricante de la segunda guitarra eléctrica de Howe (que todavía está usando cuarenta años más tarde), dijo que Howe "elevó la guitarra de rock a una forma de arte" y "ayudó a definir un nuevo estilo de música conocido como "arte rupestre." En un tributo a Howe y su guitarra favorita (la ES-175) , Gibson produjo una serie firmada por él en el año 2002: la "Steve Howe ES-175"
Rolling Stone lo ubicó en el número sesenta y nueve en la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en 2003. y aquí traemos el álbum 2011 de éste reconocido guitarrista británico, un disco instrumental fresco que une lo clásico, el jazz y el country. Time es una colaboración entre Steve Howe,  y el productor Paul K. Joyce, quien ha trabajado para el cine y la televisión. El primer contacto de Steve Howe con Paul fue en el año 2007 después de leer una entrevista sobre él y éste le sugirió la posibilidad de trabajar juntos en un proyecto orquestal, a partir de canciones que Steve había acumulado durante los últimos años, incluyendo parte del material con que había trabajado con su amigo Paul Sutin, con quien había lanzado dos álbumes el 1995. Time incluye varias obras originales de Howe, así como canciones de Paul y el hijo de Steve, Virgil Howe y otras piezas más convencionales del repertorio clásico de Bach, Villa-Lobos y Vivaldi.

Tracklist:

1. Bachianas Brasileiras No. 5 (Heitor Villa-Lobos) (3:58)
2. King’s Ransom (4:31)
3. Cantata No. 140 (Wachet Auf) (Johann Sebastian Bach) (3:57)
4. Orange (2:43)
5. Purification (3:52)
6. Rose (3:40)
7. The Explorer (5:09)
8. Kindred Spirits (5:10)
9. Concerto Grosso in D Minor Op. 3, No. 11 (Vivaldi) (5:24)
10. The 3rd Of March (5:51)
11. Steam Age (3:12)
12. Apollo (4:41)

Seven - A Suite for Orchestra es el primer álbum clásico en solitario del tecladista de Génesis Tony Banks. Fue lanzado por el sello Naxos en 2004. La suite está interpretada por la Orquesta Filarmónica de Londres y dirigida por Mike Dixon. Banks toca el piano en "marea viva", "The Ram" y "El Espíritu de la Gravedad". Fue su sexto álbum de estudio (y el octavo álbum en general).Alejándose de sus incursiones en el pop y a años luz de su lado más progresivo con el Genesis de mediados los setenta, Tony Banks regresa con un trabajo sobrio y maduro enmarado en el sonido clásico y orquestal, cargado de emoción y nostalgia. Por lo general las incursiones en el terreno clásico por parte de otrora estrellas del rock suelen resultar chatas y carentes de ingenio y originalidad como es el caso de las incursiones de Trevor Rabin en el genero del Sountrack, no obstante, este no es el caso. Anthony Banks nos muestra un trabajo genuino y lleno de dinamismo, el cual no sólo expresa su particular carácter y genio musical, así como también una música llena de intuiciones que en ningún momento nos resultará predecible o aburrida. Un gran acierto y una buena razón para consideran a Banks como un recurso en futuras bandas sonoras de films de corte histórico o enmarcadas en un cine de contenido.

TrackList:

01. Spring Tide (10:12)
02. Black Down (9:45)
03. The Gateway (7:31)
04. The Ram (8:52)
05. Earthlight (4:43)
06. Neap Tide (4:58)
07. The Spirit Of Gravity (11:38)

Metallica ha pasado los últimos tiempos celebrando su treinta aniversario con una serie de conciertos en el Teatro Fillmore de su San Francisco natal, con invitados como Dave Mustaine, Jason Newsted (ex miembros), Rob Halford, Jerry Cantrell (Alice in Chains), Kid Rock, Lou Reed y el productor Bob Rock, entre otros.

Ante un público compuesto por los miembros del club de fans oficial de la banda, convocado de forma íntima, los de Metallica ofrecieron cuatro conciertos con diferentes repertorios, tocando no sólo sus éxitos, sino también otras canciones menos habituales. Y de propina, cuatro temas inéditos.

Precisamente estos inéditos, que forman parte de las sesiones de su último álbum, Death Magnetic (2008), ven la luz oficialmente en forma del EP titulado Beyond Magnetic. Sus títulos son Hate Train, Just a Bullet Away, Hell and Black y Rebel of Babylon. La propia banda explica en su web que este nuevo material está ya disponible para descarga digital en iTunes en Estados Unidos, y en iTunes y otras plataformas para el resto del mundo. Estas cuatro versiones de estudio de las canciones estrenadas en los conciertos de aniversario fueron enviadas a los miembros del club de fans inmediatamente después de su debut en el Teatro Fillmore. Nosotros te la ofrecemos aquí sin que hagas mayores esfuerzos.

01. Hate Train
02. Just A Bullet Away
03. Hell And Back
04. Rebel Of Babylon

Focus 9 / New Skin es un álbum de estudio de 2006 de la banda de rock progresivo holandes FOCUS. Esta vez, Pierre van der Linden (el baterista de la alineación de enfoque clásico de los 70) se une a Thijs van Leer , Bobby Jacobs  en el bajo y Niels van der Steenhoven reemplazando al guitarrista Jan Dumée.

Focus es el nombre de la banda formada en 1969 por 4 músicos con formación musical clásica : el tecladista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver. Van Leer y Akkerman llevan el peso de la composición de las canciones, generalmente instrumentales. La banda se suele clasificar como de rock progresivo. Tuvo sus comienzos en 1969 en Ámsterdam, con la conjunción de Thijs van Leer Trio y Jan Akkerman.

En realidad en 1970 Focus fue contratada para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos. En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez. Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen. House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés. Focus aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman. Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, The Hunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista. Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Ámsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davis, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts. Fue convocado principalmente por su capacidad como vocalista y compositor, más que como bajista.

Heligoland es el título del quinto álbum de estudio de Massive Attack. En su momento se barajaron títulos como "LP5" y "Weather Underground".

El disco es una colección de 10 canciones donde aparecen colaboraciones vocales de Damon Albarn (Blur, Gorillaz), Hope Sandoval (Mazzy Star), Martina Topley-Bird (ex-cantante de Tricky), Guy Garvey (Elbow) y Tunde Adebimpe (TV On The Radio). Junto a Robert Del Naja y Grant Marshall, miembros fundadores de Massive Attack, también está presente en Heligoland el colaborador habitual del grupo Horace Andy.

Damon Albarn también participa en el disco tocando el bajo en "Flay of the blade" y los teclados en "Splitting the atom", mientras Adrian Utley (Portishead) toca la guitarra en "Saturday come slow". Massive Attack ha contado con la colaboración de Tim Goldsworthy (DFA) en varios de los temas del disco.

La portada ha sido creada por Robert Del Naja y diseñada por Tom H.

Con Splitting the atom como adelanto, simultáneamente al álbum se lanza el vídeo de Paradise circus, dirigido por Toby Dye y no recomendado a menores de 18 años por su alto contenido erótico. El vídeo mezcla imágenes de sexo explícito, de cine X, con declaraciones de una antigua actriz porno de 70 años, que cuenta sus experiencias cuando estaba en activo y cómo se sentía en lo personal y en lo profesional ante las cámaras. "Creo que es una pieza cinematográfica brillante, un gran trabajo", dice Robert Del Naja. "Lo que sorprende es la sensación que te deja y esa declaración de la actriz sobre el hecho de que hubiera hecho cualquier cosa para salir en televisión. Fue hace más de tres décadas y resulta increíble en aquel entorno cultural. La gente hace cualquier cosa por salir ante las cámaras y eso mueve sus decisiones, sin importar lo degradante o estimulante que sea. Lo importante es aparecer y eso fue para mí lo más patético del proceso".

Unas semanas después del lanzamiento original, el 2 de marzo de 2010, se publicó una edición especial en formato triple vinilo+CD con un libreto de 28 páginas con diseños exclusivos de fotografías y artwork del álbum.

GNA se presenta como banda invitada por El Otro Yo, el 11 y 22 de Diciembre en Groove desde las 19 hs.
Entradas en venta en Locuras (Once, Flores y Belgrano), Lee-Chi (Bond Street), La Cueva (San Martín y Lanús), La Estaka (Quilmes), Fuera de Sektor (Temperley), La Rockeria (San Fernando), Laser (Morón) y Ticketek

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El 8 de junio de 2010 Guerra lanzó el álbum AsondeGuerra el cual contiene Nueve ritmos musicales como Son, Bachata, Merengue, Bolero, Mambo, funk, Rock, Jazz, Reggae e incluye la coloboración del cantante Juanes entre otros y hits como: No Aparecen, La Guagua, My Bendición, La Calle feat. Juanes, Bachata En Fukuoka, Apaga Y Vámonos, Son Al Rey, Cayo Arena, Arregla Los Papeles,Lolas Mambo feat.Chris Botti.El primer sencillo de su nueva producción, "Bachata En Fukuoka," se ha colocado en la posición # 1 en las listas Hot Latin Tracks, Tropical Songs y Latin Pop Airplay Songs de Billboard. Simultáneamente, la colaboración de Guerra en el tema de Enrique Iglesias "Cuando Me Enamoro," se encuentra en la posición # 2 de la lista Rhythm Airplay Chart. Participa además en dos versiones de los temas Gracias a la Vida de Violeta Parra y de Que cante la vida de Alberto Plaza, junto a diversos artistas en beneficio a los afectados por el Terremoto de Chile de 2010.

Guerra también fue el primer anfitrión nombrado para el concierto la Pepa de la cadena MTV en Europa que se realizará en san Fernando (Cádiz) España. Compartirá escenarios con calle 13 y con muchos más artistas de talla internacional; esto es un gran aporte para su carrera artística del cantante dominicano, el cual ya empieza a ser parte de los artistas más influyentes que se acercan muy pronto a las nominaciones de los MTV EMA.

La Guagua Una canción de crítica social que hace énfasis al sistema en el que viven los hombres, Juan Luis Guerra nos presenta el divertido video de su tema 'La guagua'. Todo comienza con el dominicano en una sala de cine, en donde mira una cinta donde él mismo va en una "guagua" con un chofer que se rasura en pleno camino, una señora con rulos, mientras todos bailan a ritmo de guaracha y cantan "que la guagua va en reversa". En el camino ve a un señor bañándose en tina y hasta una vaca con lentes para 3d. Y para terminar, Juan Luis canta el final de la canción en el cine. Juan Luis Guerra junto al grupo mexicano Camila se convirtieron en los grandes ganadores de la undécima edición de los Grammy Latino al conseguir tres premios cada uno. Juan Luis logró llevarse a su casa la estatuilla de álbum del año, por "A son de guerra", junto a su banda 4.40. "Es un álbum de características románticas y sociales. Es el tiempo de llamar a las cosas como son y de reclamar mejor justicia, más honestidad y más integridad para los pueblos latinoamericanos. Esto es para una mejor Latinoamérica", dijo el artista dominicano sobre el escenario. Juan Luis Guerra no podía pasar por alto pues se llevó los premios más importantes de la noche: Álbum del año con “A son de guerra”, Mejor Álbum Tropical Contemporáneo por el mismo disco, y Mejor Canción Tropical por “Bachata en Fukuoka”.

 

Going Back es el primer álbum de Phil Collins en cinco años. Es un proyecto muy personal en el que ha versionado sus canciones favoritas. Gran parte del repertorio son gemas del soul clásico, canciones que jugaron un papel fundamental en su carrera, desde el "Papa was a rolling stone" de The Temptations a Uptight (Everything's alright) de Stevie Wonder, pasando por temas de The Four Tops, Curtis Mayfield and The Impressions, The Supremes, Smokey Robinson & The Miracles, Dusty Springfield.

Un homenaje a los clásicos de la Motown, el legendario sello de música soul, ya que para la grabación del disco, Phil Collins ha contado con la colaboración de renombrados músicos de sesión de Motown, como los Funk Brothers, una de las secciones rítmicas mas potentes del soul.

"Going back" se puso a la venta en diferentes formatos:

- CD+DVD, formato digipack. Contiene 25 canciones en el CD y un total de 29 en el DVD. Incluye un generoso libreto con abundante información, un extenso documental sobre la grabación del disco y las canciones en Sonido 5.1, WAV y MP3.

- CD sencillo con 18 canciones (que te acercamos aquí)

- I Tunes LP, edición especial con 25 canciones, un tema extra, 2 videos (documental incluido), fotos y letras. 

- Edición DeLuxe digital con 25 canciones

Louis Armstrong, también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.

Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico. Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

La generación más antigua de jazzistas de Nueva Orleans se refieren con frecuencia a sus improvisaciones como variaciones melódicas. Las improvisaciones de Armstrong fueron novedosas y sofisticadas en su época, aunque eran sutiles y melódicas. Lo que normalmente hacía era recomponer los temas populares que tocaba, haciéndolos más interesantes. El toque de Armstrong está lleno de alegres, inspiradas y originales melodías, saltos creativos y ritmos sutilmente relajados o dinámicos. El genio de estas composiciones tan creativas se origina en la técnica interpretativa de Armstrong, conseguida tras una práctica constante que amplió su gama, su tono y las capacidades de la trompeta. En estas grabaciones, Armstrong casi llegó a crear sin ayuda de nadie el papel del solista de jazz, convirtiendo lo que era en esencia una música colectiva de tipo folk en una forma de arte con enormes posibilidades para la expresión individual.

La actividad de Armstrong en los años veinte le llevó a tocar más allá de los límites de sus habilidades. Las grabaciones de los Hot Five, especialmente, presentan en ocasiones errores y omisión de notas, aunque son difícilmente perceptibles para una audiencia subyugada por unas actuaciones llenas de energía y espontaneidad. Hacia mediados de los años treinta, Armstrong alcanzó una seguridad plena al tener conciencia de lo que podía hacer y al realizar esas ideas con perfeccionismo.

A medida que su música progresaba y que su popularidad crecía, su canto también se convirtió en importante. Armstrong no fue el primero en grabar scat, pero fue uno de sus maestros y ayudó a popularizarlo. Consiguió un gran éxito con su interpretación de «Heebie Jeebies», con momentos de scat, y grabó «I done forgot the words» («Puedo olvidar las palabras») en mitad de su grabación de «I'm A Ding Dong Daddy From Dumas». Tales grabaciones fueron éxitos y el canto scat se convirtió en parte importante de sus actuaciones. Más allá de esto, no obstante, Armstrong experimentaba con su canto, acortando o alargando las frases, insertando improvisaciones, usando su voz de forma tan creativa como lo hacía con su trompeta.

Durante su larga carrera, tocó y cantó con los más importantes instrumentalistas y vocalistas; entre ellos, con Jimmie Rodgers, Bing Crosby, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Bessie Smith y, especialmente, con Ella Fitzgerald. Su influencia sobre Bing Crosby es particularmente importante con relación al consiguiente desarrollo de la música popular. Armstrong grabó tres discos con Ella Fitzgerald: Ella and Louis, Ella and Louis Again y Porgy and Bess para Verve Records. Sus grabaciones sobre temas de Fats Waller en Satch Plays Fats y su disco Louis Armstrong Plays W.C. Handy en los años cincuenta fueron quizá sus últimas grabaciones creativas realmente importantes, aunque grabaciones posteriores como Disney Songs the Satchmo Way tiene sus momentos musicales relevantes. En cualquier caso, sus últimas grabaciones son criticadas como simples o repetitivas.

Armstrong logró a lo largo de su carrera un gran número de grandes éxitos con sus interpretaciones; entre ellos se cuentan «Stardust», «What a Wonderful World», «When The Saints Go Marching In», «Dream a Little Dream of Me», «Ain't Misbehavin'», «Stompin' at the Savoy», «We Have All the Time in the World» (parte de la banda sonora de la película de James Bond On Her Majesty's Secret Service y parte también de una anuncio de 1994 de Guinness), etc.

En 1964, Armstrong desbancó a The Beatles de lo alto del Billboard Top 100 con «Hello, Dolly», que proporcionó al intérprete de 63 años un récord en Estados Unidos al ser el artista de mayor edad en conseguir un número 1. En 1968, consiguió otro gran éxito en el Reino Unido con la altamente sentimental canción pop «What a Wonderful World», que copó las listas británicas durante un mes, aunque en Estados Unidos no tuviese tanto éxito. La canción caló todavía más en la conciencia popular cuanto fue usada en la película de 1987 Good Morning, Vietnam, alcanzando como consecuencia de ello una gran popularidad en todo el mundo. También sería utilizada 9 años más tarde en la película Doce monos.

Armstrong se aproximó a muchos tipos de música, desde el blues más enraizado a los arreglos más almibarados de Guy Lombardo, desde las canciones folk hispanoamericanas a sinfonías y óperas clásicas. Armstrong incorporó influencias de todas estas fuentes en sus interpretaciones, a veces provocando el aturdimiento de sus fans, que querían que el artista se mantuviese en una línea más convencional. Armstrong fue situado en el Rock and Roll Hall of Fame al ser considerado como una de sus primeras influencias. Algunos de sus solos de los años cincuenta, como por ejemplo la roquera versión del «Saint Louis Blues» del disco con WC Handy, muestran que la influencia fue recíproca.

Fuente Wiki